Obras prestadas por: colecciones particulares, Patrimonio Nacional, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Fundación La Caixa, Patio Herreriano, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Azcona, Fundación Suñol, Fundación Juan March, etc. Pablo Palazuelo es una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX. Artista excepcional dentro del panorama del arte abstracto español, no solo por ser autor de una obra plena y rica en su diversidad que lo convierte en singular, sino también porque se aparta de las tendencias generales en las que se inscribieron el resto de los artistas de su generación, más interesados en la abstracción matérica o gestual. Su obra siempre minuciosa y pulcra, responde a una concepción de tipo geométrico muy personal que se caracteriza por una depuradísima técnica y un admirable sentido del color, constantes que están siempre presentes a lo largo de toda su carrera. Esta exposición titulada Palazuelo. Caligrafías musicales pretendía acercarse a la obra del artista desde su relación con la música, recorriendo la relación tan íntima que existe entre su obra, el sonido y el silencio. Permitía contemplar cómo el lenguaje musical subyace a toda la trayectoria del creador madrileño como un elemento común denominador. La muestra presenta obras procedentes de instituciones públicas y privadas, de museos y fundaciones así como de coleccionistas particulares que generosamente han cedido sus obras para esta exposición, sin las cuales no hubiera sido posible.

Esta colección comenzó a formarse hace más de 30 años por los organismos que precedieron a AENA en la toma de decisiones sobre inversiones en infraestructuras aeronáuticas. La mayor parte de las pinturas, esculturas, murales y obras gráficas, que componen la Colección corresponden, con algunas importantes excepciones, a la producción artística española e iberoamericana más reciente donde están representadas las más significativas tendencias del arte contemporáneo. La selección que se muestra en el MACA corresponde a una excelente generación de artistas que representan lo mejor del arte español del último cuarto del siglo XX. Nombres ya clásicos de una estética contemporánea como lo son: Eduardo Arroyo, Miquel Barceló, José Manuel Brotó, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Miquel Navarro, Pablo Palazuelo, Soledad Sevilla, José María Sicilia, Darío Urzay, Juan Uslé, Xesús Vázquez y Dario Villalba. Las obras escogidas destacan por su contemporaneidad y su fuerza expresiva y provocan en el espectador un intenso impacto emocional.

Premio ALCE al mejor diseño gráfico de exposición y materiales de comunicación Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada gracias a un convenio suscrito entre ambos ayuntamientos. La exposición estaba compuesta por un total de 20 obras, procedentes de instituciones y museos así como de colecciones particulares: Componen una selección de piezas comprendidas entre 1965 y 2008 con un evidente hilo conductor, en tanto que se trata de pinturas de gran formato y potencia expresiva, que muestran al Tàpies más rotundo y significativo. Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) es indudablemente uno de los artistas más importantes de la historia artística del siglo XX y uno de los representantes más genuinos de la tendencia informalista. Esta exposición invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene. Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel. La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no sólo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

La exposición “Blanco y negro: sujeto, espacio y percepción” es una aproximación a la obra de diversos artistas que, en el ámbito español desde el final de la posguerra hasta nuestros días, se han planteado la creación plástica desde la obra monocromática en blanco o en negro a la construcción de un espacio que se articula en torno a dualidades opuestas o complementarias. En consecuencia, plantear una exposición sobre el color es reflexionar sobre uno de los temas centrales para la creación contemporánea. Entre las sucesivas vicisitudes que atravesó el color durante el siglo XX, observamos cómo, desde la segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, el color sufrió un continuo proceso que lo transformó en un material común y banal dentro de la vida cotidiana, que pasaba a ser fabricado en serie y estandarizado por el comercio. En el ámbito artístico sus repercusiones no fueron menores, por ello, cierto número de artistas conformaron una paleta de colores muy alejada de cualquier voluntad espiritual, intencional o significativa que, hasta entonces, la tradición del arte había reclamado. Esta nueva presentación de la exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, que toma como base la Colección de la Fundación Chirivella Soriano, se estructura en cuatro ámbitos: Preludio sobre el blanco; individuo aislamiento, sociedad; la destrucción y el amor; y por último, Armonio de contrarios.

La muestra sobre Arte normativo está compuesta por más de 50 obras entre esculturas, pinturas y fotografías y conmemora el 50 aniversario de la primera exposición de Arte Normativo español que tuvo lugar en Valencia el 12 de marzo de 1960. La muestra, cuyos comisarios son Pablo Ramírez y Angel Llorente, muestra 12 esculturas de Andreu Alfaro, Grupo 57 y José María de Labra, 27 pinturas de Isidro Balaguer, Monjalés, Manolo Calvo y Grupo 57, 5 fotografías de José Martínez Perís, y Grupo Parpalló, 5 relieves luminosos del alicantino Eusebio Sempere, 2 tablas de José Mª de Labra, además de otros elementos expositivos como el cartel de la exposición de 1960 y una película de Equipo 57. El 12 de marzo de 1960 se inauguró en el Ateneo Mercantil de Valencia la Primera exposición conjunta de arte normativo español. Esta muestra fue organizada por el Grupo Parpalló y contó con la participación del Equipo 57, el Equipo Córdoba, José Mª Labra y Manuel Calvo. En la exposición se exhibieron obras de todos ellos junto con los miembros del grupo valenciano: Andreu Alfaro, Eusebio Sempere, Isidro Balaguer, Monjalés y el decorador José Matínez Peris. Coordinada por los críticos valencianos Vicente Aguilera Cerni y Antonio Giménez Pericás, la exposición constituyó la culminación de un intenso proceso previo de relación y debate entre los distintos críticos de arte, grupos artísticos y artistas que habían tomado partido por la abstracción geométrica en abierta oposición al informalismo. El arte normativo o normativismo fue la etiqueta autóctona propuesta, en la España de finales de la década de los cincuenta, con la intención de crear un amplio movimiento representativo, e inédito en nuestro país, de un arte abstracto geométrico heredero del neoplasticismo, el constructivismo y la Bauhaus.Formada por 12 esculturas, 27 pinturas, 5 relieves luminosos, 5 fotografías, 2 tablas y otros elementos expositivos como el cartel de la exposición de 1960 y una película del Equipo 57.