Espacios de resistencia reúne una serie de obras que buscan espectadores críticos. Cuestionando la realidad social y política, la sociedad de consumo, los medios de comunicación, la publicidad, la ciudad, el espacio público y la presencia del poder y sus mecanismos de inclusión y exclusión social, estos artistas plantean obras incómodas, ácidas, provocativas… Una propuesta transversal donde el proceso de creación artística se convierte en la propia obra o que construye y deconstruye una realidad fragmentaria. A través de nuevos formatos, lenguajes, soportes y técnicas contemporáneas, video, fotografía, instalación, programas informáticos o incluso a través de la pintura y la escultura, las obras mostradas reclaman siempre un espectador activo y comprometido. Herederas de las prácticas conceptuales desarrolladas en España, especialmente en Cataluña y Andalucía en los años 60 y 70 y con una fuerte carga lingüística, estas obras dibujan un paisaje de transgresión de los comportamientos artísticos que llega a desmaterializar el arte o a construirlo con archivos, documentos, fragmentos de imágenes, objetos cotidianos, materiales pobres como el polvo o las colillas y cachivaches extraños que adquieren otros significados. El arte funciona así como resistencia. Los artistas contemplan su proceso creativo solo desde la trascendencia social, desde el enfrentamiento al poder, pero también desde la paradoja, el humor o la ironía.El arte como denuncia pero también como forma de cambiar el mundo.La práctica artística se convierte en la única arma de supervivencia.

Paloma Navares es una pionera en el arte creado por mujeres. Su obra, clasificada por etapas y series, responde a diversos procesos de investigación en los que indaga las temáticas sociales, profundiza en el mundo de la mujer, sus ritos, costumbres y tradiciones. Su lenguaje plástico está construido desde la idea de hibridez y sustentado, desde sus inicios, en la práctica interdisciplinar, el ensamblaje de técnicas y soportes, y la utilización de materiales industriales. Fotografía, vídeo, sonido y luz se unifican en sus instalaciones, esculturas, objetos o collages. Las obras depositadas se exponen en el MACA desde marzo hasta junio de 2016 son la instalación En el umbral del sueño, 1992-93 y Eva, una escultura de fotografía y luz. Son obras en las que la artista trabaja con fotografía, vídeo, sonido, electricidad, materiales industriales como plásticos, integrando la obra con el espacio y la luz. En el montaje se presentan imágenes fraccionadas, adaptadas a soportes cilíndricos y planos transparentes, unidos todos ellos a la energía. Las dos obras pertenecen a una serie titulada Fragmentos del Jardín de la memoria donde la artista integra la fotografía, la electricidad y materiales industriales como el plástico, con el vídeo y grabaciones de sonido, creando y elaborando escenarios, puestas en escena que provocan emociones llenas de fuerza al combinar los efectos de luz y de sombra con interacciones espaciales y resonancias iconográficas. No en vano, Paloma Navares utiliza las imágenes de la pintura clásica para deconstruir el mito estereotipado de la mujer.

El MACA presenta su décimo quinta obra dentro del programa de La Pieza invitada. Se trata de "Escultura telemagnética", de 1960 en acero cromado, imán, agujas e hilo de nylon del escultor griego Panayoitis Vassilakis, conocido como TAKIS y procedente de la colección particular del artista Josep Pedrós i Ginestar quien fue ayudante personal de Takis en París. Takis es uno de los artistas más interesantes y desconocidos de la vanguardia cinética afincada en el París de mediados de siglo XX. Su obra, innovadora y dinámica, pone en relación el arte y la ciencia, explorando la relación entre los objetos ordinarios y las energías que los mueven y controlan, como los campos magnéticos, la gravedad, la luz y el sonido. Imanes que mantienen agujas en suspensión mientras trabajan con las fuerzas invisibles de la naturaleza para hacer visible un mundo invisible que, en palabras de Takis, es sencillamente pensamiento puro. El artista Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de algunos de los museos más importantes del mundo, como el Centro George Pompidou de Arte Contemporáneo de París, el MOMA y el Museo Guggenheim de Nueva York, la Colección De Menil de Houston, la Tate Modern de Londres y la Colección Peggy Guggenheim de Venecia. En 1986, el artista regresó a Grecia donde estableció el Centro de Investigación para las Artes y las Ciencias -conocido como la Fundación Takis en la colina de Gerovouno en Atenas. La Fundación fue inaugurada oficialmente en 1993, con el objetivo de promover el conocimiento y la apreciación de las artes visuales al público en general, así como proporcionar servicios y apoyar los programas de educación artística. El programa de la Pieza invitada Con este programa de exposiciones La pieza invitada, el MACA pretende acercar al público obras temporalmente cedidas por otras instituciones y que en el Museo adquieren un nuevo significado, al ser presentadas como una exposición de una sola obra en relación con el contexto de la colección permanente. La Colección Arte Siglo XX permite por la extensa nómina de artistas, la variedad de obras históricas y los numerosos momentos estéticos que se hallan representados, un programa enriquecedor de invitaciones. Obras concretas que, en diálogo, discusión, contigüidad o contradicción, se muestren inmersas dentro del contexto expositivo del museo. Desde su inicio en 2011 hasta la fecha, el MACA ha expuesto 15 piezas invitadas.

“Parada Estación” es una instalación de María Aranguren que rinde homenaje a Eusebio Sempere y se inscribe dentro del conjunto de actividades que el Ayuntamiento de Alicante y el MACA han programado con motivo del 30 aniversario de la muerte del artista. “Parada Estación” marca un recorrido, a través de catorce pequeñas piezas de policarbonato en la calle, que conduce al viandante desde la Plaza de la Santa Faz hasta el MACA. Catorce “Estaciones” en lugares elegidos por la artista entre las dos primeras estaciones del Via Crucis de la Santa Faz: la fuente, el Palacio, Portaferrisa, la curva de Maldonado, el callejón Heliodoro Guillén… En la búsqueda o en el hallazgo de los enclaves se establecen relaciones estéticas y conceptuales que propician una mirada diferente sobre los muros y fachadas de este barrio singular y acompañan a los visitantes hacia la puerta del MACA, donde una gran pieza homenaje, inspirada en la obra de Sempere, cierra el recorrido.

El MACA presenta la restauración e investigación del conjunto de 3 paneles decorativos realizados por el pintor Manuel Baeza para el pabellón vestuario de la Playa del Postiguet de Alicante. En 1956 el Ayuntamiento de Alicante construye unos pabellones de baño en la playa del Postiguet, y le encarga al artista alicantino, ya reconocido nacionalmente, Manuel Baeza (1911-1986), cinco paneles pictóricos de grandes dimensiones. Solo se conservan estos tres. Las obras permanecieron expuestas en el restaurante desde 1956 hasta que se procedió a la demolición de estas construcciones. Tras esto los paneles estuvieron varias décadas olvidados hasta que la concejalía de Cultura los guardó en sus almacenes. Tenían deterioros graves que afectaban a todos sus estratos: soportes disgregados y debilitados por la alta humedad relativa a la que habían estado expuestos por su cercanía al mar, y suciedades de varias naturalezas, así como barnices densos y oxidados que cubrían las capas de pintura. Recientemente fueron trasladados al departamento de Conservación y Restauración de Arte Moderno y Contemporáneo de IVCR+i en Valencia. Tras ser investigados y analizados se restauraron, consolidando y estabilizando los soportes de madera aglomerada, y eliminando cada uno de los estratos añadidos que los cubrían. La limpieza se realizó en tres fases consecutivas diferenciadas. Como medida de conservación de las obras se diseño y confeccionó un marco-caja de madera de tilo, que sin ningún sistema de anclaje al soporte refuerza toda la estructura de los paneles y les da estabilidad.   Estas obras recuperadas, que forman parte de la memoria colectiva de la ciudadanía de Alicante, vuelven a su ciudad y podrán visitarse en el MACA hasta el próximo 9 de enero.

El MACA dentro de los actos programados del Año Sempere con motivo del 30 aniversario de la muerte de Eusebio Sempere quiere rendir homenaje al artista alicantino a través de una exposición formada en su totalidad por obras de las colecciones del MACA que ponen de manifiesto la importancia de la música y la literatura en la obra semperiana al tiempo que ponen el valor el trabajo minucioso de serigrafía que realizó Abel Martín. Las Cuatro Estaciones de 1965 es la primera carpeta de serigrafías artísticas que se estampa en España. Hace de ello 50 años y la presentación en la Galería Juana Mordó se convirtió en un éxito de público y crítica sin precedentes. Fue el inicio de uno de los conjuntos de obra gráfica más importantes realizados en la España del siglo XX, el del artista Eusebio Sempere, excepcional tanto por su calidad como por su cantidad. Aproximadamente doscientas obras entre serigrafías, litografías y grabados, elaboradas de forma artesanal en las que se alcanzan altísimas cotas de perfección siempre minuciosa y a veces, preciosista.

La revelación de la pintura… reúne una selección de obras de distintos artistas que tienen en común el gusto por la pintura. ¿Es posible hablar de pintura en el siglo XXI? ¿Hablar la pintura o de la pintura? La pintura misma parece detenerse en la frontera de una superficie configurada por dos variables. La química y el gesto. Las reacciones de elementos químicos como los pigmentos de color, sustancias ligantes y aditivos, volátiles o sólidos, sintéticos o naturales, son la prueba científica de que la pintura existe. La forma de aplicar este compuesto coloreado de consistencia pastosa o liquida es lo que conforma el gesto y atrapa el tiempo, siempre fragmentado. Pero será la mirada (del pintor y del espectador) quien otorgue “sentido” al resultado. La pintura, esa “superficie accidentada”, tal vez de intensidad dramática, se revela en esta exposición tan presente en algunos cuadros como ausente en otros. Ventana por la que penetrar en un mundo inmaterial o muro texturado donde apreciar los pliegues de la materia. Olvido del objeto de la representación y hechizo del texto o de la textura. El pincel imperceptible y cierta sensación de acuosa transparencia. Artistas que a través de la pintura establecieron una forma de mirar el mundo que ha condicionado nuestra contemporaneidad. No es posible hablar de pintura española sin Joan Hernández Pijuán o Jordi Teixidor ni Carlos León, Alfonso Albacete, José María Sicilia o Prudencio Irazábal. Para cuando creíamos que la pintura había muerto para siempre, llegaron José Manuel Ciria, Antonio Mesones, Sergio Barrera, Juan Olivares, Nico Munuera y Oliver Johnson para desmentirlo. La espuma de los días, título de la novela de Boris Vian y de la escultura de Susy Gómez nos recuerda ese lugar imaginario donde no estuvimos nunca.

Mori el Merma fue un espectáculo teatral de la compañía Teatre de la Claca dirigida por Joan Baixas y Teresa Calafell con decorados, máscaras y grandes títeres diseñados y pintados por Joan Miró. Durante varios meses, Miró colaboró en el diseño de los personajes construidos en tela y goma espuma por el grupo y en marzo de 1977, en el propio taller de La Claca y como un miembro más del grupo, procedió a pintarlos y decorarlos. La aventura fue registrada por la atenta cámara de Francesc Catalá Roca. Tras meses de ensayos, la obra se estrenó en 1978, primero en el Teatro Principal de Palma de Mallorca y después, en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. El éxito fue rotundo y clamoroso. Esta “troupe” caótica y anarquista era la imagen de un país nuevo que había acabado por fin con la dictadura. En los primeros dos años, desde 1978 a 1980, Mori el Merma se representó por toda Europa: en el Centro Pompidou de París, en los Riverside Studios de Londres, en la Fondation Maeght de Saint Paul de Vence o en la Sala Olympia de Madrid. La importancia de Mori el Merma en la producción de Joan Miró es capital: no es una más de sus incursiones en la escena teatral, un aspecto artístico por el que sentía auténtica pasión. Se trata de la representación del personaje de Ubú ideado por Alfred Jarry, paradigma de todos los dictadores del siglo XX, el tirano vulgar y sangriento que encarna la corrupción y el despotismo y que Miró asociaba al general Franco. El personaje de Ubú, que Miró desarrolla plásticamente a través de una serie de dibujos y de tres carpetas de litografías, sube a escena con la obra de Mori el Merma recogiendo así su ideario político, transversalmente bañado de surrealismo. La historia de los muñecos de Mori el Merma en Alicante es complicada pero apasionante. Cuando en 1980, La Claca desmontó la obra para acometer una nueva etapa, Miró accedió a que se vendieran los decorados iniciales: parte de los cuales fueron depositados en la Fundación Miró de Barcelona y otra parte, gracias a las gestiones del artista alicantino Eusebio Sempere, se adquirieron por la Diputación de Alicante con el propósito de completar la Colección Arte Siglo XX. Mientras tanto, los decorados fueron expuestos en 1980 en el Museo de la Asegurada, no sin fricciones entre el artista y el Ayuntamiento como recoge la prensa. Después de catorce meses de exposición fueron desmontados y almacenados en cestos de mimbre que se retiraron por Diputación en 1988 donde se conservaron desde entonces. Nunca más se volvieron a exponer.

Obras de la Colección Fundación Caja Mediterráneo Michel de Certeau, filósofo francés, en la “Práctica de la vida cotidiana” cuando habla de las “invisibles identidades de lo visible”, hace una propuesta muy a tono para la fotografía. Él propone que lo que se ve en el paisaje urbano es siempre un indicio de lo que ya ha desaparecido, que lo visible designa a lo que ya no está. La idea de la fotografía como un mero reflejo de la realidad, ha sido superada en la actualidad por la mayor parte de los artistas que trabajan en este campo. En sus obras reflejan ya no sólo el instante fotografiado, sino situaciones, momentos algunos de un pasado ya no evidente o imágenes que nos indican o sugieren hechos, situaciones, sospechas, incluso estados de ánimo. Tanto Xavier Ribas con su obra Estructuras invisibles, (2006) como Javier Codesal con El monte perdido, (2003) nos hablan, desde un punto de vista antropológico, sobre la memoria y la ausencia, con un cierto carácter evocador de lo ya perdido. Xavier Ribas nos traslada a la actualidad para mostrarlos el pasado, lo que hubo en el espacio hoy ocupado por un bosque que oculta el horizonte. Fotografías tomadas en las ruinas mayas de Waka, en Guatemala, nos recuerdan los restos sin excavar de una civilización ya desaparecida. No se ve el monumento que en otro momento estuvo en el lugar. No es necesario. Permanece oculto a la vista del espectador mostrándonos únicamente la apariencia de las cosas, el recuerdo, pero no su significado que tendrá que ser descifrado por los restos, por las huellas de su paso por el territorio. Cultura y naturaleza, por tanto, van unidas, se solapan, no vemos los restos de la historia pero sabemos que se encuentra en ese lugar, preservada por el paisaje, en este caso, de la selva. Vemos, o más bien imaginamos, sin en realidad ver, una realidad que permanece en la memoria siendo ésta el elemento fundamental de su continuidad. Javier Codesal recurre a los espacios naturales, al montaje caleidoscópico de fragmentos de paisaje boscoso, en este caso el oscense Monte Perdido, para representar, a través de la naturaleza, su propia vida. El carácter fragmentario no sólo capta el instante, sino también lo que no se ve, lo secreto e invisible. Girando las fotografías, invirtiendo sus ejes horizontal y vertical, nos representa cómo la solidez vertical cae con el tiempo, se desploma y cómo la demarcación de un terreno que el artista identifica como el propio sujeto nos muestra la nostalgia por la pérdida de las personas ya ausentes. Temas como la ausencia, la desaparición y la muerte están presentes en la obra de este artista oscense.

El cubismo propone un revolucionario modo de pintar basado en un intenso trabajo de deconstrucción de la realidad, de renuncia a la perspectiva convencional, de ausencia de detalles y de geometrización de las formas. Al modificar la manera de plasmar la naturaleza de los objetos cotidianos, el cubismo cambió para siempre la forma de mirar la pintura: ahora el espectador debe recorrer planos, líneas y colores, dispuestos según un ritmo propio que obliga no sólo a una contemplación sensorial, sino también a un ejercicio intelectual de reconstrucción. La exposición se articula en tres ámbitos: la obra de Juan Gris -11 piezas excepcionales del artista madrileño-, la visión de los otros cubismos con la obra de otros artistas contemporáneos que trabajaron en París (Gleizes, Metzinger, Marcoussis, Lhote, Valmier, María Blanchard…) y, cerrando la exposición, la expansión internacional del movimiento recogida en la presencia de artistas españoles y latinoamericanos. Una selección de 37 obras de la Colección Cubista de Telefónica que ponen de relieve la diversidad de las propuestas y técnicas cubistas a lo largo del tiempo, con piezas bellísimas de una calidad excepcional. El Cubismo fue más que una vanguardia, fue el movimiento artístico que inauguró la modernidad. No hubo un solo cubismo sino muchos cubismos. Fundado en París a finales de la primera década del siglo XX por Braque y Picasso, sus límites temporales se extienden más allá de los años 20, cuando otros artistas se incorporan para redefinirlo.