La Colección de Mariano Yera sigue la evolución de la historia del arte en España ya que están representadas las principales corrientes pictóricas y sus autores más destacados. Se compone de más de ciento cuarenta obras de gran calidad, todas ellas expresivas de la particular mirada de cada uno de los sesenta y tres artistas que componen este singular testimonio de la creación pictórica española desde los años 50 del siglo pasado hasta finales del XX, una época rica en propuestas artísticas de enorme relevancia. Una selección más próxima a la generación de Sempere es la que se muestra en el MACA.

Presentamos la nueva exposición de la Colección Fundación Mediterráneo con vocación de permanencia que ocupa la segunda planta del MACA incorporándose así a la lectura de las colecciones permanentes del museo. La hemos titulado Con el tiempo 2 en un doble sentido. Con el tiempo es con-temporáneo. Aquello que está estrechamente ligado al tiempo presente. Lo que está sucediendo. Al igual que nosotros, contemporáneos de estas obras y compartiendo con ellas el espacio y el tiempo, compartiendo los presupuestos estéticos que las han visto nacer y los significados últimos. Con el tiempo es también aquello que ha pasado desde la Colección Arte Siglo XX que mostramos en la primera planta del museo y que nos donó Eusebio Sempere en 1977. Inevitablemente su colección se quedó cerrada en los primeros años 80. Desde entonces y Con el tiempo lo que ha venido pasando es lo que vamos mostrando a través de la Colección Fundación Mediterráneo ahora revisitada. La Colección Fundación Mediterráneo está compuesta por 213 obras de las cuales hemos elegido 18 obras entre pintura, escultura y fotografía de una contundencia plástica incuestionable. Obras que nos han venido acompañando en las diferentes exposiciones temporales que de la Colección se han realizado en distintos espacios y ciudades. Siempre es una sorpresa descubrir a los artistas representados en la Colección Caja Mediterráneo pero es aún más sorprendente descubrir qué obra de ellos se ha adquirido. Siempre se trata de una obra fundamental dentro de su trayectoria artística, ejemplo de lo mejor de su propuesta estética y por la que se reconoce a un artista como artista singular. Una obra por su contemporaneidad, rotundamente “clásica”. Y eso se pone de manifiesto en esta exposición. Es una exposición contemporáneamente clásica. El guión expositivo establece tres pequeñas exposiciones en tres espacios siguiendo la arquitectura de la sala: Un primer grupo de artistas presididos por la obra de Luis Gordillo, Las brújulas inapetentes que establece un hilo conductor a través de los cristales de Ignasi Aballí 7 pintures transparents, en el proceso mismo de búsqueda continua y cuestionamiento de la pintura más pura, la que se representa a sí misma con nombres como Juan Uslé, Carlos León y Joan Hernández Pijuan, enfrentados y reflejados en la obra de Jaume Plensa, The Porter. Un segundo grupo compuesto por obras de artistas mujeres que manifiestan la manera feminista de mirar la realidad. Territorios fantasmagóricos que acumulan una preocupación constante por el misterio, un hilo discursivo donde siempre se evoca la soledad o la nostalgia: Paisajes interiores de sutiles equilibrios cromáticos, veladuras esenciales por donde se escapa el tiempo como las obras de Carmen Calvo, Oir o la fotografía de Hannah Collins de la Cocina de La Laboral. O retratos tan contundentes que ponen de manifiesto el discurrir de las horas y los días a través del propio rostro de Esther Ferrer. La historia se completa con la imagen de la mujer en inestable equilibrio sobre una rueda de Fórmula 1, obra de Francesc Torres y la enorme polilla que se come los trajes de fieltro de Joseph Beauys, excelente fotografía de Jana Sterback. Y un tercer grupo que aglutina una serie de obras de distintos artistas que tienen en común el proceso de creación. Un proceso fragmentado, hecho a pedazos, muchas veces asimétrico y que deja ver la estructura de la obra siempre con una sensación incómoda de desnudez o desprotegimiento. Pello Irazu, Miquel Mont, Manu Muniategiandikoetxea y Daniel Verbis conforman la selección de artistas. Una generación preocupada por los problemas de espacio, volumen y representación a los que une un hilo invisible de familiaridad. Artistas que no ofrecen soluciones sino que cuestionan, y trasladan al espectador, los problemas de una realidad que viene configurándose de manera cada vez más compleja y fragmentaria, donde las ideologías han perdido vigencia y el discurso social, político o estético se ha vuelto incompleto, precario y, en multitud de ocasiones, caótico. Y ello nos lo recuerda la obra de Juan Ugalde, Extraviadas las garzas, representando una arquitectura que responde a una primera necesidad: la habitación convertida en urgencia pero al mismo tiempo en materia plástica, en el escenario de una realidad estética muy personal pero también de denuncia social indagando en lo que habitualmente no miramos o no queremos mirar.

La muestra compuesta por tres planchas y un rollo de papel interminable forman parte de la creación más reciente de la artista china donde evoca sus viajes a través de las montañas chinas sagradas; rollos de papel y tinta china de grandes proporciones que se despliegan alargándose a modo de manantiales en los espacios donde intervine. En la exposición “Metamorfosis”, Bingyi recurre a los juegos de luces y sombras, manchas suaves y delicadas, propias de la poética del haiku, donde la artista gusta desenvolverse, al manifestar su asombro y arrobo que le produce la contemplación de la naturaleza.

Desborde consiste en un tejido de gran tamaño cuya materia prima es hilo de plástico rojo, naranja y dorado con un alma de alambre. La estructura que está formada por 100.000 metros de alambre y 3 millones de nudos, que parte del concepto de fractal, un nudo que se repite y conecta las distintas partes de la malla con una gran posibilidad de permutaciones.

Obras realizadas en técnicas y soportes muy diversos: pintura, fotografía analógica y digital, impresiones, proyecciones, collage o instalaciones, etc., pobladas de seres humanos. De la naturaleza humana aglutina una serie de piezas de distintos artistas que tienen en común la representación de la dimensión humana. Narrativas en torno al cuerpo humano como figura, como individuo, como fragmento pero también como suma o multitud. El arte ha diseccionado al ser humano a través del entendimiento, de las pasiones o de la moral, del mismo modo que el filósofo escocés David Hume. Más escéptico que nunca el individuo conforma su percepción del mundo a través de ideas e impresiones. Y así, entre la atracción y la repulsión, las obras de artistas como Daniel Canogar, Enrique Marty, Javier Pérez, Santiago Ydáñez, Jana Sterbak o Javier Vallhonrat se enfrentan a las de artistas consagrados como Juan Hidalgo, Esther Ferrer, Albert Porta/Zush o Pepe Espaliú para situarse en el territorio de la incomodidad, instándonos siempre a la reflexión sobre nuestro yo y nosotros mismos…, sobre nuestra naturaleza humana.

Cuatro propuestas artísticas a cargo de las artistas más representativas del panorama artístico contemporáneo. A partir de un recorrido circular, las obras de Carmen Calvo, Eva Lootz, Isabel Muñoz y Flor Galindo nos muestran que las preosupciones que tiene el ser humano como entidad creadora son las mismas que tenían en la historia antigua y medieval. Cada instalación va acompañada de una selección musical ofrecida por Capella dels Ministrers, eje a partir del cual se conforma el Ciclo de la Vida.

Serigrafías de la Ibero-Suiza La serigrafía Ibero-Suiza fue fundada en Valencia en 1963, y con la incorporación de José Llopis Dasí, el taller se especializó en la producción de obra gráfica. La desplazaron para trabajar en sus talleres de Liria, convirtiéndose en los años setenta en uno de los talleres serigráficos más completos de los dedicados a la estampación artística en España. En 1964 entran en contacto con Toledo, Valdés y Solbes (Equipo Crónica) estableciendo una fluida relación. Tanto Equipo Crónica, como posteriormente Equipo Realidad, instalaron en algún momento sus estudios en el mismo espacio que ocupaba la Ibero-Suiza. Esta relación de cercanía y amistad,unida a la afinidad política con los artistas hizo que las colaboraciones fuesen continuas. En 1972 se realizó la carpeta “Compositions” de Equipo Crónica, editada por Gustavo Gili para ediciones La Cometa. Esta serie era la más importante que habían realizado hasta esa fecha y a partir de ese momento la demanda de serigrafías artísticas se incrementó hasta constituir el 80 % de la producción de la empresa, cuyos talleres se trasladaron a Liria en 1973 manteniendo una oficina comercial en Valencia. Ese mismo año entra a formar parte de la empresa Paco López, quien la dirigió junto a Ignacio Llopis, desde el fallecimiento de José Llopis en 1982, hasta el cierre en 1998. La amplia nómina de autores a los que prestó sus servicios Ibero-Suiza resulta sorprendente. Nombres fundamentales en la historia del arte español de la segunda mitad del siglo XX, desde Renau y Tàpies, hasta Saura y el Equipo Crónica, pasando por Chillida, Arroyo, Torner, Zóbel, Sempere, Yturralde, Teixidor o el Equipo Realidad, pasaron por estos talleres que tanta importancia ejercieron en la consolidación y difusión de un arte vinculado con las propuestas abstractas del momento y con las posiciones más políticamente comprometidas existentes en la época. La reciente adquisición por parte de la Universitat Politècnica de València de un elevado número de estampaciones compuestas por pruebas de taller y de autor, así como de obras que completaban la edición comercial, constituye el eje de la presente exposición. En la misma se recoge una significativa parte de la colección que, desde ahora, completa los fondos de obra gráfica que nuestra Universidad ha ido acumulando desde la creación hace varias décadas del Fons d´Art, un destacado fondo patrimonial que, a través de trabajos como los que ahora son exhibidos, está enriqueciendo su valor e importancia. Exposición Desde finales de los años 60 hasta la década de los 90, los principales autores españoles trabajaron con Íbero-Suiza. Eusebio Sempere fue el primero de ellos en conocer esta técnica. Los artistas, con un claro compromiso antifranquista, utilizaron la serigrafía, como medio para difundir tantos sus inquietudes ideológicas como su arte. Durante décadas, la familia de José Llopis ha conservado parte del material impreso, desde estampas dedicadas a pruebas numeradas y firmadas, carteles, pruebas de taller, de color y estampas incompletas que quedaron fuera de la edición. Material que hoy nos permite entender el proceso de creación de los artistas y los técnicos del taller y que resulta de gran interés para especialistas e investigadores del ámbito de la obra gráfica contemporánea. La muestra que podrá visitarse hasta el 2 de marzo en la sala de exposiciones temporales está compuesta por 46 piezas, dos de ellas del MACA. 44 serigrafías y 1 obra original. Además de material documental, cartas, dibujos, pantallas, fotografías....y una selección de carteles también estampados en serigrafía.

Issahōmu’ es el proyecto fin de carrera de Anabel Ruiz desde la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Alicante y se presentó desde el 29 de noviembre de 2013 al 5 de enero de 2014 en la biblioteca Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Presencia física, expresividad escénica en torno al cuerpo humano y su forma física, al movimiento y al espacio, son conceptos que se abordan en este espacio expositivo. Homo habitans, La interfaz de un vuelo, El cielo refugio son modelos de reflexión, de percepción y de compromiso que muestran cómo desde una poética de la miniatura llevar la responsabilidad espacial a primer término.

Arquitectura inadvertida era una exposición que transitaba por lugares de la nada a través de una cuidada selección de obras pertenecientes a la Colección DKV invitada a esta muestra y de la Colección Fundación Mediterráneo depositada en el MACA gracias al convenio suscrito entre la Fundación Mediterráneo y el Ayuntamiento de Alicante. Esta exposición surge de la interacción de obras y artistas en torno a un descubrimiento: la poética de una arquitectura inadvertida pero presente y formalmente responsable de crear espacios literarios como escenas aisladas de un sueño. Misterios desvelados donde una columna, un árbol, una puerta, un foco, un pasillo, una escalera... ayudan a descubrir el escenario de una realidad estética muy personal. Indagar en aquello que habitualmente no miramos, atmósferas voluntariamente borrosas, espacios simbólicos y monumentales pero también espacios vividos que evocan a veces un pasado olvidado, una memoria que trae la huella que permanece viva. Arquitectura dignificada que construye un paisaje narrativo entre la representación y la ilusión. Universos de ficción de extraordinaria belleza y capacidad de evocación. Figuras ensimismadas en un momento anterior al caos resueltas en equilibrio inestable, donde lo vulnerable o lo frágil por leve, se rompe.

Obras prestadas por colecciones particulares y colección del artista.Esta retrospectiva que abarcaba gran parte de su etapa creativa (1984-2011), revindicaba el talante independiente de Fernando Sinaga y persiguía hacer patentes la riqueza y complejidad de su obra. El traspaso de límites supone no sólo la interactividad entre obras, sean objetos o imágenes, sino la apreciación del espacio como un elemento visual y plástico más que como contenedor neutral de creaciones, lo que a su vez implica valorar el arte más como experiencia estética en la que se participa, que como contemplación distanciada. En la muestra quedaba de manifiesto que Sinaga se sumerge en una ideológica individual, cambiante, favorecedora de las diferencias y no de la homogeneidad y que responde al imperativo estético en el sentido de creación y no de belleza, por un lado a través de la expansión del concepto de escultura, y por otro, en obras como De los sentimientos, 1994 a través de la revisión de la idea de abstracción.