A cargo de la Cía Ogmia “Replicant” Coordina: OtraDanza Actuación que trasciende la danza contemporánea para reflexionar sobre el cuerpo en movimiento. El mundo está gobernado por una voluntad incansable e incandescente que nos convierte en máquinas de deseo. Deseamos sin cesar y, tras la satisfacción de un anhelo, surge otro que exige ser cumplido. Esta dinámica nos arrastra sin tregua entre dos polos inevitables: el sufrimiento y el aburrimiento. En este vaivén, la búsqueda de la libertad se presenta como un desafío, pues el libre albedrío siempre estará condicionado por el deseo. Replicant explora la intersección entre la danza, el existencialismo y el transhumanismo. La obra indaga en la condición humana, la libertad y la autodeterminación, utilizando el cuerpo en movimiento como medio de expresión. También busca ofrecer una mirada personal sobre el espíritu, la vida y la conciencia individual, así como examinar el conflicto moral en la construcción del ser. ¿Son la libertad y la autodeterminación condiciones esenciales para definir lo humano?

I AM (T)HERE de AURORA BAUZÀ & PERE JOU. Creación y dirección: Aurora Bauzà & Pere Jou Interpretación y composición musical: Aurora Bauzà & Pere Jou Ojo externo: Alessandro Sciarroni Producción: Ariadna Miquel i Management: Art Republic Aurora Bauzà y Pere Jou son compositores, creadores e intérpretes a la vanguardia de las artes escénicas. Su investigación principal gira en torno a la voz humana y sus intrincadas conexiones con el cuerpo, el movimiento, el espacio, el escenario y la luz. Sus composiciones van más allá de los límites tradicionales de los géneros artísticos, tratando la música como una entidad multidimensional con cualidades físicas, escénicas, visuales, dramatúrgicas, expresivas y poéticas. Su enfoque artístico único implica una práctica física y de movimiento que descompone el movimiento resonante del sonido (canto) del movimiento visual, creando una interacción distintiva. La coreografía, vista a través de una lente acústica, se fusiona de manera fluida con la composición musical, conformando la esencia y la estructura dramatúrgica de su trabajo interdisciplinario. I AM (T)HERE es una obra escénica y musical que explora la relación entre el cuerpo y la voz. A través de la repetición obstinada de una melodía vocal, y acompañado por una atmósfera electrónica, el intérprete/cantante se mueve en busca de un cuerpo emancipado de la voz, rompiendo con la tradición musical clásica en la que el cuerpo está silenciado y subordinado al discurso vocal. I AM (T)HERE busca un lenguaje físico y vocal que plantea nuevas formas de interacción entre el cuerpo y la voz. Un lenguaje interdisciplinario, híbrido y transversal que construye una semántica propia dentro de la relación cuerpo/voz y que no jerarquiza entre disciplinas de las artes vivas como el movimiento y el sonido. La pieza encarna un cuerpo atrapado entre dos dinámicas diferentes, la voz y el movimiento, que evolucionan en direcciones opuestas, creando un cuerpo en tensión, un sujeto en conflicto con su propia identidad.

Now-here man es un solo que nace del deseo de bailar a partir de canciones que, por algún motivo que no sé explicar, evocan recuerdos, despiertan emociones o estimulan mi cerebro y mi cuerpo. Canciones que me hacen reír, llorar, pensar, emocionarme... Canciones, muchas de ellas conocidas y que, por si solas ya transmite emoción. Con now-here man intento, durante los minutos que dura cada canción, unir y conmover a aquellos que las escuchan mientras observan mi cuerpo existiendo en movimiento. me ocurrió después de escuchar la canción Nowhere man de The Beatles. Esta combinación de “ahora y aquí” me da la posibilidad de bailar cada día en un lugar distinto y decidir también que canción o canciones usaré en cada momento y lugar. Esto me permite también que la duración del espectáculo sea flexible. Asimismo, now-here man es un tipo de espectáculo que puedo construir en el lugar en el que lo realizo, combinando elementos decididos previamente, con otros que dependen del sitio elegido para realizar la actuación. El espacio de actuación determina en gran medida la composición final, convirtiéndose la pieza, en este caso concreto, en un site specific.

Dos mujeres comen pipas en un parque, o en la puerta de una casa, o en un patio. Comparten un espacio común, una conversación, intimidad del silencio. El Taranto procede de la zona minera de Almería. En origen es un cante primitivo, sencillo, seco, sin guitarra, que nació de la necesidad de cantar por libre. En esta pieza de investigación escénica hay una desnudez que nos acompaña y con la que experimentamos. Respetando la estructura de tablao tradicional, investigamos como el encuentro entre el baile y el cante puede dar paso a lo aleatorio para transformarse. Sin buscar algo concreto aparece la gestualidad irreverente, el humor, lo azaroso. El baile y el cante se modifican sin romperse del todo y lo que sucede lo integramos, como en la vida, para seguir bailando. Produce: Consorci de Museus de la Generalitat Ficha artística Concepto, dirección escénica y musical, vestuario, escenografía e intérprete: Mª del Mar Suárez La Chachi Cante e intérprete: Lola Dolores Ojo externo: Jana Pacheco Diseño gráfico: Carmen Moreno Audiovisual: Martín de Arriba y Yolanda Montiel. Gestores laborales: Metaescénicas Asistencia en distribución: Luisa Hedo

Precaria es una performance, un site specific, un monólogo danzado o un baile muy hablado. Parte de un proceso de investigación empírica, de reflexión y de recopilación de experiencias alrededor de lo que supone ser artista en en este país y cómo a través del humor la artista ha conseguido atravesar la precariedad, apropiarse de sus dificultades y convertirlas en materia de creación. La obra visibiliza y pone sobre la palestra cuestiones sobre el reconocimiento de las artes, la imposibilidad de vivir del arte y la dificultad para llegar a final de mes. FICHA ARTíSTICA Dirección e Interpretación: Irene García Técnica : Sergi Cerdan Producción: Rita Stivala Apoyo dramatúrgico: Oriol López Audiovisual: Tristán Pérez

GANADORA DEL PREMIO TALÍA 2024 A MEJOR INTÉRPRETE FEMENINA. Sinopsis Un pasaje donde abrazar las mutaciones y el proceso de cambio. Un lugar intermedio en busca de una nueva versión de uno mismo. Esta pieza es un manifiesto sobre lo que se construye desde la oscuridad, desde la duda, en la grieta que no enseña sino que sugiere. Un trabajo que descansa en el lugar de tránsito. En busca de la belleza que emerge de la aceptación de lo imperfecto, de la asimetría, de lo irregular, y del ruido y tráfico que se deposita en un cuerpo flojo, vulnerable y desestructurado. La artista Nacida en Barcelona en 1984. Lorena Noguera se forma como bailarina en el Instituto del Teatro de Barcelona, donde se gradúa en 2005, y en la compañía IT Dansa, donde trabaja el repertorio de coreógrafos de prestigio internacional como Ohad Naharin, Jirí Kilyán, Stijn Celis y Nacho Duato entre otros. Desde hace mas de 10 años forma parte activa del equipo artístico de La Veronal, trabajando junto a Marcos Morau como asistente en la coreografía y bailarina, trabajando tanto en las coreografías propias de la compañía como en las creaciones externas: The Royal Danish Ballet, Beijing dance Teather, Göteborgsoperans danskompani, National dance compañero Wales, Compañía Nacional de Danza, Scapino Ballet, Carte Blanche, Norrdans, Skanes Dansteater ... También ha trabajado con otras compañías reconocidas como Gelabert-Azzopardi, Lanònima imperial y Compañía de danza Plan B. Además, como coreógrafa ha creado sus propios trabajos con los que ha obtenido premios en certámenes coreográficos nacionales. Entre los diversos reconocimientos que ha recibido, fue galardonada como mejor intérprete femenina en los Premios de la Crítica de Cataluña 2016. En 2018, junto a varios compañeros de promoción del Instituto del Teatro, puso en marcha el proyecto denominado HOTEL colectivo escénico. Se trata de una nueva compañía de danza que nace con la voluntad de construir cruces que permitan habitar el imaginario y el mundo de otros artistas. Para ello, invitan a artistas de diferentes disciplinas escénicas crear y dirigirlos. La formación se estrenó en junio de 2018 con dos piezas breves en la Sala Hiroshima.

«Este trabajo que aquí presento es una intervención en el espacio a partir de las ideas que trabajo para las obras escénicas. Un cuerpo contenido, gestual y al mismo tiempo hueco, son los primeros pasos que me acercan a esta propuesta. Bailar y crear un paisaje en equilibrio con lo que soy y lo que el espacio da. Al fin y al cabo es relacionarnos con el vacío, y ver qué puede dar». Daniel Abreu Bailarín y coreógrafo, nace en la isla de Tenerife donde comienza su curiosidad e interés por el movimiento físico y la expresión escénica. Además, durante su formación artística se licencia en Psicología, lo cual ha estado muy presente en sus trabajos coreográficos a través de una cuidada simbología poética. Como intérprete, ha desarrollado su trabajo en distintas compañías y colectivos de danza y teatro del panorama nacional como Provisional Danza y Matarile Teatro, y como creador, atesora una dilatada trayectoria creativa dibujada por más de sesenta producciones, que han podido verse en más de 40 países, donde han sido reconocidas por crítica, público y diversos galardones, situándola en una de las más destacadas agrupaciones de la actualidad dancística desde hace años. Su proyecto de compañía surge casi imperceptiblemente en el año 2004, siendo el volumen de creaciones y de colaboraciones lo que dieron lugar al concepto de lo que hoy conocemos como Cía. Daniel Abreu. Como consecuencia de todo este trabajo creativo, Daniel Abreu ha sido invitado a impartir diferentes talleres y cursos, en los que comparte su visión creativa y de herramientas técnicas corporales y de expresión. En el año 2018 es nombrado director artístico de Lava Compañía de Danza, residente en el Auditorio de Tenerife, para quien crea la galardonada obra Abisal. Paralelamente continúa cercano a otras realidades creativas, como la de dirigir proyectos para otras agrupaciones y creadores como Fattoria Vittadini, Zagreb Dance Company, la Compañía Nómadas, 10 & 10 Danza, Proyecto Titoyaya y Teatre Tanca Zawirowania, entre otras. En el año 2011 entra a formar parte del prestigioso grupo de artistas que conforman el programa europeo Modul Dance. Entre el reconocimiento cosechado a lo largo de su trayectoria destacan el Premio Nacional de Danza 2014 en la categoría de creación, otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; el Premio a la Mejor Dirección en el INDIFESTIVAL de Santander 2010; el Premio del Jurado a la Coreografía en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid (2005); el Premio Fundación AISGE a un bailarín sobresaliente, para asistir al American Dance Festival (2005) recibido en el marco del XVIII Certamen Coreográfico de Madrid (2005) y la mención como Bailarín más Destacado del IV Certamen Coreográfico de Maspalomas (1999). En el año 2018, su obra La Desnudez recibe el Premio Max a la Mejor Coreografía, Mejor Espectáculo de Danza y Merjor Intérprete Masculino de Danza, y en el año 2019, su obra Abisal recibe el Premio Réplica al Mejor Espactáculo de Danza, Mejor Banda Sonora y Mejor Vestuario para Leo Martínez. En el año 2015 es nombrado Hijo Predilecto por el Ilustre Ayuntamiento de la Matanza de Acentejo (Tenerife). Produce: Consorci de Museus de la Generalitat Organiza: Abril en Danza y MACA.