Buscamos enriquecer la experiencia del visitante, promover el diálogo intercultural, estimular el pensamiento crítico sobre los desafíos y las complejidades del mundo contemporáneo, y fomentar una interacción más dinámica y accesible. Nuestro enfoque trata de narrar la historia del arte contemporáneo y de nuestro tiempo, no como eventos aislados sino como elementos interconectados dentro de un mismo contexto. Esto permite una comprensión más precisa y profunda de la producción artística contemporánea que alberga el MACA, compleja, rica y extensísima.     [row] [col span="4" span__sm="12"] [ux_image id="40633" link="https://maca-alicante.es/la-escapada/"] La escapada [/col] [col span="4" span__sm="12"] [/col] [col span="4" span__sm="12"] [ux_image id="40639" link="https://maca-alicante.es/grandes-artistas-a-secas-15/"] Grandes artistas a secas [/col] [/row] [row] [col span="4" span__sm="12"] [ux_image id="40642" link="https://maca-alicante.es/codigo-pin-2/"] Código PIN [/col] [col span="4" span__sm="12"] [/col] [col span="4" span__sm="12"] [ux_image id="40636" link="https://maca-alicante.es/recorridos-enfocados-2/"] Recorridos enfocados [/col] [/row]

MOOD SEMPERE es un proyecto de mediación cultural y artística propuesto por Ester García Guixot y Juan Diego Cerdá Martínez, educadores en el MACA, con motivo del Centenario del nacimiento de Eusebio Sempere y que está dirigido a alumnos/as de la EASDA, Escuela de Arte y Superior de Diseño de Alicante.  El resultado de este increíble proyecto es la exposición única "Mood: Sempere". En ella, los estudiantes de Cerámica y Diseño de Interiores de la EASDA rinden un emotivo homenaje a Eusebio Sempere. Han re imaginado su visión artística a través de una exploración creativa de su vida y obra, capturando la esencia de Sempere, y reinterpretando su legado a través de una perspectiva contemporánea. Para lograr esto, los estudiantes han utilizado una amplia variedad de materiales y técnicas, demostrando cómo la influencia de Sempere sigue siendo profunda y perdurable en el mundo del arte y el diseño. Es una muestra de cómo el arte puede trascender el tiempo y seguir inspirando a nuevas generaciones. Te invitamos a sumergirte en esta exposición y descubrir cómo los estudiantes han reinterpretado la obra de Eusebio Sempere, y cómo su memoria sigue viva y vibrante en el mundo actual. Obras Milagros Alfaro y Eva Mulet Big-Bang Esta obra utiliza líneas y el número 3 como símbolo de equilibrio. Está compuesta por 81 piezas de arcilla tipo gres CH negro en una base de metraquilato transparente, formando una estrella de 6 puntas y una espiral de 17 alturas. Su significado refleja la transición del orden al caos y de la implosión a la expansión, evocando el concepto del Big Bang y la organización de la materia en el tiempo y el espacio. Esta obra, entrelazando 81 piezas de arcilla gres CH negro sobre metacrilato, crea una danza cósmica de líneas y el número 3. En una estrella de 6 puntas y espiral de 17 alturas, refleja la transición del orden al caos, la implosión a la expansión, evocando el Big Bang y la armonía en la materia a lo largo del tiempo y el espacio. Varios Autores Retablo colectivo La pieza es una creación colectiva realizada por tanto por el alumnado como el profesorado de la EASDA participante en Mood: Sempere durante una de las sesiones, en la que se estuvo trabajando la técnica de la serigrafía, introducida en España por Abel Martín y Eusebio Sempere. Se trata de un panel de madera 110X166 con tintas serigráficas y trepas. Colaboración entre alumnos y profesores de EASDA. Este panel de madera, 110x166, con tintas serigráficas y trepas, rinde homenaje a la serigrafía española de Abel Martín y Eusebio Sempere, fusionando creatividad en una expresión única de innovación y legado. Elena Pérez Méndez Alma en cambio Esta instalación de arte óptico-cinético está realizada en cerámica con piezas unidas por un hilo de hierro y separadas por frenos de metal. Diseñada para girar, las varillas naranjas rotan juntas mientras que las verdes lo hacen libremente. La obra busca transmitir que, a pesar de los giros incontrolables de la vida, al mantenernos conectados con nuestro centro y esencia podemos volver a ordenarnos internamente y recuperar nuestra identidad. Arte cinético en cerámica: varillas giratorias expresan el equilibrio ante los giros caóticos de la vida. Naranjas y verdes danzan, transmitiendo la idea de reconectar con nuestra esencia para recuperar la identidad en medio de los desafíos. Luís Sanus Homenatge ceràmic La instalación es un homenaje cerámico al maestro de Onil. Está compuesto por 23 piezas de cerámica que forman la letra “S”, tan utilizada por el artista. Sobre la superficie cerámica se disponen las líneas geométricas de inspiración “semperiana” que conforman el conjunto, que reposa sobre papel-espejo para dotarlas de cinetismo y profundidad. Homenaje cerámico a Sempere: 23 piezas forman la "S" emblemática. Líneas geométricas "semperianas" sobre papel-espejo añaden dinamismo y profundidad en un vibrante tributo visual. Agustina Álvarez, Alicia Miota, Elena Pérez y Ramón Cortés Parar taula El objeto cotidiano elevado al rango de obra conceptual: una serie de platos decorados en el taller de serigrafía, aplicada sobre cerámica y realizados con motivos decorativos inspirados en diseños geométricos. Estos diseños se entrelazan entre sí, creando una secuencia evolutiva. Agustina del Valle Álvarez y Alicia Miota Shepherd Trascender La pieza busca representar el proceso de reencuentro con uno mismo que ocurre tras una caída. Mediante formas geométricas representadas de manera orgánica y un gradiente de blanco y negro a color, la obra consta de tres partes: una superior con once piezas de tamaño 1 colgadas de un soporte anclado a la pared, un tramo intermedio con nueve piezas de tamaño 2 adheridas a la pared y una pieza final en el suelo. Renace tras la caída: formas geométricas evolucionan de blanco y negro a color en tres secciones. Un relato visual de reencuentro con uno mismo, capturado en una obra que fusiona lo orgánico y lo geométrico. Eva Mulet Plaza Evolution Esta obra, inspirada en la evolución y revolución artística y personal de Eusebio Sempere, está compuesta por 108 piezas de arcilla de tipo Gres con fibra de papel, que reflejan su crecimiento personal. La parte superior esmaltada en amarillo alude a los frutos del esfuerzo y la constancia, mientras que la parte inferior ahumada representa cómo convirtió su dificultad visual en una herramienta para superar lo imposible. 108 piezas de arcilla Gres homenajean la evolución de Eusebio Sempere. Amarillo es el esfuerzo fructífero; ahumado, la superación de la dificultad visual. Una oda al crecimiento personal. Milagros Alfaro Martínez El proyecto consiste en dos piezas, "Claro de luna" y "El ser entre el espacio y el tiempo", inspiradas en la abstracción geométrica. Ambas piezas utilizan líneas, formas geométricas y colores para representar la abstracción del tiempo, la materia y el espacio. Claro de luna "Claro de luna" representa el espacio como horizonte mediante líneas paralelas negras en gres cerámico CH sobre un fondo transparente de policarbonato, enmarcando la luna, que se representa mediante un círculo de gres con líneas finas paralelas y quebradas en distintas tonalidades de azul, creando una figura dinámica y luminosa. De la luna se desprenden figuras curvas y líneas rectas en gres CH pintadas en diferentes tonos de azul, simbolizando la estela de luz reflejada en el mar. “Claro de Luna": líneas de gres sobre policarbonato enmarcan una luna vibrante, desplegando tonos azules que simulan la luz danzante sobre el mar. Una sinfonía visual de espacio y horizonte. El ser entre el espacio y el tiempo "El ser entre el espacio y el tiempo" utiliza el espacio y el tiempo como elementos centrales, representados por líneas paralelas inclinadas que convergen en el centro formando un rombo, simbolizando el cielo. Estas líneas, de gres CH negro, se ubican sobre un fondo transparente de policarbonato. En el centro, el tiempo se representa mediante un círculo de gres CH negro pintado con 24 círculos, 12 de ellos de distintos colores, que simbolizan las diferentes experiencias y emociones que experimentamos a lo largo de la vida. Un ángulo dentro del círculo cambia de color, recordando que estas experiencias están en constante cambio. La obra concluye con una representación de la tierra mediante piezas de gres CH negro paralelas e inclinadas hacia arriba. "El ser entre el espacio y el tiempo" fusiona líneas de gres negro sobre policarbonato, creando un rombo celestial. En el centro, el tiempo se despliega en un círculo pintado con 24 tonalidades, reflejando experiencias cambiantes. La tierra emerge con piezas de gres negro, formando una obra que explora la conexión entre el ser, el espacio y el tiempo. Juan Ramón Cortés y Paco Máñez Manises geometría urbana En esta pieza se ha empleado la técnica de pintado de azulejos tradicional pero con aerógrafo y la aplicación de reservas de papel y elementos sólidos que permiten la creación de zonas de luz. La línea y la alternancia de los espacios vacíos, construyen una retícula, un paisaje. Luisa Blasco López Dos “Dos” es una obra inspirada en la sinergia entre la vida y obra de Sempere y Abel Martín. Formada por 8 placas de arcilla blanca y negra en la que se puede ver esgrafiadas partes del rostro tanto de Abel como de Eusebio, formando una unidad, un todo completado por los DOS. Se reivindica así el trabajo colectivo entre ambos y la riqueza que se aportaban el uno al otro en sus obras. "Dos" fusiona las vidas de Sempere y Abel en 8 placas de arcilla. Sus rostros esgrafiados simbolizan la colaboración y la riqueza mutua, destacando el valor del trabajo colectivo y la complementariedad en sus creaciones. ARQUITECTURA EFÍMERA Alejandro Alfaro Enguídanos Ondas Cinéticas ''Ondas Cinéticas'' es un pabellón efímero en el que se crea una simbiosis entre arte y diseño. En este espacio, la geometría lírica y sinuosa junto con la luz del arte cinético de Eusebi Sempere, se pueden ver reflejados a través de formas curvas y dinámicas en las que las luces crean un efecto ''moiré'' en un espacio único e inmersivo. Paula Cánovas Martinez y Lucía Real Joven El cinetismo de Sempere En esta pieza encontramos una evocación a la obra de Sempere mediante el agua, el sol y el movimiento. Ese movimiento se percibe a través de la estructura del pabellón, gracias a la luz que entra a través de las losas de vidrio texturizado que genera una sombra que varía según el movimiento del sol, aportando luminosidad al espacio y sensación acuática. El agua, siempre en movimiento, acompaña al fluir de los de las radiaciones y de los visitantes, aportando brillos, frescor y sonido en este espacio experiencial. Evocando a Sempere, esta obra juega con luz y sombras acuáticas. El movimiento solar transforma el espacio, mientras el agua brinda frescor y sonidos. Una experiencia multisensorial. Miriam F. Fluir La obra está creada mediante perfiles rectos a diferentes alturas que producen un movimiento curvo y dinámico. De diferentes tonos azules y muy brillantes, aportan luz y recuerdan a los materiales que empleaba Sempere en sus esculturas, como el acero cromado. Hay una tensión entre un orden de base y la movilidad, el azar. Al girar la pieza sobre su eje, se crea todo un juego de combinaciones, multiplicadas por el juego de la luz sobre las columnas y las sombras que se proyectan. Esta obra, con perfiles rectos en tonos azules brillantes, recuerda el acero cromado empleado por Sempere. La tensión entre orden y movilidad se revela al girarla, generando combinaciones dinámicas. La luz juega con las columnas, creando sombras en constante cambio. Diana y Mathilda El sueño El espacio cuestiona la percepción sensorial creando efectos hipnóticos y ensoñadores. La arquitectura se divide en dos capas, una piel exterior sutil y una arquitectura sólida y maciza. La capa exterior representa la consciencia mientras que la interior representa un mundo psicodélico en el que el visitante se sorprende por los efectos distorsionantes de cada espacio en los que se adentra. Este espacio dual desafia la percepción: una capa exterior sutil simboliza la consciencia, mientras la interior revela un mundo psicodélico con efectos distorsionantes. La experiencia es hipnótica y ensoñadora, guiando al visitante por caminos sorprendentes. Andrea Alarcón y Lucía Fernández. Meraki Meraki, en turco, significa hacer algo con el alma, con amor y creatividad, dejar un pedazo de uno mismo en el trabajo. Esto se representa en un espacio que genera una experiencia cinética en el visitante a través de las formas dinámicas que reproducen sombras texturizadas y distorsionantes y el juego de transparencias y translucidez. El transeúnte es protagonista de ese movimiento, tanto en la visión exterior del espacio como en su experiencia al recorrerlo en el interior, momento en el cual descubrirá que los caminos no son tan claros y certeros como podría imaginar. "Meraki", en turco, expresa crear con alma y amor. Este espacio ofrece una experiencia cinética con formas dinámicas, sombras texturizadas y distorsiones. El visitante se convierte en protagonista, descubriendo que los caminos internos son tan inesperados como sugerentes. Una obra que invita a explorar con el corazón.

Javier Arias Madero. Arias Garrido, arquitectos. Sueño, idea y proyecto. La ponencia a cargo de Javier Arias, socio de Arias Garrido Arquitectos, se centrará en su trabajo de investigación sobre la relación entre el surrealismo y la arquitectura de Rem Koolhaas, haciendo un repaso por alguna de las obras del arquitecto holandés más reconocibles e incidiendo en su vinculación con la búsqueda de lo irracional. En la parte final de la charla se mostrarán algunos de los edificios y proyectos diseñados por Arias Garrido arquitectos, que participan también de esta praxis proyectual. Coordina: Santiago Varela Colabora: Colegio de Arquitectos de Alicante

Palabras mayores llega al MACA para ir más allá de lo aparente. Porque los museos son lugares donde descubrir y aprender pero también espacios concebidos para que la ciudadanía experimente y reinvente. Se trata de un proyecto de mediación dirigido a personas mayores de 60 años que quieran, en primer lugar, conocer y reflexionar sobre el arte contemporáneo, la función de los museos y la visión de creadores tanto consagrados como potenciales. Por otra parte, las personas participantes establecerán sinergias con las colecciones existentes en el museo, desarrollando su propia narrativa a partir de lo que encuentren en las salas mediante visitas guiadas, debates abiertos, actividades de creación artística y dinámicas de empoderamiento social y cultural. El objetivo principal es convertir el museo en un laboratorio de experimentación cultural y artística en el que los participantes aportarán su visión y experiencia a los contenidos presentes en el museo, mientras realizan una actividad que les reporte nuevos saberes. Se trata de un encuentro en el que el diálogo entre el visitante y el museo se produce a través del arte contemporáneo y las colecciones del MACA, con la mediación de un educador que actuará como vínculo entre ambos. Fruto de estas reuniones el Grupo propone la creación de una plataforma para dar visibilidad a los artistas que viven en Alicante. Este proyecto piloto en el MACA, titulado Visibilidad: una ventana abierta al creador local , tiene como objetivo dar a conocer diferentes creadores alicantinos, profundizar y ampliar los conocimientos sobre arte contemporáneo y aprender a mirar las colecciones que alberga el MACA desde otra perspectiva. Visibilidad: una ventana abierta al creador local se materializará con una serie de sesiones en las que se invitará a un/a artista para que presente su trayectoria artística, compartiendo sus inquietudes y reflexiones artísticas, el desarrollo de su proceso creativo, sus técnicas, etc. [gallery link="file" columns="2" ids="37825,37822"]

Práctica artística en la Era de la Inteligencia Artificial. De Sempere a nuestros días. El taller, impartido por Daniel G. Andújar, está incluido dentro del Ros Film Festival (certamen internacional y online de cortometrajes de ciencia ficción con robots). Jueves 23 de noviembre de 16:00 a 19:00 Viernes 24 de noviembre de 16:00 a 18:00 y charla final de 18:00 a 19:00 con Daniel García Andújar y los miembros del jurado (Javier Ordoñez, Catedrático de Historia de la ciencia de la Universidad Autónoma de Madrid y presidente del jurado del ROS Film Festival; Lorena Sánchez, Redactora jefa de la revista QUO y periodista de divulgación de ciencia desde el año 2000; Natalia Pérez-Galdós, escritora y divulgadora científica y Edite Felgueiras, comunicadora científica en el CERN) Este taller plantea un cruce dinámico entre arte, ciencia y tecnología. No solo se explorarán las amplias posibilidades que las tecnologías emergentes ofrecen al ámbito artístico, sino que también se rendirá homenaje a un visionario que cruzó estas fronteras mucho antes de que se convirtieran en una tendencia: Eusebio Sempere. Sempere fue un pionero en su tiempo, un artista que se adentró en el mundo del cálculo y la programación para dar vida a sus visiones artísticas. Su paso por el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid en los años 60 lo posiciona como uno de los precursores en la experimentación de arte y tecnología. Utilizando ordenadores y algoritmos, Sempere exploró nuevas formas de expresión que desafiaban las convenciones artísticas de su época siempre desde una distancia crítica y una prudencia lógica en una etapa incipiente del uso de la informática en el arte. Hoy, en un mundo donde la inteligencia artificial, la asistencia robótica, el aprendizaje profundo, la realidad virtual y otras tecnologías avanzadas están remodelando la forma en que experimentamos y creamos arte, es más relevante que nunca mirar hacia atrás y aprender de aquellos que rompieron las barreras entre estos mundos aparentemente dispares. Cada una de estas tecnologías presenta sus propios desafíos éticos y prácticos, pero también ofrecen un enorme potencial para expandir los límites de lo que es posible en el campo del arte. El objetivo de este taller es actualizar este diálogo y contextualizarlo en nuestra realidad contemporánea. Se busca fomentar una práctica artística que refleje tanto las inquietudes como las oportunidades de nuestra época, utilizando las herramientas tecnológicas actuales, al igual que Sempere lo hizo con las tecnologías de la suya. Desafíos y Críticas: La Doble Faz de la Colaboración entre Arte, Ciencia y Tecnología Mientras celebramos las posibilidades que la unión de arte y tecnología nos brinda, es crucial también abordar los desafíos y limitaciones inherentes a esta colaboración. Vivimos en una era donde la tecnología no solo facilita la creación, sino que también plantea preguntas éticas y filosóficas que no podemos ignorar. Primero, está el tema de la accesibilidad. Las tecnologías avanzadas, aunque cada vez más disponibles, siguen siendo recursos limitados que pueden exacerbar las desigualdades existentes en el mundo del arte. ¿Quién tiene acceso a estas herramientas y quién decide cómo se utilizan? Además, la incorporación de la inteligencia artificial y otras tecnologías en el arte plantea preguntas sobre la autoría y la originalidad. En un mundo donde un algoritmo puede "crear" una obra de arte, ¿dónde situamos la línea entre la máquina y el artista humano? ¿Corremos el riesgo de deshumanizar el arte, un campo tradicionalmente asociado con la expresión más profunda de la humanidad? También enfrentamos dilemas éticos relacionados con la privacidad y la explotación de datos. Muchas de estas tecnologías dependen de grandes conjuntos de datos que a menudo incluyen información personal. ¿Cómo navegamos por este terreno ético sin comprometer la integridad de nuestro trabajo artístico? Por último, pero no menos importante, está el riesgo de la comercialización excesiva. Con grandes corporaciones invirtiendo en el desarrollo de tecnologías artísticas, ¿cómo aseguramos que el arte no se convierta simplemente en otra mercancía, despojado de su capacidad para provocar, cuestionar y transformar? Estas son preguntas difíciles, sin respuestas fáciles. Pero son discusiones que necesitamos tener, especialmente en un taller como este, donde buscamos no solo crear, sino también reflexionar críticamente sobre lo que significa ser un artista en la era digital. “Cada prompt importa” Hamelin 77, un cortometraje de nacionalidad española, se alza con el primer premio en la V edición del ROS Film Festival Por consenso, el jurado de la V edición del ROS Film Festival ha elegido como ganador un cortometraje de nacionalidad española, Hamelin 77. Se trata del primer cortometraje que aborda la ingeniería de prompts y su importancia en la nueva comunicación entre humanos y máquinas. El anuncio de los ganadores tuvo lugar en el Teatre Arniches el pasado fin de semana, de la mano de la humorista Raquel Sastre y el compositor Alfonso Vilallonga, El jurado, cuya deliberación ha tenido lugar en el MACA, ha resaltado la actualidad de la temática tratada, además de las distintas herramientas utilizadas para su desarrollo y la calidad de la interpretación. “Cada prompt importa”, advierten sus creadores. El segundo premio ha sido otorgado al cortometraje de nacionalidad británica Doll+: Body Transmigration . A través del espectáculo surrealista de muñecas de plástico girando en el cielo al ritmo de la música electrónica, la película reflexiona sobre el capitalismo, la existencia virtual y la propia esencia del cuerpo humano. El tercer premio ha sido otorgado a In too Deep, un inquietante cortometraje en la línea de las propuestas de Black Mirror, que aborda el uso de la inteligencia artificial para conseguir la inmortalidad de los seres queridos. Destacamos la mención otorgada a un cortometraje antibelicista creado por un director iraní, Sprayer, la mención concedida a un cortometraje realizado íntegramente con inteligencia artificial, Ambient Piano nº1. Y la mención a Things were better before como mejor video musical. El voto del jurado ha sido unánime en todas las categorías.

Actividad divulgativa de escucha y de puesta en valor de la programación del museo en relación al arte sonoro. Se conocerá la vinculación de Sempere con compositores de su época, se conocerán obras y propuestas del MACA relacionadas con el sonido y se visitará el patrimonio del entorno cercano al museo y que define su paisaje sonoro. Actividad coordinada por Carlos Izquierdo, compositor y artista sonoro que desarrolla propuestas e investigaciones que resalta la importancia de la escucha en el arte. Nos basamos en prácticas de Pauline Oliveros (compositora, autora del libro “Escucha profunda”), Max Neuhaus (músico y precursor de los Paseos Sonoros en Estados Unidos), Murray Schafer (investigador y autor del concepto de “Paisaje sonoro”), Janet Cardiff (compositora y artista sonora), Hildegard Westerkamp (investigadora y artista), etcétera. *El paseo implica cierta exigencia física, se recomienda calzado cómodo y no es recomendable para personas con vértigo.

ELELEI nace en 2019 de la colaboración entre Sabrina Gargano (Barletta, Italia) y Rafa Jagat (Valencia), uniéndoles la idea de poder juntar sus propios recorridos de danza y teatro, para unirlos como lenguaje disciplinar. Motivados por contar historias, por preguntarse el por qué de las cosas, y por que pudieran ser asimiladas por el público nace en 2020 su primer trabajo A CIEGAS, ganando el primer premio del festival MAIS IMAGINARIUS de Portugal en 2021 y el PREMIO DEL PÚBLICO en el 35 International Choreographic Competition Hannover 2021. Actualmente en gira. Además de A CIEGAS, en enero de 2021 crean el film de teatro físico MAY YOU LISTEN? perteneciente a la formación de la compañía joven de Jasmin Vardimon JV2 en Inglaterra y estrenado en mayo 2021. En mayo 2022 estrenan MARATHON en Sadlers Wells, Londres, como colaboración nuevamente de la compañía JV2 de Jasmin Vardimon. SOY MADERA fue estrenada el 26 de mayo 2022 en el festival MAIS IMAGINARIUS de Santa María da Feira, Portugal. SABRINA GARGANO Artista de danza independiente. Después de completar el Curso de Desarrollo Profesional Jasmin Vardimon JV2 en 2014, Sabrina actuó en el Reino Unido y en el extranjero. Colaboró con PanicLab Dance Theatre (Reino Unido), Gregory Maqoma para Companhia Instàvel (Portugal), Tom Dale (Reino Unido) Company Idem (Suiza), Ciemulator Dance Theatre (Suiza), Beatrice Allegranti Dance Theatre (Reino Unido), Fuora Dance Project (Reino Unido), Victoria Fox para // Tribe (Reino Unido), Mafalda Deville para Companhia Instavel (Portugal), Becky Namgauds y Jasmin Vardimon (Reino Unido), interpretando el papel principal de Pinocchio. También colabora con Verena Schneider, su dúo fue interpretado en Italia, Londres e Irlanda del Norte. Coreografía para la compañía juvenil en The Point, Pera University, Lincoln University. Enseña en Reino Unido y Europa. También es docente de la compañía Jasmin Vardimon y líder del programa para JV2 2019-20 y 2020-21. Dirige y coreografía MAY YOU LISTEN? para la compañía JV2 de Jasmin Vardimon en 2021. Forma parte del elenco de la creación de Jasmin Vardimon ALICE estrenada en agosto 2022. RAFA JAGAT Actor, bailarín, director y dramaturgo. Se formó durante cinco años en arte dramático y dos años más en teatro físico. Todo este tiempo de aprendizaje lo combina con clases de diferentes disciplinas dentro del lenguaje del movimiento. Crea su propia compañía Jagat Mata, con 6 espectáculos de teatro físico desde 2008. Además de todas sus creaciones, baila para la compañía Mey Lin Bisogno durante 4 años, para la compañía de danza Omos Uno otros 4 años y crea un dúo para calle con Candelaria Antelo. También trabaja con David Zambrano un mes en el proyecto de improvisación “Two songs for two humans”. Es cofundador de EXIN, que organiza talleres relacionados con el movimiento en toda Europa. Da clases para bailarinas y actores en España y Europa. Desde 2020 colabora como director y dramaturgo con compañías de circo en Barcelona como (Som Noise, Encuentros y Papaya).