MAV, Mujeres en las Artes Visuales, con el apoyo de la Comunidad de Madrid y del Ministerio de Cultura y Deporte, y en colaboración con el Museo Lázaro Galdiano, presentan la Gala MAV 2022: un evento conmemorativo que reúne tres actos: un recorrido por BMAV22 Bienal Mujeres Artes Visuales 2022, IX Premios MAV y el X Aniversario de la Revista M-Arte y Cultura Visual. Se presenta un resumen de la edición haciendo un recorrido por las cinco propuestas seleccionadas en la convocatoria de ayudas, así como de las propuestas invitadas que han pasado a formar parte de la programación de la presente edición. En cuanto a las propuestas seleccionadas en la convocatoria de ayudas fueron: Body in Atelier: Arte, diseño y activismo Feminista, Dulce Pinzón y Tamara Ibarra; Manifesta del 2% Laboratoria Mujeres Accionando Museos, Tania Lombeida Miño; Al borde del tiempo, Raquel Algaba; Alojar la mirada, Artxibo: Tamara García y Sara Berasaluce; y Celebració, EXCHANGE Live Art. La Comisión de Valoración ha estado formada por Cèlia del Diego (ex directora en Centre d'Art la Panera), Iris Lam (gestora cultural y comisaria), Daniel Silvo (artista, comisario e investigador independiente) y las socias de MAV Isabel Sanz junto con María Jesús Abad Tejerina y Anxela Caramés, que también forman parte de la junta directiva y del grupo de trabajo de BMAV. La asociación MAV además ha colaborado con INTERSECCIÓN, Festival de Arte Audiovisual Contemporáneo. El evento, ha tenido lugar en Galicia durante el mes de octubre. El jurado, compuesto por Anxela Caramés Sales (comisaria), Isabel Pintado Palacio (artista), Rosario Sarmiento Escalona (comisaria) ha premiado a Cat & Éiméar McClay por A Body is a Body is a Body, un vídeo en el que el catolicismo, la brujería y el deseo queer chocan en cuadros animados en 3D. También ha otorgado dos menciones de honor MAV a: Monica Mura por Pensamiento sonoro, un ejercicio de escritura sin tinta que se vuelve sonora para quedar atrapada entre el medio digital y el analógico para perpetuarse a modo de banda de moebius; y, a Laura Tabarés por The Soft Boy, un audiovisual creepypasta que narra el encuentro con el Softboy, un ser blando y suave que representa un arquetipo para desentrañar la masculinidad suave/blanda y su papel en la sofisticación de la violencia machista. IX Premios MAV Las galardonadas en la IX Edición de los Premios MAV en las cinco categorías, son: a la trayectoria de una Artista/Creadora, Carmen Calvo; a la trayectoria de una Galerista, Begoña M. Deltell de Aural Galería; a la trayectoria de una Gestora/Comisaria, Rosa Mª Castells; a la trayectoria de una Teórica/Crítica, Marián López Fdz. Cao; a un proyecto individual o colectivo realizado en los dos últimos años, La memoria de las rapadas de Art al Quadrat. A estos cinco premios se suma el Premio Especial Socia Colaboradora otorgado por la Junta Directiva de MAV a la Revista M-Arte y Cultura Visual. Las premiadas nos acompañarán en la Gala MAV 2022 del 30 de noviembre en el Museo Lázaro Galdiano a partir de las 18h. El jurado de los IX Premios MAV, formado por: José Luis Pérez Pont –como especialista nombrado por la Junta Directiva, María Gimeno –en representación de las premiadas MAV 2020, Paula Noya y Claudia Martínez –socias MAV elegidas por sorteo, Esther Regueira y Alejandra Bueno –como representantes de la Junta, y Olga Méndez –como secretaria, con voz y sin voto, falló los Premios MAV 2022 el pasado 24 de octubre en una reunión vía Zoom, después del periodo de votación de las Socias MAV que definió las finalistas. X ANIVERSARIO REVISTA M-ARTE Y CULTURA VISUAL Celebramos los diez años de la revista M-Arte y Cultura Visual la cual el objetivo de tratar el arte y la cultura visual desde la perspectiva de género presenta otras miradas y sensibilidades, desde el convencimiento de que para alcanzar la sociedad de la igualdad entre hombres y mujeres, es preciso imágenes se abran a nuevas interpretaciones, diversas y compartidas, en la comprensión tolerante de las diferencias. Por eso no es una revista dedicada a difundir únicamente lo que aportan las mujeres al arte, ni está confeccionada exclusivamente a lectoras. Concebida por MAV como un espacio abierto, con la contribución plural de artistas y profesionales especializadas/os, hablamos sobre la actualidad del arte y la gestión del patrimonio artístico sin perder de vista síntomas visual en nuestro país y en el panorama internacional, planteando reflexiones y debates de interés para el conjunto de la comunidad de las artes visuales al menos en los países de habla hispana.

Cuando la forma fue asunto de Estado. Comentarios a la exposición: Arte en una tierra baldía 1939-1959 a cargo del comisario, Nacho París. Viernes 18 de noviembre a las 18.30 horas. Entrada libre hasta completar aforo Tuvo el primer franquismo—fuera falangista o nacional católico— un decidido empeño cultural: primero mas de imperio crucifijo y raza, de arte académico o popular, y después más español y místico, vanguardista e internacional. Pero aquel Estado —a Dios rogando y con el mazo dando— prohibía o promocionaba, siempre decididamente, unas formas artísticas u otras según creyera conveniente. Aquello era parte fundamental de su políticas, bien de adoctrinamiento, o de internacionalización. Y en esos giros de guion, encontró el decidido apoyo del amigo americano —bienvenidos Mr. Marshall Hiroshima y Nagasaki— que anduvo también ferozmente empeñado en demostrar, a través del arte, que el capitalismo era el territorio natural de la libertad individual. De menos tiempo que el franquismo disfrutó la Alemania de Hitler — tirano que había soñado ser artista y al que Oskar Kokoschka le arrebato una beca en Viena— para desarrollar su fiero proyecto cultural clasicista, de exterminio y «arte degenerado». Fueron tiempos convulsos, terriblemente violentos, que acabaron con la vida de muchos, que empujaron al exilio a tantísimos. (Y otro proyecto cultural de Estado, el del México de Cárdenas, sería refugio, casa nueva de artistas e intelectuales). Tiempos en los que ciencia, cultura y razón de estado anduvieron de la mano del horror dejando una resaca de pasmo y escepticismo ante el proyecto civilizatorio occidental. Tiempos en lo que el arte fue condicionado radicalmente por la historia y el pensamiento político. Nacho París Diletante, aficionado al arte (aún sin saber que es o cuando pasa), ha coincidido con él interpretando diversas figuras que el tiempo y la fortuna le han ido proponiendo: la de estudiante, la de espectador, la de artista, la de teórico, la de crítico y escritor, la de activista, la de transportista y montador de exposiciones y la de comisario o curador —como se prefiera—. (Y muy brevemente y con poca fortuna la del pedagogo). En consecuencia ha dibujado, fotografiado, editado videos, ha escrito y hablado, ha colgado cuadros suyos y de otros y organizado algunas exposiciones propias y ajenas. Y en todo esto, para no sentirse solo, ha creado y participado en diversos colectivos.

AD LIBITUMO cómo me he liberado de mis cadenas Ad líbitum es para Andrés Marín bailar a compás de su propia voluntad, a rienda suelta, desde una libertad total, una improvisación avasallada. Y, por encima de todo, desde una total disponibilidad al momento, al lugar, al otro, encuéntrese este en el escenario o entre el público. El coreógrafo deja que hable su cuerpo, que tanto tiene que decir y se impone a él, rompiendo las trabas de la razón. Acatar los apremios de ese cuerpo y llevarlo a un diálogo con los sedimentos heredados y asimilados que son el zócalo de un saber flamenco pacientemente almacenado.Andrés Marín ha aprendido a desaprender y ha entendido lo que Antonio Machado decía cuando escribía « Caminante no hay camino, se hace camino al andar ». Es lo que propone en este solo : construir ante nosotros un camino por el cual nos invita a penetrar la hondura de la seguiriya o el compás de la bulería y nos ofrece su baile como un acto de libertad ANDRÉS MARÍN Premio Nacional de Danza 2022 Giraldillo al Baile 2020 Andrés Marín es uno de los bailaores más singulares del panorama flamenco actual. Sus producciones se han centrado en la tradición flamenca y específicamente en los cantes clásicos, pero no desde una perspectiva convencional, sino a través de un estilo personalísimo y una estética de absoluta contemporaneidad. Director coreográfico, artístico y musical de su propia compañía, sus creaciones reflejan la libertad expresiva de una profunda investigación artística. De allí nace una poética rica en imágenes sugerentes, al servicio de su compromiso con el arte y con él mismo. En la actualidad se presenta como uno de los grandes renovadores del género. Andrés Marín nace en Sevilla en 1969. Hijo de artistas flamencos, ha vivido el arte desde pequeño, tanto a través del baile en la escuela de su padre, como del cante, del que es un gran aficionado y profundo conocedor. Si hay un rasgo que defina su trayectoria, ese sería el de la independencia y la no adscripción a compañía o escuela alguna más allá de la enseñanza paterna. Autodidacta inclasificable, emprende su carrera profesional en 1992 como solista y coreógrafo para distintos espectáculos y eventos hasta fundar su propia compañía en el año 2002. En todas las obras de Andrés Marín reina la experimentación y el riesgo, elementos que el artista considera imprescindibles para que el arte flamenco se mantenga vivo: Más allá del tiempo (2002), Asimetrías (2004), El alba del último día (2006), Vanguardia Jonda (2006), El cielo de tu boca (2008), La pasión según se mire (2010), Op.24 (2011), Tuétano (2012), Ad Libitum (2014), Yatra (2015), Carta Blanca(2015), D.Quixote (2017), La Vigilia Perfecta (2020) y Éxtasis Ravel (2021). Sus creaciones han sido acogidas por los principales circuitos europeos, tanto del género flamenco como de la danza contemporánea entre los que se encuentran la Maison de la Danse de Lyón, los Teatros del Canal de Madrid, el Teatro Nacional de Chaillot de París, Sadler´s Wells de Londres, la Bienal de Flamenco de Sevilla, Montpellier Danse, el Museo National Picasso-París, la Opera de Lille, el Lucent DansTheater de La Haya, la Ópera Nacional de Latvia, el Théâtre de la Ville de París, la MC2: Grenoble, Festival de Danse de Cannes, la Bienal de Arte Flamenco de París, el Festival de Nîmes, el Festival de Jerez, Flamenco Viene del Sur, la Sala Pleyel de París, el Festival ¡Mira! o el Mercat de les Flors de Barcelona. Artista inquieto, siempre en la búsqueda de nuevas maneras de sumergir la tradición flamenca en aguas inéditas, Andrés Marín ha colaborado con artistas de diversas disciplinas a lo largo de su carrera en el convencimiento de que el flamenco puede dialogar sin complejos con otras artes: Pilar Albarracín, artista plástica. Acción para vídeo "Bailaré sobre tu tumba" (2004)Blanca Li, coreógrafa."Poeta en Nueva York" (2007-2008) Nominado a los Premios Max como Mejor Interpretación Masculina de Danza por su papel de Lorca.Llorenç Barber, compositor experimental (campanas). "El cielo de tu boca" (2008-2011)Bartabas, director del teatro ecuestre y musical Zíngaro. "Golgota" (2013-2016)Kader Attou, bailarín de hip-hop y director del Centro Coreográfico Nacional de La Rochelle (CCN) "Rencontres" (2014) y "Yatra" (2015-2018)Ensemble Divana, músicos de Rajastán. World Sacred Spirit Festival 2016, Jodpur (India)Laurent Berger, dramaturgo y director de teatro contemporáneo. "D.Quixote" (2017-2019)Marie-Agnés Gillot, bailarina Étoile. Christian Rizzo, coreógrafo, artista audiovisual. "Magma" (2019-2021)José Miguel Pereñíguez, artista plástico. "La vigilia perfecta" (2020)Jon Maya, dantzari vasco. "Yarin" (2022) El artista compagina su actividad coreográfica y artística con la dirección de Andrés Marín Flamenco Abierto, una oficina de producción y estudio de baile propios con sede en Sevilla. [caption id="attachment_33761" align="aligncenter" width="600"] Andrés Marín en un momento de su espectáculo “Carta blanca. ‘Mi flamenco impuro'” ©Javier Fergo[/caption]

Esta es una actividad pedagógica y divulgativa, coordinada por Carlos Izquierdo que consiste en realizar rutas guiadas por el MACA y su entorno cercano en las que el sonido es el protagonista y las personas asistentes disfrutan de una experiencia formativa y vivencial. A través de estos paseos sonoros se conocerá la vinculación que existe entre la colección y las actividades del museo con la música y el arte sonoro, así como la relación que Eusebio Sempere tuvo con los compositores Cristóbal Halffter, Tomás Marco y Luis de Pablo. EDADES: Todo tipo de públicos . Menores acompañados de una persona adulta.  Nota: Algunos de los tramos de la visita implican un poco de ejercicio físico, como subida de escaleras. No apto para personas con vértigo.

De lo alto de altos edificios  Poema coreográfico (Danza contemporánea) que se inspira en los poemas homónimos sobre los 2 grandes enigmas universales, atemporales e intergeneracionales, el amor y la muerte, escritos por el propio Billy Cowie e interpretados virtuosamente por Luciana Croatto en un universo de movimientos, estructuras coreográficas y ritmos impropios de los tiempos del hipercapitalismo actual. La música se ha creado especialmente para la obra. De Lo Alto de Altos Edificios es un solo de danza de treinta minutos en torno a los dos grandes temas, el Amor y la Muerte. En cuanto a la cuestión del amor, tenemos un escenario atemporal, el enigma del amor, ¿por qué nos enamoramos y desenamoramos?, ¿qué ocurre con el amor no correspondido?... Con respecto a la muerte, nos enfrentamos al enigma de lo que sucede después (si ocurre algo) y cómo le damos sentido a la vida mientras nos enfrentamos continuamente a esta inevitabilidad. En De lo alto de altos edificios, las preguntas sobre estos temas se articulan a través de varios textos poéticos, de la música y de la danza. [embed]https://youtu.be/TwSPhpkmlUA[/embed] Coreografia: Billy Cowie. Bailarina / Interprete: Luciana Croatto.  Composición musical: Billy Cowie.  Voz en off: Clara García Fraile. Textos: Billy Cowie.  Iluminación: Rodrigo Ortega Portillo. Director de producción: Samuel Retortillo. Productora: Madrugada producciones. Co-producción: Centro Coreografico de La Rioja. Ayudas de investigación: Festival Internacional de Cine, Danza y Nuevos Medios, FIVER.  Ayudas de Creación: Gobierno de La Rioja

Jornadas organizadas por el Instituto de Cultura Alicantina Juan Gil Albert, el MACA y la Universidad Miguel Hernández. Participan Olga Cuadrado, Rafa Cervera, Óscar López y Carlos Navas. Comunicación digital y/o comunicación analógica. La diferencia entre un sistema digital y uno analógico es que el primero se desarrolla mediante valores discretos, finitos, mientras el segundo lo hace con valores continuos, infinitos. Esto, visto así sin mediación, sin interpretación, ni desde el mundo de la tecnología, ni del de la filosofía, no dice mucho y, al mismo tiempo, lo dice todo, ya que evoca, de manera un tanto poética, el caballo de batalla de la comunicación, por tanto, de la transformación de la información en conocimiento, en el mundo contemporáneo. Mientras en las primeras Jornadas ComunicAlc, en 2021, se debatió alrededor de la falsa dicotomía entre local y global, en 2022 se pone sobre la mesa la división del mundo cultural entre lo analógico y lo digital, no como una confrontación, sino como una aproximación. Las personas que forman parte de las dos mesas redondas, así como los ponentes, provienen de muy diversos ámbitos de la gestión y la comunicación cultural, compartiendo sus experiencias, dialogando sobre ellas, las diferencias tal vez no lo sean tanto. Coordina: Miquel González Ivars Modera: Eduard Aguilar Lorente Programa Entrada libre hasta completar aforo. [embed]https://www.youtube.com/watch?v=noSDZ85c3Eo&ab_channel=MACAAlicante[/embed]  

Lumina Ensemble es el proyecto de cuatro saxofonistas apasionados por su instrumento y la música actual, que pertenecen a dos generaciones y que aúnan esfuerzos para la consecución de interpretaciones de alto nivel musical. Lumina hace referencia a la luz que de manera continua, impregna nuestra tierra. Luz que determina nuestro carácter abierto y tolerante, y que propone la unión de personas que convergen en un proyecto común. Luz como analogía de nuestra forma de entender la interpretación musical en sus infinitas formas, con propuestas decididas por la música contemporánea. Esencial pues para lograr este fin, es la colaboración con compositores y el estreno de obras escritas o transcritas para este grupo. El presente concierto sirve para la presentación de Lumina al público, aunque hay que hacer constar que sus componentes cuentan con un bagaje artístico y profesional importante que les han llevado a actuar en numerosos auditorios, festivales y ciclos de conciertos. Lumina Ensemble es un grupo modulable que tiene como base a los saxofonistas Pablo de la Fuente, Javier Carrillos, Isaac Verdú y José A. Suay. En el presente encuentro también lo integran Óscar Martí (percusión) y Mercedes Lozano (órgano). Jesús Torres: (1965 - Zaragoza). Realiza su formación académica en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Paralelamente realiza diversos cursos de Análisis Musical con Luis de Pablo. Entre los años 1986 y 1988 trabaja la composición con Francisco Guerrero. Ha sido galardonado con diversos premios: SGAE (Madrid 1992), Gaudeamus Prize (Ámsterdam 1995), Valentino Bucchi (Roma 1997), Reina Sofía (Barcelona 1999), Millennium Chamber Players (Chicago 2008) o el Premio Nacional de Música 2012. Fue nombrado compositor residente del CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) para la Temporada 2017/2018. Desde la Temporada 2019/2020 fue nombrado compositor residente de la Orquesta Sinfónica Ciudad de Zaragoza. Su primera ópera, Tránsito, sobre la obra de teatro homónima de Max Aub, se estrenó en mayo de 2021 en las Naves del Español de Madrid, encargo del Teatro Real, en coproducción con el Teatro Español. Su catálogo consta de más de 130 composiciones, con piezas orquestales y de cámara de muy diferentes formaciones instrumentales. Su música se ha interpretado en festivales y series de conciertos de numerosos países.

Esta es una actividad pedagógica y divulgativa, coordinada por Carlos Izquierdo que consiste en realizar rutas guiadas por el MACA y su entorno cercano en las que el sonido es el protagonista y las personas asistentes disfrutan de una experiencia formativa y vivencial. A través de estos paseos sonoros se conocerá la vinculación que existe entre la colección y las actividades del museo con la música y el arte sonoro, así como la relación que Eusebio Sempere tuvo con los compositores Cristóbal Halffter, Tomás Marco y Luis de Pablo. EDADES: Todo tipo de públicos . Menores acompañados de una persona adulta.

Las exposiciones de artistas mujeres a debate en tres sesiones organizadas por la asociación Mujeres en las Artes Visuales (MAV) en Valencia, Castellón y Alicante La asociación Mujeres en las Artes Visuales (MAV) convoca 3 de debates, el primero en Valencia, después en Castellón y el último en Alicante bajo el título “Repensant les exposicions d’artistes dones”. Su objetivo es compartir opiniones y experiencias de artistas y profesionales del sector sobre la mejor manera de hacer público el trabajo de las artistas y conseguir un mayor equilibrio en la programación expositiva de museos y centros de arte. El ciclo constará de tres sesiones y contará con destacadas artistas, investigadoras y comisarias del mundo del arte para abrir los debates: Amparo Carbonell, artista y comisaria, Alba Braza, gestora cultural, Isabel Oliver, artista y Gema Del Rey Jordà, modera el debate, el día 25 de octubre en el Centre Cultural La Nau de Valencia; la comisaria de proyectos artísticos y educativos, Assumpta Bassas, la artista Julia Galán, la directora del MACVAC, Rosalía Torrent y Nerea Bella, moderadora, el 11 de noviembre en la Llotja de Cànem de Castelló, y por último, Rosa Castells, conservadora del MACA, Rocío de la Villa, comisaria, Paloma Navares, artista y Sofía Albero Verdú modera el debate, el 23 de noviembre en el MACA. “Repensant les exposicions d’artistes dones” es la primera edición de DebatsMAV, una iniciativa con vocación de continuidad que persigue generar en nuestra Comunidad un espacio de reflexión abierto a la ciudadanía para promover la igualdad y el reconocimiento de las aportaciones de las mujeres a la historia del arte. La asociación cuenta con el apoyo de la Viceprèsidencia i Conselleria d’ Igualtat i Politiques Inclusives (Generalitat Valenciana) para esta primera edición. Creada en 2009, Mujeres en las Artes Visuales cuenta con 95 socias en la Comunidad Valenciana y 856 a nivel nacional procedentes de los diversos ámbitos del mundo del arte: artistas, comisarias, investigadoras, gestoras culturales, docentes, galeristas, periodistas especializadas, editoras, diseñadoras, críticas, coleccionistas, arquitectas, etc. La asociación trabaja como una entidad sin ánimo de lucro y de forma horizontal para conseguir su principal objetivo: promover la igualdad real y efectiva entre mujeres y hombres dentro del sector cultural y el cumplimiento de la Ley de Igualdad. Para ello impulsa el trabajo colaborativo entre las socias, al mismo tiempo que defiende desde el activismo feminista, nuestros derechos y proyectos comunes, apoyando y visibilizando aquellas iniciativas que contribuyan a que las mujeres sean parte activa y empoderada en una sociedad democrática, ecuánime y diversa.

MUESTRA DE TEATRO DE AUTORES CONTEMPORÁNEOS “Se respira en el jardín como en un bosque” es un ejercicio escénico concebido por la compañía El Conde de Torrefiel para una sola persona. Durante la venta anticipada del 7 de octubre al 3 de noviembre (ambos incluidos), el precio de las entradas está bonificado con el 50% de DESCUENTO.La obra está dividida en dos partes y tiene una duración de 30 minutos. Durante ese periodo de tiempo, se invita al participante a asumir en primer lugar el rol de intérprete, y a continuación el rol de público. En la primera parte, deberá seguir las instrucciones de una voz que, como si fuese una partitura, indica cómo crear en directo una serie de acciones performativas sencillas. En la segunda parte llega el momento de mirar. La mirada del participante es la que imagina el hecho artístico que se desenvuelve ante sus ojos. La pieza, en suma, propone una mirada bidireccional al hecho teatral y a los mecanismos de funcionamiento de la imaginación: alguien mira en silencio mientras otra persona lleva a cabo una acción sobre el escenario. Son las bases de la convención teatral primitiva que ha perdurado durante miles de años hasta nuestros días. Del mismo modo que un jardín es una organización artificial de la naturaleza -no la Naturaleza en sí misma-, el teatro no es la realidad, sino una organización de palabras e imágenes que alguien organiza para crear un discurso con una lógica interna. La realidad, por tanto, es solo un artefacto de la imaginación. Fundada en València por Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, la compañía teatral El Conde de Torrefiel es una de las principales referencias a nivel europeo de las artes vivas y las propuestas alejadas del teatro convencional. Esta pieza que traemos a la Muestra de Teatro de Alicante es un buen ejemplo del lenguaje que ha granjeado fama internacional a la formación. Ficha técnica: Concepción y dirección: Tanya Beyeler y Pablo Gisbert Texto: Pablo Gisbert y Tanya Beyeler Espacio Sonoro: Pablo Gisbert Voz: Tanya Beyeler Dirección técnica: Isaac Torres Técnico de sonido: Uriel Ireland Imagen cartel: Olga Fedorova Una producción de Santarcangelo Festival, CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli Venezia Giulia, Cielo Drive Con el apoyo de Mas Nyam Nyam, Mieres