Juana Francés: contexto, experiencia y papel. Conferencia a cargo de María Rosón, profesora de Historia del Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid. Tras doctorarse en la Universidad Autónoma de Madrid, ha trabajado como investigadora en el Departamento de Colecciones del Museo Reina Sofía y en el Departamento de Teoría de los Lenguajes y la Ciencias de la Comunicación, Universidad de Valencia. Ha desarrollado estancias de investigación en Southampton University; New York University; University of Oxford y University of Leeds. En el ámbito de los museos destaca el comisariado la exposición José Ortiz Echagüe: representando mujeres, tipos y estereotipos (2010, CAM, Red Itiner) y el co-comisariado la exposición Mujeres bajo sospecha: memoria y sexualidad (2013, UNED). Sus líneas de investigación se centran en la cultura visual y material, principalmente del siglo XX español, en intersección con los estudios feministas/género. Además de artículos y capítulos de libros, ha publicado, con la editorial Cátedra, Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo (materiales cotidianos, más allá del arte). Como co-editora, destaca su trabajo en las siguientes monografías: Poesía, cine y humor. Relatos de excepción en los años de autarquía (Museo Reina Sofía, 2017) y Barbarismos queer y otras esdrújulas (Bellaterra, 2017). Sus investigaciones conectan la cultura visual y material del siglo XX español con perspectivas de los feminismos intersecciones, las memorias y archivos disidentes. Con el apoyo de la Consellería de Educación, Cultura, Universidades y Empleo de la Generalitat Valenciana.

Proyección ensayo audiovisual "Juana Francés y la ciudad" dirigido por Sol Spinelli en torno a la relación de Juana Francés con la técnica, la alienación y la ciudad.

IVAM. Centre Julio González de Valencia. Los 5 títulos de ficción que componen el ciclo abarca dos continentes, con presencia destacada de mujeres y directores africanos y afroamericanos pioneros en un arte vanguardista y crítico que se libera de referentes europeos y busca una gramática y referentes propios. En línea con la investigación de la forma y el dominio de técnicas artísticas que emplea Kara Walker para ahondar en las secuelas históricas y psicológicas de la esclavitud y la injusticia social, las películas han sido seleccionadas por sus conexiones temáticas, poéticas, históricas y geográficas con la producción de la artista. Beatriz Leal Riesco es investigadora independiente, profesora, crítica y programadora especializada en arte y cine contemporáneos africanos, europeos y de Oriente Medio. Es directora de programación de los festivales Wallay! Bcn African Film Festival (Barcelona) y de AFRIKALDIA: Festival vasco de cines africanos (Vitoria). Ha trabajado para el NY African Film Festival y otros festivales de cine en el pasado. Combina su trabajo como conferenciante y comisaria con sus actividades como escritora, publicando artículos en una amplia gama de periódicos y revistas académicas, entre ellos El País, Cinema Journal, Secuencias, Caracteres, Ars Magazine, Asymptote, GuinGuinBali y Okayafrica. Colabora habitualmente con instituciones como la Filmoteca Española (Madrid), el MUSAC (León), el CCCB (Barcelona) y la Filmoteca de Cataluña en Barcelona, donde actualmente comisaria una exposición y un ciclo de cine sobre el fenómeno de los carteles de cine ghaneses de los años 90 titulada COL.LISIÓ EXTREMA. Cartells de Ghana pintats a mà, anys noranta. (ocutbre 2025-enero 2026). Día 18 de noviembre: Sesión Moustapha Alassane. -El regreso del aventurero / Le retour d’un aventurier, Moustapha Alassane (Níger, 1966). 34’. Ficción, color, VOSE. -Samba el grande / Samba le grand, Moustapha Alassane (Níger, 1977). 14’. Animación, color, VOSE La primera sesión está dedicada al “padre de la animación africana”: el nigerino Moustapha Alassane (1942-2015). Formado en las técnicas de animación en Canadá bajo la batuta de Norman McLaren, Alassane es un ejemplo de experimentación constante con los géneros (animación, etnografía y cine de autor vanguardista), las técnicas (pintura, stop-motion, dibujo) y los materiales (metal, madera, alambres o tejidos característicos africanos). En Le retour d’un aventurier (1966), “primer western africano”, Alassane se vale de la sátira y del western en boga para cuestionar las dinámicas racistas, supremacistas blancas y patriarcales del expansionismo norteamericano, basado en el culto a la violencia. En la película de animación Samba le grand (1977), recurre a la técnica del stop-motion y de muñecos pintados a mano para descubrir a un público amplio las aventuras de un héroe legendario africano, borrado de la historia por los colonizadores. Día 19 de noviembre: Sesión Charles Burnett. -Matador de ovejas / Killer of Sheep, Charles Burnett (EE.UU., 1978). 83’. Ficción, B/N, VOSE Killer of Sheep es la primera realización de Burnett, cineasta afroamericano que fue miembro destacado del movimiento LA Rebellion o Los Angeles Film School of Black Filmmakers (UCLA, finales años 60-80), surgido como respuesta a las revueltas de Watts (LA, 1965) y caracterizado por aglutinar a jóvenes directores africanos y afroamericanos quienes, partiendo de la crítica anticolonial, los postulados del Tercer Cine y el cine de autor, propusieron un Black cinema vanguardista alternativo al cine de Hollywood. En Killer of Sheep, realizada durante los fines de semana de 1972-1973 como tesis de fin de máster en la UCLA, Burnett demuestra sus dotes para mantener la tensión entre lo narrativo y lo conceptual, presentándonos episodios de vida doméstica de la población negra de clase trabajadora a mediados de los 70s en el barrio angelino de Watts. Burnett escribió, dirigió, produjo, filmó y editó la película, compuesta a modo de viñetas de alta carga poética en los planos, a través de actores amateurs y del uso magistral del blanco y negro en 16mm, en línea con el neorrealismo italiano, Yasuhirō Ozu y Jean Renoir. Día 20 de noviembre.Sesión Julie Dash -Hijas del polvo / Daughters of the Dust, Julie Dash (EE.UU., 1991). 112’. Ficción, color, VOSE. Julie Dash es otra de las figuras ilustres del LA Rebellion. Daughters of the Dust fue la primera película de una artista afroamericana distribuida comercialmente. En este poema filmado conocemos la historia de tres generaciones de mujeres gullah de la isla de Saint Helena (Carolina del Sur) en el año 1902, cuando se preparan para emigrar del sur rural al norte urbanizado. No en vano la directora sitúa a esta familia en la vanguardia de la Gran Migración y alude a los efectos emocionales y psicológicos del masivo movimiento migratorio interno americano que transformaría la historia del país con la llegada al norte de millones de personas negras que huían del racismo de las políticas sureñas. Filmada en dialecto gullah (criollo del sur con influencias africanas que emana historias de esclavitud) y altamente visual, está compuesta de elaborados planos pictóricos (gracias al diseño de producción de Kerry James Marshall -con obra en el MACA-) filmados por el reconocido artista Arthur Jaffa. Dash se aleja premeditadamente de la narración lineal occidental masculina haciendo uso de una narrativa circular a modo de viñetas donde se superponen tiempos, sensaciones y vivencias a través del relato de una niña no nacida, quien usa los relatos de sus ancestros. El dialecto, las celebraciones, las vestimentas, la comida y los ritos son un acto extremo de resistencia poético-político de estas mujeres a las homenajea Dash en este clásico del cine de finales del siglo XX al que rendiría tributo Beyoncé en Lemonade (2016). Día 21 de noviembre. Sesión Kasi Lemmons -El Bayou de Eve / Eve’s Bayou, Kasi Lemmons (EE.UU., 1997). 109’. Ficción, color, VOSE Cierra el ciclo otra ópera prima, Eve’s Bayou (1997), de la afroamericana Kasi Lemmons. De su mano nos adentramos en el imaginario y mitología del terror del gótico sureño, tan querido por Walker y desarrollado con éxito en el siglo XXI. Dirigidos por una niña (Eve), nos trasladamos a los recuerdos de un verano a mediados de los años 60s en el seno de una familia acaudalada afroamericana en Luisiana. Las mujeres gobiernan este mundo gótico forjado a base de secretos, vudú y fuerzas místicas de herencia afrocaribeña donde el sexo forzado, el amor y los presentimientos componen un mundo al que Eve intenta dar sentido. La mirada de la niña, rodeada de presencias fantasmales y rituales mágicos, nos permite descubrir las ansiedades, miedos y estrategias de supervivencia de las mujeres negras heredados por una compleja historia de opresión y racismo. Este trabajo íntimo sobre la memoria y capacidad del ser humano de construcción de la historia personal y colectiva, el juego con el terror para diseccionar las relaciones entre sexos y razas, el uso de las viñetas y la presencia infantil son elementos que conectan con fuerza con la obra de Kara Walker. Refrendada por crítica y público (fue la película independiente más rentable de 1997 en EE.UU), Eve’s Bayou se preserva en la Biblioteca del Congreso de los EE.UU por su valor cultural, histórico y estético.

Álbum inspirado en el arquitecto americano Gordon Matta -Clark y en su obra Conical intersect (París, 1975). Este es un libro formidable que nos muestra la convivencia entre la ciudad y la naturaleza. Cómo los humanos llegamos a exigirnos para adaptarnos a lo imprevisto, cómo descubrimos que a partir del caos, nace nuestra creatividad y cómo podemos entender, respetar y amar la naturaleza, a pesar de que se nos presente de manera inesperada. Crearemos un building cut, sobre una maqueta de una casa o edificio. Los building cuts de Gordon Matta-Clark, suponen una mirada crítica, una reflexión sobre la especulación, la propiedad privada y la privacidad. En Splitting (1974), el artista partió por la mitad una casa unifamiliar de un típico suburbio americano de clase media, mientras que en Conical Intersect (1975), en esta ocasión en Europa, perforó varios círculos concéntricos en las paredes de un edificio que iba a ser demolido en el popular barrio de Les Halles de París.

Georgia O’Keeffe fue una artista fascinante, original y decidida. Dedicó su vida al arte y fue conocida como la madre del modernismo americano. Tal vez, sus pinturas más famosas son aquellas que representan flores a gran escala. Flores vistas a través de una “gran lupa” que aumenta sus formas y colores hasta acercarlos al arte abstracto. Observar, ampliar, abstraer las flores. En este taller de Yo, artista experimentamos con pinturas, aguadas, flores y abstracción para acercarnos al arte de Georgia O’Keeffe.

El Mitolatorio comenzó su andadura en abril del 2020. Durante la pandemia funcionó como mapa colaborativo digital de mitos contemporáneos. Fue una manera de seguir conectados con el mundo exterior, resignificando el espacio público desde nuestras casas. Uno de los pilares del Mitolatorio siempre fue la resignificación urbana, porque revisar nuestras emociones sobre el espacio público nos empodera de él, porque prestarle especial atención nos hace más conscientes de sus peculiaridades, y nos ayuda a valorar todos los elementos del paisaje público y urbano al poner al mismo nivel lo edificatorio (un edificio de fachada emblemática), lo vegetal (el árbol de la plaza donde jugamos) y lo humano (la vecina que siempre se sentaba en el mismo banco del parque), entre otros. Creemos que esta mirada se puede volver radical de una manera inesperada si se realiza desde la óptica de una obra del Museo previamente vista, olida, y hablada creativamente. La mediación de las obras y los lugares se basará en realizar acciones creativas con ellas como objeto, para fomentar la observación crítica y expandida de la obra y la exploración subjetiva, corporal y también crítica del espacio urbano. A la potencia significante del binomio obra-lugar le sumamos así dos bagajes: el de las prácticas de creación plástica mediada de los talleres y laboratorios de María Maraña, y el de las técnicas de exploración propioceptiva y fabulación identitaria de las prácticas interactivas de Sergi Hernández.

El Festival Abril en Danza cuenta desde2023 con el programa “MACA EN VIVO” . Programación expandida realizada desde la dirección de Abril en Danza en colaboración con el MACA y el Consorcio de Museos.

Lotte Reiniger fue una cineasta alemana, pionera en el cine de animación, especialmente por sus películas de animación con siluetas de cartulina, con las que hizo volar de grandes y pequeños. Dirigió el primer filme que utilizó la cámara multiplano. En este taller de "Yo, artista" conoceremos su arte y pondremos en práctica algunos elementos básicos de la animación stop-motion y los recortes de papel.

El niño Juan tenía alas en lugar de orejas, al niño Jorge le gustaba comer la pared de su cuarto. Por las calles de Chihuahua se pasea Chavela Ortiz, el monstruo de seis patas. Éstos son algunos de los habitantes de Leche del sueño, la libreta en la que la artista plástica y escritora surrealista Leonora Carrington plasmó sus visiones más íntimas y entrañables: los cuentos que imaginaba para sus hijos, presentados en una edición facsimilar que conserva intacta la poesía visual de los textos y dibujos originales.

En este libro, una artista lleva a su hijo a un viaje de fantasía para ayudarle a entender las distintas y variadas maneras de experimentar con los colores. Con su coche multicolor entran en un paisaje hecho de los matices y las formas de sus obras de arte. La madre de Charles es Sonia Delaunay, que a principios de 1910, junto con su esposo, Robert, propuso la audaz idea de que en lugar de representar a personas, lugares y cosas como aparecían en la vida real, se reflejase el mundo moderno al capturar sus colores, formas, sonidos y movimientos. Coordinado por Va de cuentos y María Maraña