Mori el Merma fue un espectáculo teatral de la compañía Teatre de la Claca dirigida por Joan Baixas y Teresa Calafell con decorados, máscaras y grandes títeres diseñados y pintados por Joan Miró. Durante varios meses, Miró colaboró en el diseño de los personajes construidos en tela y goma espuma por el grupo y en marzo de 1977, en el propio taller de La Claca y como un miembro más del grupo, procedió a pintarlos y decorarlos. La aventura fue registrada por la atenta cámara de Francesc Catalá Roca. Tras meses de ensayos, la obra se estrenó en 1978, primero en el Teatro Principal de Palma de Mallorca y después, en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. El éxito fue rotundo y clamoroso. Esta “troupe” caótica y anarquista era la imagen de un país nuevo que había acabado por fin con la dictadura. En los primeros dos años, desde 1978 a 1980, Mori el Merma se representó por toda Europa: en el Centro Pompidou de París, en los Riverside Studios de Londres, en la Fondation Maeght de Saint Paul de Vence o en la Sala Olympia de Madrid. La importancia de Mori el Merma en la producción de Joan Miró es capital: no es una más de sus incursiones en la escena teatral, un aspecto artístico por el que sentía auténtica pasión. Se trata de la representación del personaje de Ubú ideado por Alfred Jarry, paradigma de todos los dictadores del siglo XX, el tirano vulgar y sangriento que encarna la corrupción y el despotismo y que Miró asociaba al general Franco. El personaje de Ubú, que Miró desarrolla plásticamente a través de una serie de dibujos y de tres carpetas de litografías, sube a escena con la obra de Mori el Merma recogiendo así su ideario político, transversalmente bañado de surrealismo. La historia de los muñecos de Mori el Merma en Alicante es complicada pero apasionante. Cuando en 1980, La Claca desmontó la obra para acometer una nueva etapa, Miró accedió a que se vendieran los decorados iniciales: parte de los cuales fueron depositados en la Fundación Miró de Barcelona y otra parte, gracias a las gestiones del artista alicantino Eusebio Sempere, se adquirieron por la Diputación de Alicante con el propósito de completar la Colección Arte Siglo XX. Mientras tanto, los decorados fueron expuestos en 1980 en el Museo de la Asegurada, no sin fricciones entre el artista y el Ayuntamiento como recoge la prensa. Después de catorce meses de exposición fueron desmontados y almacenados en cestos de mimbre que se retiraron por Diputación en 1988 donde se conservaron desde entonces. Nunca más se volvieron a exponer.

Obras de la Colección Fundación Caja Mediterráneo Michel de Certeau, filósofo francés, en la “Práctica de la vida cotidiana” cuando habla de las “invisibles identidades de lo visible”, hace una propuesta muy a tono para la fotografía. Él propone que lo que se ve en el paisaje urbano es siempre un indicio de lo que ya ha desaparecido, que lo visible designa a lo que ya no está. La idea de la fotografía como un mero reflejo de la realidad, ha sido superada en la actualidad por la mayor parte de los artistas que trabajan en este campo. En sus obras reflejan ya no sólo el instante fotografiado, sino situaciones, momentos algunos de un pasado ya no evidente o imágenes que nos indican o sugieren hechos, situaciones, sospechas, incluso estados de ánimo. Tanto Xavier Ribas con su obra Estructuras invisibles, (2006) como Javier Codesal con El monte perdido, (2003) nos hablan, desde un punto de vista antropológico, sobre la memoria y la ausencia, con un cierto carácter evocador de lo ya perdido. Xavier Ribas nos traslada a la actualidad para mostrarlos el pasado, lo que hubo en el espacio hoy ocupado por un bosque que oculta el horizonte. Fotografías tomadas en las ruinas mayas de Waka, en Guatemala, nos recuerdan los restos sin excavar de una civilización ya desaparecida. No se ve el monumento que en otro momento estuvo en el lugar. No es necesario. Permanece oculto a la vista del espectador mostrándonos únicamente la apariencia de las cosas, el recuerdo, pero no su significado que tendrá que ser descifrado por los restos, por las huellas de su paso por el territorio. Cultura y naturaleza, por tanto, van unidas, se solapan, no vemos los restos de la historia pero sabemos que se encuentra en ese lugar, preservada por el paisaje, en este caso, de la selva. Vemos, o más bien imaginamos, sin en realidad ver, una realidad que permanece en la memoria siendo ésta el elemento fundamental de su continuidad. Javier Codesal recurre a los espacios naturales, al montaje caleidoscópico de fragmentos de paisaje boscoso, en este caso el oscense Monte Perdido, para representar, a través de la naturaleza, su propia vida. El carácter fragmentario no sólo capta el instante, sino también lo que no se ve, lo secreto e invisible. Girando las fotografías, invirtiendo sus ejes horizontal y vertical, nos representa cómo la solidez vertical cae con el tiempo, se desploma y cómo la demarcación de un terreno que el artista identifica como el propio sujeto nos muestra la nostalgia por la pérdida de las personas ya ausentes. Temas como la ausencia, la desaparición y la muerte están presentes en la obra de este artista oscense.

Presentamos la nueva exposición de la Colección Fundación Mediterráneo con vocación de permanencia que ocupa la segunda planta del MACA incorporándose así a la lectura de las colecciones permanentes del museo. La hemos titulado Con el tiempo 2 en un doble sentido. Con el tiempo es con-temporáneo. Aquello que está estrechamente ligado al tiempo presente. Lo que está sucediendo. Al igual que nosotros, contemporáneos de estas obras y compartiendo con ellas el espacio y el tiempo, compartiendo los presupuestos estéticos que las han visto nacer y los significados últimos. Con el tiempo es también aquello que ha pasado desde la Colección Arte Siglo XX que mostramos en la primera planta del museo y que nos donó Eusebio Sempere en 1977. Inevitablemente su colección se quedó cerrada en los primeros años 80. Desde entonces y Con el tiempo lo que ha venido pasando es lo que vamos mostrando a través de la Colección Fundación Mediterráneo ahora revisitada. La Colección Fundación Mediterráneo está compuesta por 213 obras de las cuales hemos elegido 18 obras entre pintura, escultura y fotografía de una contundencia plástica incuestionable. Obras que nos han venido acompañando en las diferentes exposiciones temporales que de la Colección se han realizado en distintos espacios y ciudades. Siempre es una sorpresa descubrir a los artistas representados en la Colección Caja Mediterráneo pero es aún más sorprendente descubrir qué obra de ellos se ha adquirido. Siempre se trata de una obra fundamental dentro de su trayectoria artística, ejemplo de lo mejor de su propuesta estética y por la que se reconoce a un artista como artista singular. Una obra por su contemporaneidad, rotundamente “clásica”. Y eso se pone de manifiesto en esta exposición. Es una exposición contemporáneamente clásica. El guión expositivo establece tres pequeñas exposiciones en tres espacios siguiendo la arquitectura de la sala: Un primer grupo de artistas presididos por la obra de Luis Gordillo, Las brújulas inapetentes que establece un hilo conductor a través de los cristales de Ignasi Aballí 7 pintures transparents, en el proceso mismo de búsqueda continua y cuestionamiento de la pintura más pura, la que se representa a sí misma con nombres como Juan Uslé, Carlos León y Joan Hernández Pijuan, enfrentados y reflejados en la obra de Jaume Plensa, The Porter. Un segundo grupo compuesto por obras de artistas mujeres que manifiestan la manera feminista de mirar la realidad. Territorios fantasmagóricos que acumulan una preocupación constante por el misterio, un hilo discursivo donde siempre se evoca la soledad o la nostalgia: Paisajes interiores de sutiles equilibrios cromáticos, veladuras esenciales por donde se escapa el tiempo como las obras de Carmen Calvo, Oir o la fotografía de Hannah Collins de la Cocina de La Laboral. O retratos tan contundentes que ponen de manifiesto el discurrir de las horas y los días a través del propio rostro de Esther Ferrer. La historia se completa con la imagen de la mujer en inestable equilibrio sobre una rueda de Fórmula 1, obra de Francesc Torres y la enorme polilla que se come los trajes de fieltro de Joseph Beauys, excelente fotografía de Jana Sterback. Y un tercer grupo que aglutina una serie de obras de distintos artistas que tienen en común el proceso de creación. Un proceso fragmentado, hecho a pedazos, muchas veces asimétrico y que deja ver la estructura de la obra siempre con una sensación incómoda de desnudez o desprotegimiento. Pello Irazu, Miquel Mont, Manu Muniategiandikoetxea y Daniel Verbis conforman la selección de artistas. Una generación preocupada por los problemas de espacio, volumen y representación a los que une un hilo invisible de familiaridad. Artistas que no ofrecen soluciones sino que cuestionan, y trasladan al espectador, los problemas de una realidad que viene configurándose de manera cada vez más compleja y fragmentaria, donde las ideologías han perdido vigencia y el discurso social, político o estético se ha vuelto incompleto, precario y, en multitud de ocasiones, caótico. Y ello nos lo recuerda la obra de Juan Ugalde, Extraviadas las garzas, representando una arquitectura que responde a una primera necesidad: la habitación convertida en urgencia pero al mismo tiempo en materia plástica, en el escenario de una realidad estética muy personal pero también de denuncia social indagando en lo que habitualmente no miramos o no queremos mirar.

Obras realizadas en técnicas y soportes muy diversos: pintura, fotografía analógica y digital, impresiones, proyecciones, collage o instalaciones, etc., pobladas de seres humanos. De la naturaleza humana aglutina una serie de piezas de distintos artistas que tienen en común la representación de la dimensión humana. Narrativas en torno al cuerpo humano como figura, como individuo, como fragmento pero también como suma o multitud. El arte ha diseccionado al ser humano a través del entendimiento, de las pasiones o de la moral, del mismo modo que el filósofo escocés David Hume. Más escéptico que nunca el individuo conforma su percepción del mundo a través de ideas e impresiones. Y así, entre la atracción y la repulsión, las obras de artistas como Daniel Canogar, Enrique Marty, Javier Pérez, Santiago Ydáñez, Jana Sterbak o Javier Vallhonrat se enfrentan a las de artistas consagrados como Juan Hidalgo, Esther Ferrer, Albert Porta/Zush o Pepe Espaliú para situarse en el territorio de la incomodidad, instándonos siempre a la reflexión sobre nuestro yo y nosotros mismos…, sobre nuestra naturaleza humana.

Issahōmu’ es el proyecto fin de carrera de Anabel Ruiz desde la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Alicante y se presentó desde el 29 de noviembre de 2013 al 5 de enero de 2014 en la biblioteca Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Presencia física, expresividad escénica en torno al cuerpo humano y su forma física, al movimiento y al espacio, son conceptos que se abordan en este espacio expositivo. Homo habitans, La interfaz de un vuelo, El cielo refugio son modelos de reflexión, de percepción y de compromiso que muestran cómo desde una poética de la miniatura llevar la responsabilidad espacial a primer término.

Arquitectura inadvertida era una exposición que transitaba por lugares de la nada a través de una cuidada selección de obras pertenecientes a la Colección DKV invitada a esta muestra y de la Colección Fundación Mediterráneo depositada en el MACA gracias al convenio suscrito entre la Fundación Mediterráneo y el Ayuntamiento de Alicante. Esta exposición surge de la interacción de obras y artistas en torno a un descubrimiento: la poética de una arquitectura inadvertida pero presente y formalmente responsable de crear espacios literarios como escenas aisladas de un sueño. Misterios desvelados donde una columna, un árbol, una puerta, un foco, un pasillo, una escalera... ayudan a descubrir el escenario de una realidad estética muy personal. Indagar en aquello que habitualmente no miramos, atmósferas voluntariamente borrosas, espacios simbólicos y monumentales pero también espacios vividos que evocan a veces un pasado olvidado, una memoria que trae la huella que permanece viva. Arquitectura dignificada que construye un paisaje narrativo entre la representación y la ilusión. Universos de ficción de extraordinaria belleza y capacidad de evocación. Figuras ensimismadas en un momento anterior al caos resueltas en equilibrio inestable, donde lo vulnerable o lo frágil por leve, se rompe.

A modo de reflexión invitaba al espectador a reflexionar sobre el propio concepto de la reflexión: acción y efecto de reflexionar, considerar nueva o detenidamente algo, meditar, sugerir… pero también, sobre la acción y efecto de reflejarse. Esta exposición reunía un total de 13 obras de 11 artistas seleccionadas de esta Colección Fundación Mediterráneo depositada en el MACA. Trece obras que mostraban una imagen de la realidad que nos atrapa fascinados por ese juego de transparencias, de veladuras, de reflejos… que quedan impresos en el suelo, el cristal, el lienzo, la tabla o la fotografía, demostrando así la fragilidad de lo sólido y la interacción misteriosa de la luz y el espacio. Pero también una reflexión en torno al mismo concepto y función del arte; fenómenos artísticos que han diluido los límites entre los géneros y las técnicas derivando hacia una complejidad de lo híbrido, cuestionando lo absoluto y deteniéndose en el proceso conceptual de la representación, donde el conocimiento, la memoria, la verosimilitud o la ambigüedad resuenan como un murmullo: suma de palabras, de sombras y de ruidos que a su vez, también se reflejan.

Frente a lo que puede pensarse, la colección de arte contemporáneo del Museo de Bellas Artes de Valencia, -o al menos su núcleo inicial- no fue una acumulación desordenada de donativos o legados, sino una propuesta rigurosa y muy pensada de la dirección del museo a partir de 1967, que pudo llevarse a cabo por una serie de circunstancias afortunadas que permitieron, en una época de absoluta carencia en Valencia de centros estables que expusieran obra de los artistas más significativos, estructurar en una sala del propio museo más que una yuxtaposición de individualidades, un planteamiento objetivo de las tendencias en las que se movían en esos años los artistas valencianos más representativos. Ello se hizo fundamentalmente para no dejar truncado el rico desarrollo histórico de los fondos del museo, que se había visto interrumpido en la segunda mitad del siglo XX por muy diversos motivos, tanto conceptuales como históricos, políticos o estéticos no tanto achacables al museo como a la propia situación de la sociedad valenciana.

La exposición “Blanco y negro: sujeto, espacio y percepción” es una aproximación a la obra de diversos artistas que, en el ámbito español desde el final de la posguerra hasta nuestros días, se han planteado la creación plástica desde la obra monocromática en blanco o en negro a la construcción de un espacio que se articula en torno a dualidades opuestas o complementarias. En consecuencia, plantear una exposición sobre el color es reflexionar sobre uno de los temas centrales para la creación contemporánea. Entre las sucesivas vicisitudes que atravesó el color durante el siglo XX, observamos cómo, desde la segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, el color sufrió un continuo proceso que lo transformó en un material común y banal dentro de la vida cotidiana, que pasaba a ser fabricado en serie y estandarizado por el comercio. En el ámbito artístico sus repercusiones no fueron menores, por ello, cierto número de artistas conformaron una paleta de colores muy alejada de cualquier voluntad espiritual, intencional o significativa que, hasta entonces, la tradición del arte había reclamado. Esta nueva presentación de la exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, que toma como base la Colección de la Fundación Chirivella Soriano, se estructura en cuatro ámbitos: Preludio sobre el blanco; individuo aislamiento, sociedad; la destrucción y el amor; y por último, Armonio de contrarios.