Como tercera exposición de la serie Todo Paisaje es ficción se presenta la obra de Ángeles Marco, una de las principales figuras responsables de la renovación del panorama de la escultura española desde los años 80. Perteneció a esa generación que transformó la plástica escultórica y que se denominó Nueva Escultura Española junto a artistas como Juan Muñoz, Jaume Plensa, Susana Solano, Eva Lootz, Miquel Navarro, Cristina Iglesias, Txomin Badiola, Pello Irazu, Sergi Aguilar, etc… El minimalismo, el constructivismo y el arte conceptual son algunas de las influencias que se rastrean en sus instalaciones y esculturas, agrupadas en series que abordan distintas metáforas y sobre las cuales la artista vuelve una y otra vez. Emplea preferentemente el hierro y ocasionalmente, otros materiales como el caucho, la cera o el cristal. Los sentimientos de soledad y angustia dan aliento a sus piezas e instalaciones, provistas de un particular sentido narrativo. La serie Salto al vacío y El tránsito es una de las más representativas de la artista valenciana y define su carácter experimental. La artista adopta tratamientos y recursos de distintas técnicas, directamente trasvasadas del mundo de la ingeniería industrial al quehacer escultórico. Dominaba técnicamente el oficio para dedicarse a la investigación artística. Salto al vacío es la postura que Ángeles Marco adopta frente a la realidad. Su angustia es literalmente una sensación de infinita libertad en el espacio. Sus “saltos al vacío” son consecuencia de ese vértigo de la libertad. La angustia es la presencia continuada de la nada: el sudor frío de estar de pie al borde de una ventana, el gozoso terror de la caída. El tránsito es el segundo tema recurrente de la artista. El paso de un lugar a otro, de un estadio a otro. Son imágenes de pasillos, puentes, escaleras, pasajes, callejones…Pero también el tránsito de un estado químico a otro o, incluso, el camuflaje que pretende hacer invisible una presencia. La transición como escalofrío, un movimiento de oscuridad a oscuridad.

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Fundación Mediterráneo que está depositada en este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante gracias al convenio suscrito entre el Ayuntamiento de Alicante y la Fundación Mediterráneo. La Colección Fundación Mediterráneo está compuesta por 212 piezas y recorre la obra de 125 artistas, los nombres más imprescindibles del panorama artístico español contemporáneo. Abarca un arco cronológico que recorre desde la transición democrática hasta nuestros días: un periodo artístico en España que corresponde a los últimos 40 años, tan generoso, cargado de ilusión, de energía, de desencanto, de derroche y de ingenuidad… pero también de reflexión, de denuncia, de compromiso, de aventura… Un periodo en el que conviven varias generaciones de artistas de forma normalizada como nunca antes había ocurrido, enriqueciéndose mutuamente, aprendiendo los más jóvenes de los indiscutibles maestros, y redescubriéndose en los más jóvenes la persistencia de lo imprescindible. Con el tiempo 3… quiere reflexionar sobre la contemporaneidad de las obras mostradas, más allá de las referencias históricas ya conocidas en la Colección Arte Siglo XX y lo por venir. Referencias que entroncan con el gesto y la materia donde la obra es el proceso en una búsqueda continua de la pintura más pura, la que se representa a sí misma. Pero también con una generación de artistas que van a revisar profundamente la realidad para tratar la figuración desde mil puntos de vista. O con los más esenciales, aquellos que tratan directamente con lo sublime en un despojarse de todo para encontrar la espiritualidad, el hálito escondido de la belleza.

Todo paisaje es ficción 2, es una propuesta de profundización en el tema del paisaje. Si esta primera selección ha tenido el mundo natural como referencia del paisaje, esta segunda edición quiere mostrar a través de una sola pieza y de un solo artista, Miquel Navarro, el mundo de lo urbano como construcción del paisaje contemporáneo. Se trata de una de las ciudades más significativas del artista valenciano por la dimensión y presencia que adquiere este Espacio de batalla. Se presentó por primera vez en 2002 en la galería Marlborough de Nueva York con gran éxito de crítica y público. Era la primera exposición individual del artista en la capital neoyorkina y en ella quería rendir homenaje a la ciudad tras el brutal atentado de las Torres Gemelas del 11 de septiembre. El centro de la exhibición era esta instalación, Espacio de Batalla, compuesta por una serie de esculturas de aluminio y cinc de formas y tamaños que asemejan una fantástica ciudad en miniatura, mitad urbe, mitad cementerio. Navarro nos propone percibir la ciudad desde lo alto, a modo de travelín, en una escala que convierte al hombre en gigante. La instalación, de quince metros de largo, siete de ancho, y dos de altura, está compuesta por varias series de figuras geométricas de pequeñas dimensiones, organizadas en forma de bloques de casas, que también podrían ser las lápidas pulidas y ordenadas en serie de un cementerio. Y se completa con algunos elementos de gran tamaño que semejan los rascacielos neoyorkinos. Un total aproximado de 2.500 piezas que, en rigurosa disposición, se extienden conformando pura creación poética entre arqueología y modernidad, una metáfora de la civilización destruida.

La representación del paisaje en la pintura constituye un género clásico que tiene su origen en la Holanda burguesa del siglo XVII gozando inmediatamente de éxito. Naturalezas educadas o dominadas por el hombre, marinas, panorámicas vedutas del settecento, paisajes sublimes del romanticismo, atormentados, soñados, existentes o reales…. El paisaje ha sido una forma de manifestar la posición del hombre en el mundo. Se trata de un género tan imbricado en la tradición clásica que se revela como uno de los campos de investigación más fértiles y productivos del arte contemporáneo. El paisaje no es la naturaleza o el lugar que se observa sino lo que se construye a partir de éstos, una construcción cultural para la que es necesaria la interpretación. El paisaje se construye en el mismo momento que se observa. Sólo existe a través de la mirada y el pensamiento. Y hay que observar tanto lo visible como lo invisible. Además, lejos de aquella dicotomía antigua entre naturaleza y ciudad, hoy el territorio es híbrido, discontinuamente urbanizado, transformado por el hombre que adopta así una posición ante la naturaleza. Espacios intermedios, descampados, demolidos, reconstruidos, inertes, en los que es difícil escuchar el silencio. El debate teórico se ha cargado con nuevos significados, se ha subvertido. El enriquecimiento semántico del género se percibe en el interés de todos los artistas y todas las técnicas. Todo Paisaje es ficción reúne una serie de obras que tienen en común reflexionar en torno al paisaje y su representación contemporánea. Una amplia selección de artistas que desde diferentes ópticas y a través de diversas técnicas han otorgado al paisaje un papel protagonista en sus obras. Pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, instalaciones y vídeos conforman esta muestra en tanto que interpretamos de forma subjetiva el paisaje, mientras generamos conciencia social, preocupación por la intervención del hombre, descubrimos el pasado, hablamos del tiempo vivido, de las personas que habitaron, de la memoria del lugar…todo ello mientras añoramos el paraíso perdido.

Espacios de resistencia reúne una serie de obras que buscan espectadores críticos. Cuestionando la realidad social y política, la sociedad de consumo, los medios de comunicación, la publicidad, la ciudad, el espacio público y la presencia del poder y sus mecanismos de inclusión y exclusión social, estos artistas plantean obras incómodas, ácidas, provocativas… Una propuesta transversal donde el proceso de creación artística se convierte en la propia obra o que construye y deconstruye una realidad fragmentaria. A través de nuevos formatos, lenguajes, soportes y técnicas contemporáneas, video, fotografía, instalación, programas informáticos o incluso a través de la pintura y la escultura, las obras mostradas reclaman siempre un espectador activo y comprometido. Herederas de las prácticas conceptuales desarrolladas en España, especialmente en Cataluña y Andalucía en los años 60 y 70 y con una fuerte carga lingüística, estas obras dibujan un paisaje de transgresión de los comportamientos artísticos que llega a desmaterializar el arte o a construirlo con archivos, documentos, fragmentos de imágenes, objetos cotidianos, materiales pobres como el polvo o las colillas y cachivaches extraños que adquieren otros significados. El arte funciona así como resistencia. Los artistas contemplan su proceso creativo solo desde la trascendencia social, desde el enfrentamiento al poder, pero también desde la paradoja, el humor o la ironía.El arte como denuncia pero también como forma de cambiar el mundo.La práctica artística se convierte en la única arma de supervivencia.

Paloma Navares es una pionera en el arte creado por mujeres. Su obra, clasificada por etapas y series, responde a diversos procesos de investigación en los que indaga las temáticas sociales, profundiza en el mundo de la mujer, sus ritos, costumbres y tradiciones. Su lenguaje plástico está construido desde la idea de hibridez y sustentado, desde sus inicios, en la práctica interdisciplinar, el ensamblaje de técnicas y soportes, y la utilización de materiales industriales. Fotografía, vídeo, sonido y luz se unifican en sus instalaciones, esculturas, objetos o collages. Las obras depositadas se exponen en el MACA desde marzo hasta junio de 2016 son la instalación En el umbral del sueño, 1992-93 y Eva, una escultura de fotografía y luz. Son obras en las que la artista trabaja con fotografía, vídeo, sonido, electricidad, materiales industriales como plásticos, integrando la obra con el espacio y la luz. En el montaje se presentan imágenes fraccionadas, adaptadas a soportes cilíndricos y planos transparentes, unidos todos ellos a la energía. Las dos obras pertenecen a una serie titulada Fragmentos del Jardín de la memoria donde la artista integra la fotografía, la electricidad y materiales industriales como el plástico, con el vídeo y grabaciones de sonido, creando y elaborando escenarios, puestas en escena que provocan emociones llenas de fuerza al combinar los efectos de luz y de sombra con interacciones espaciales y resonancias iconográficas. No en vano, Paloma Navares utiliza las imágenes de la pintura clásica para deconstruir el mito estereotipado de la mujer.

El MACA presenta su décimo quinta obra dentro del programa de La Pieza invitada. Se trata de "Escultura telemagnética", de 1960 en acero cromado, imán, agujas e hilo de nylon del escultor griego Panayoitis Vassilakis, conocido como TAKIS y procedente de la colección particular del artista Josep Pedrós i Ginestar quien fue ayudante personal de Takis en París. Takis es uno de los artistas más interesantes y desconocidos de la vanguardia cinética afincada en el París de mediados de siglo XX. Su obra, innovadora y dinámica, pone en relación el arte y la ciencia, explorando la relación entre los objetos ordinarios y las energías que los mueven y controlan, como los campos magnéticos, la gravedad, la luz y el sonido. Imanes que mantienen agujas en suspensión mientras trabajan con las fuerzas invisibles de la naturaleza para hacer visible un mundo invisible que, en palabras de Takis, es sencillamente pensamiento puro. El artista Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de algunos de los museos más importantes del mundo, como el Centro George Pompidou de Arte Contemporáneo de París, el MOMA y el Museo Guggenheim de Nueva York, la Colección De Menil de Houston, la Tate Modern de Londres y la Colección Peggy Guggenheim de Venecia. En 1986, el artista regresó a Grecia donde estableció el Centro de Investigación para las Artes y las Ciencias -conocido como la Fundación Takis en la colina de Gerovouno en Atenas. La Fundación fue inaugurada oficialmente en 1993, con el objetivo de promover el conocimiento y la apreciación de las artes visuales al público en general, así como proporcionar servicios y apoyar los programas de educación artística. El programa de la Pieza invitada Con este programa de exposiciones La pieza invitada, el MACA pretende acercar al público obras temporalmente cedidas por otras instituciones y que en el Museo adquieren un nuevo significado, al ser presentadas como una exposición de una sola obra en relación con el contexto de la colección permanente. La Colección Arte Siglo XX permite por la extensa nómina de artistas, la variedad de obras históricas y los numerosos momentos estéticos que se hallan representados, un programa enriquecedor de invitaciones. Obras concretas que, en diálogo, discusión, contigüidad o contradicción, se muestren inmersas dentro del contexto expositivo del museo. Desde su inicio en 2011 hasta la fecha, el MACA ha expuesto 15 piezas invitadas.

“Parada Estación” es una instalación de María Aranguren que rinde homenaje a Eusebio Sempere y se inscribe dentro del conjunto de actividades que el Ayuntamiento de Alicante y el MACA han programado con motivo del 30 aniversario de la muerte del artista. “Parada Estación” marca un recorrido, a través de catorce pequeñas piezas de policarbonato en la calle, que conduce al viandante desde la Plaza de la Santa Faz hasta el MACA. Catorce “Estaciones” en lugares elegidos por la artista entre las dos primeras estaciones del Via Crucis de la Santa Faz: la fuente, el Palacio, Portaferrisa, la curva de Maldonado, el callejón Heliodoro Guillén… En la búsqueda o en el hallazgo de los enclaves se establecen relaciones estéticas y conceptuales que propician una mirada diferente sobre los muros y fachadas de este barrio singular y acompañan a los visitantes hacia la puerta del MACA, donde una gran pieza homenaje, inspirada en la obra de Sempere, cierra el recorrido.

El MACA presenta la restauración e investigación del conjunto de 3 paneles decorativos realizados por el pintor Manuel Baeza para el pabellón vestuario de la Playa del Postiguet de Alicante. En 1956 el Ayuntamiento de Alicante construye unos pabellones de baño en la playa del Postiguet, y le encarga al artista alicantino, ya reconocido nacionalmente, Manuel Baeza (1911-1986), cinco paneles pictóricos de grandes dimensiones. Solo se conservan estos tres. Las obras permanecieron expuestas en el restaurante desde 1956 hasta que se procedió a la demolición de estas construcciones. Tras esto los paneles estuvieron varias décadas olvidados hasta que la concejalía de Cultura los guardó en sus almacenes. Tenían deterioros graves que afectaban a todos sus estratos: soportes disgregados y debilitados por la alta humedad relativa a la que habían estado expuestos por su cercanía al mar, y suciedades de varias naturalezas, así como barnices densos y oxidados que cubrían las capas de pintura. Recientemente fueron trasladados al departamento de Conservación y Restauración de Arte Moderno y Contemporáneo de IVCR+i en Valencia. Tras ser investigados y analizados se restauraron, consolidando y estabilizando los soportes de madera aglomerada, y eliminando cada uno de los estratos añadidos que los cubrían. La limpieza se realizó en tres fases consecutivas diferenciadas. Como medida de conservación de las obras se diseño y confeccionó un marco-caja de madera de tilo, que sin ningún sistema de anclaje al soporte refuerza toda la estructura de los paneles y les da estabilidad.   Estas obras recuperadas, que forman parte de la memoria colectiva de la ciudadanía de Alicante, vuelven a su ciudad y podrán visitarse en el MACA hasta el próximo 9 de enero.

La revelación de la pintura… reúne una selección de obras de distintos artistas que tienen en común el gusto por la pintura. ¿Es posible hablar de pintura en el siglo XXI? ¿Hablar la pintura o de la pintura? La pintura misma parece detenerse en la frontera de una superficie configurada por dos variables. La química y el gesto. Las reacciones de elementos químicos como los pigmentos de color, sustancias ligantes y aditivos, volátiles o sólidos, sintéticos o naturales, son la prueba científica de que la pintura existe. La forma de aplicar este compuesto coloreado de consistencia pastosa o liquida es lo que conforma el gesto y atrapa el tiempo, siempre fragmentado. Pero será la mirada (del pintor y del espectador) quien otorgue “sentido” al resultado. La pintura, esa “superficie accidentada”, tal vez de intensidad dramática, se revela en esta exposición tan presente en algunos cuadros como ausente en otros. Ventana por la que penetrar en un mundo inmaterial o muro texturado donde apreciar los pliegues de la materia. Olvido del objeto de la representación y hechizo del texto o de la textura. El pincel imperceptible y cierta sensación de acuosa transparencia. Artistas que a través de la pintura establecieron una forma de mirar el mundo que ha condicionado nuestra contemporaneidad. No es posible hablar de pintura española sin Joan Hernández Pijuán o Jordi Teixidor ni Carlos León, Alfonso Albacete, José María Sicilia o Prudencio Irazábal. Para cuando creíamos que la pintura había muerto para siempre, llegaron José Manuel Ciria, Antonio Mesones, Sergio Barrera, Juan Olivares, Nico Munuera y Oliver Johnson para desmentirlo. La espuma de los días, título de la novela de Boris Vian y de la escultura de Susy Gómez nos recuerda ese lugar imaginario donde no estuvimos nunca.