El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante presenta la exposición “Desprogramar el drama”, de Eulàlia Valldosera. La muestra reúne la instalación La Caída. Salir de las llamas para caer en las brasas de 1996, dos fotografías de la serie El ombligo del mundo de 1993, las tres pertenecientes a la Colección Fundación Mediterráneo en depósito en el MACA, y nueve fotografías de la serie Lazos familiares de 2012, propiedad de la artista. Con múltiples significados, intrigante y compleja La Caída es un referente en la historia del arte de los años 90, una de las instalaciones más significativas de la artista catalana y su montaje se ha convertido en un desafío pues hace más de veinte años que no se muestra al público. Es una obra fundamental en la trayectoria de la artista, una instalación compleja y enigmática que habla de un accidente emocional, la imposibilidad de salir de una situación aun intentando comportamientos distintos. El cuestionamiento mismo de la pareja en su entorno doméstico, una historia carente de narración que se despliega en el espacio donde el espectador se encuentra atrapado como testigo y artífice del problema. Lazos familiares es una serie de fotografías de la intimidad y pone en evidencia las relaciones sentimentales visibles y ocultas que los miembros de cada familia sufren, gozan o padecen. Implicaciones complejas e inevitables que redefinen el modelo mismo de familia en continua transformación. La imagen real y su sombra aparecen y conviven en el mismo espacio, se solapan, se fragmentan, se suman en una imagen final a modo de collage de transparencias: la realidad visible está hecha a partir de muchas capas o niveles de comprensión de una misma situación anímica. El ombligo del mundo fue uno de los trabajos más transgresores del arte español de los años 90 y génesis fundamental del trabajo de Eulàlia Valldosera que renuncia a la práctica retrógrada de la pintura bidimensional que le enseñaron. Parte de un hecho banal como fumar cigarrillos, un elemento convertido en metáfora del consumo, la meditación y la fugacidad del tiempo. En todas las obras, el drama está a la vista. Recuperado. Reprogramado. Los hechos no se relatan, sino que se representan. Por medio de la realidad y de su sombra, de la proyección de la luz y del movimiento. Con una mirada propia, Valldosera recrea escenas dramatizadas que reflejan simultáneamente la presencia y la ausencia, la memoria y el deseo, donde la sombra evoca una búsqueda interior que remite al mundo del subconsciente, no solo como espectro de un pasado no resuelto, sino también como una forma auténtica de la realidad. Es necesario pues volver al inicio, desprogramar y eliminar los patrones fijos de comportamiento para decidir qué camino seguir. Eulàlia Valldosera Villafranca del Penedés (Barcelona), 1963 Artista pionera y radical, Valldosera es referente de un modo de hacer artístico que rechaza la sobreproducción, que valora los materiales pobres y recurre a la experiencia de la vida coti-diana. Formada en BBAA en Barcelona, amplió estudios en Holanda y recibió la beca DAAD en Berlín. Desde principios de los 90, desarrolló un trabajo multidisciplinar con la proyección de haces lumínicos, fotografías y video en instalaciones donde reutiliza objetos cotidianos y en performances a partir del cuerpo y su proyección en el espacio psicológico colectivo. Los residuos, la limpieza, la enfermedad, la herencia materna o las relaciones de poder han sido recreados en numerosas performances, series fotográficas e instalaciones. Son escenarios cotidianos hechos de enseres domésticos que conviven con los dispositivos tecnológicos (que auguran la presente era digital), envases desechables de productos, botellas de detergente, muebles…, despliegan sus sombras por las paredes de la sala desenmascarando el truco, poniendo al alcance del público los mecanismos que normalmente se ocultan para crear la magia del encuentro del objeto con su sombra, con su doble; los objetos se animan y hablan de un sujeto fragmentado. Valldosera estudia nuestros mecanismos de percepción mientras cuestiona el objetivo del arte. Y decide no crear objetos artísticos sino procesos mientras afirma que la obra de arte es un espejo del marco que el espectador sostiene al mirar. Rescata así nuestra capacidad de asombro, revela nuestras oscuridades, nuestras memorias y programas, la ilusión de una su-puesta separación entre nuestro cuerpo y nuestra mente. El espectador es un objeto más y se borran así las fronteras entre la luz vibrante y la materia inanimada, entre la vida y el arte, y en sus fisuras, en sus heridas abiertas, el espectador se convierte en materia artística. Y la artista en mediadora.

“Esther Ferrer: el cuerpo atravesado por el género, el espacio y el tiempo”, producida por el Consorci de Museus de la Generalitat, recoge una importante selección de la obra de esta artista polifacética, destacada referente del arte contemporáneo español y pionera de la performance en España, cuyo trabajo está reconocido con el Premio Nacional de Artes Plásticas, el Premio Velázquez de Artes Plásticas y el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales). La muestra está comisariada por la crítica de arte Margarita Aizpuru y centra su discurso en la idea de la mujer y de su cuerpo confrontado con el tiempo y con el espacio; un cuerpo, el de la propia Esther Ferrer, que le sirve a la artista de lugar de experimentación para visualizar como la huella del tiempo va horadando inexorablemente el ideal de la eterna juventud femenina. Así, el cuerpo, “su cuerpo”, se convierte en un arma crítica que pone en revisión cómo se ha construido ese ideal femenino y los códigos que impone la sociedad. Esther Ferrer, artista independiente Esther Ferrer es una artista radical e independiente. Tras una larga trayectoria de más de cuarenta años desarrollando un trabajo sistemático, riguroso y metódico toda su obra se reduce a una sola: Esther Ferrer. Ella es la obra, su cuerpo, sus autorretratos, su voz, sus ideas, sus palabras. Nacida en San Sebastián en 1937, es licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo y estudió Arte en París, ciudad en la que reside y trabaja desde 1973. En su ciudad natal creó, junto con otros artistas, un taller de libre expresión. También es impulsora de la puesta en marcha de una escuela experimental en Elorrio. Asimismo, su actividad docente le ha llevado a impartir clases en las escuelas de Bellas Artes de Canadá, Francia, Italia o España, entre otras. Desde 1967 fue una de las principales integrantes del grupo Zaj, colectivo creado en 1964 por Juan Hidalgo y Walter Marchetti, entre otros. Desde entonces y hasta fines de los años noventa, los integrantes del colectivo desarrollaron paralelamente sus trayectorias por separado, como es el caso de Esther Ferrer.

Eusebio Sempere y su compañero Abel Martín, aprendieron la técnica de serigrafía en París, en el taller del artista cubano Wifredo Arcay. A su vuelta en 1960, ya en Madrid, ambos instalaron un taller para estampar las primeras serigrafías artísticas en España. Un complejo libro de Lucio Muñoz con texturas con arenas atrajo, por su perfección, encargos de otros artistas. Desde mediados de los 60 fue Abel quien se encargó íntegramente del proceso técnico y se convirtió en un experto serígrafo, figura clave en la reproducción y difusión del arte contemporáneo. La profunda convicción de que la obra gráfica merecía status de obra original, que ponía el arte contemporáneo al alcance de una gran mayoría de público convirtiéndolo en fenómeno de masas, y el respeto y entusiasmo que ambos profesan por la obra gráfica, repercute en su propia producción artística. Sempere realiza dos centenares de serigrafías todas estampadas por Abel Martín, agrupadas en series, editadas en carpetas o sueltas y algunas de ellas con acompañamiento de textos literarios, un alarde de técnica y oficio. Se expone una serie original titulada Oval de serigrafías únicas que Sempere realiza con carácter didáctico en 1981 para mostrar el proceso de una serigrafía, desde la estampación de primera pantalla hasta la última. Se exponen además otras dos series de serigrafías realizadas entre 1975 y 1980. Novedad en el MACA es la exposición de un retrato de Abel Martín realizado en carboncillo por Eusebio Sempere en 1973 y de una escultura móvil de Abel Martín. La exposición se acompaña de documentación relativa a la serigrafía, de una pantalla original utilizada para estampar alguna serigrafía de Sempere de finales de los años 60, del importante libro titulado Lucio, editado por la Galería Neblí de Madrid en 1960 que incluye 10 láminas reproduciendo obras de Lucio Muñoz realizadas en serigrafía con arenas por Eusebio Sempere y Abel Martín, así como de prensa, folletos de exposiciones, tarjetas postales intercambiadas con otros artistas o de una serie de fotografías realizadas por Budd Estudio de Nueva York a ambos artistas: Eusebio Sempere y Abel Martín.

El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante ha invitado en esta ocasión a la obra del Equipo Crónica titulada Las Meninas en el Chalet de 1969 perteneciente a la Fundación Chirivella Soriano de Valencia que podrá disfrutarse desde el día 1 de febrero hasta el 28 de abril de 2013. Esta espléndida obra de la Fundación Chirivella Soriano Las Meninas en el Chalet de 1969 encaja perfectamente junto a la obra del Equipo Crónica perteneciente a la Colección Arte Siglo XX titulada Autorretrato en Palacio pintada sólo un año después, en 1970. Una reflexión sobre el tema de la pintura clásica que sirve para situar a los personajes de Velázquez- en el caso de Las Meninas en el Chalet-, a la infanta Margarita de Austria, a la dama de honor de la infanta Isabel de Velasco, a la enana Mari Bárbola, al aposentador real José Nieto y al perro, en un chalet de los 50-60, momento en el que surge el fenómeno turístico y se pone de moda el chalet para veranear. El espacio exterior de esta representación corresponde a un anuncio publicitario de la tienda valenciana «Hogar completo»-especializada en sillones, mecedoras y tumbonas plegables de verano. Autorretrato en Palacio sitúa la escena en el espacio original del cuadro de Las Meninas conservando los personajes del aposentador real José Nieto y al Perro condecorado con la cruz de Santiago, pero en este caso distorsionado, hasta ocupar un gigantesco volumen. Los dos artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes, se autorretratan en primer término como en la obra original se colocan los personajes principales de Las Meninas. El cuadro no está terminado ya que aparece una zona en blanco, vacía y mil goterones de pintura y ellos aparecen caracterizados como dos pintores de brocha gorda que en un descanso de su trabajo, se paran a mirarnos porque nosotros nos hemos situado en la escena y nos invitan a reflexionar sobre la obra que están llevando a cabo. La colaboración entre instituciones como el MACA y la Fundación Chirivella Soriano, en este caso coordinadas a través del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante ha permitido la llegada de esta obra del Equipo Crónica. Un programa de exposiciones que tendrá continuidad a lo largo del año. Equipo Crónica. (1964-1981) Formado por los artistas Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo (aunque éste pronto se desligó del grupo) el grupo reaccionó contra la corriente informalista dominante en el panorama artístico español del momento. Su trabajo colectivo se desarrolló durante los últimos diez años del franquismo y la transición democrática, hasta 1981. Equipo Crónica realiza una obra decididamente figurativa muy próxima a la estética del pop art. Aprovechando recursos procedentes de la crónica periodística, el lenguaje de los mass media, el cómic, la publicidad o la propia historia del arte, su pintura analiza críticamente la situación social y política de España y lanza una mirada irónica sobre los mitos ubicando situaciones y personajes bien conocidos en contextos diferentes contribuyendo así a la desmitificación de las imágenes y cuestionando la propia función del arte. El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante ha invitado en esta ocasión a la obra del Equipo Crónica titulada Las Meninas en el Chalet de 1969 perteneciente a la Fundación Chirivella Soriano de Valencia que podrá disfrutarse desde el día 1 de febrero hasta el 28 de abril de 2013. La colaboración entre instituciones como el MACA y la Fundación Chirivella Soriano, en este caso coordinadas a través del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante ha permitido la llegada de esta obra del Equipo Crónica. Un programa de exposiciones que tendrá continuidad a lo largo del año.

Esta es la cuarta exposición dentro de “Contexto Vanguardia” que busca mantener un diálogo permanente entre las obras de la colección del IVAM pertenecientes a las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX y las obras de la Colección Arte Siglo XX del MACA, de forma que se establezcan lecturas complementarias, apoyo y contexto para algunas piezas que, en comunicación con otras, fortalecen su lenguaje, permitiendo así que el visitante pueda disfrutar de artistas no representados en el MACA al tiempo que se completa la visión de las vanguardias. El objetivo es crear contenido y compartir conocimiento. «Abstraction ou Nature Morte», «Abstraction» (1933) y «Abstraction en longitude» (1926-1928) son los tres óleos sobre lienzo del artista Luis Fernández que se muestran junto a obras de Julio González, Pablo Gargallo y Juan Gris, entre otros. Luis Fernández (Oviedo, España, 1900- París, Francia, 1973) fue uno de los artistas españoles de la llamada Escuela de París. Llegó allí en 1924 y entabló amistad con Picasso y Julio González, así como con la abstracción geométrica que le haría integrarse en el movimiento Abstraction-Création. Pintor preocupado por el oficio y el concepto artesanal de la obra formuló su pensamiento en diversos textos escritos en los años 30, su época más analítica y experimental. Reflexionó acerca del color y su función en la pintura, sobre la composición, el formato y el sentido profundo de la abstracción que para él poseía resonancias metafísicas y simbólicas. Su pintura -decía- era una “representación inconsciente del orden que el hombre constata en el universo”.

Gracias a una temprana vocación pictórica y tras cursar sus estudios de bachillerato y habiendo asistido a clases nocturnas en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia, Sempere inició en 1941 su etapa de formación en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Allí estudió modelado, dibujo, anatomía, perspectiva cómica y procedimientos pictóricos, adquiriendo una sólida formación en el oficio artístico que se demuestra en las obras conservadas de aquellos años de formación. Sus años de formación académica fueron anodinos y frustrantes, recuerda siempre el artista. La educación artística en España durante aquellos años de posguerra era ineficaz y poco adecuada: a los autoritarios profesores, mediocres como artistas y despóticos en sus clases, se unía un extremo conservadurismo en los contenidos y continuas referencias “sorollistas” como único ejemplo válido a seguir. Aun así, en la Escuela Sempere conoció a Alfons Roig, profesor de Liturgia y cultura cristiana, que hablaba a los alumnos de arte moderno y a Ernest Furió, profesor de grabado calcográfico con el que amplió estudios hasta 1948, aprendiendo la técnica del aguafuerte y la punta seca. Prueba de ello es que sus grabados muestran un excepcional dominio del grafismo, trabajando la textura y el volumen y equilibrando con soltura la luz y la oscuridad. A finales de 1948, el SEU (Sindicato de Estudiantes Universitarios) le concede una beca para ampliar estudios en París. Allí se convertirá en artista. Además de las 26 obras, esta muestra incluye variada documentación relativa a la infancia y familia en el entorno de Onil y Valencia, así como de sus estudios en la Escuela de Bellas Artes pertenecientes al Archivo MACA cuyo Fondo documental Sempere está compuesto por más de 2.000 documentos fruto de la generosidad de la familia Sempere y familia Martín, de algunas adquisiciones y de la más reciente donación de una colección particular de Onil.

Alborada de Pablo Palazuelo vino a compartir el espacio junto a los constructivistas de la Colección Arte Siglo XX y estableció diálogo junto a la obra de Palazuelo que se guarda en la Colección, Sub-rosa XII. En la pintura de Palazuelo se observa un intento, a veces inalcanzable, de representar la lógica del azar. Esto —esta voluntad estructural, arquitectónica, científica, falsamente impersonal— hace que sus cuadros aparezcan como auténticos manifiestos acerca de cómo se materializa el lenguaje abstracto. Así, la alborada a la que se refiere el título, una composición musical que celebra el amanecer une dos aspectos significativos en la obra del artista: la luz, entendida como una sucesión de planos cromáticos, una variación óptica, y la idea de seriación, representada mediante unas formas que configuran una especie de secuencia rítmica, un movimiento que vibra y se desplaza horizontalmente a través de la superficie del cuadro.

Elena Asins (1940-2015) fue una de las pioneras en España en utilizar los ordenadores para el proceso de creación y en desarrollar trabajos dentro del contexto geométrico. Esta exposición quiere dar a conocer y, al mismo tiempo, reconocer, las investigaciones llevadas a cabo por la artista y sus resultados plásticos. Asins recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Gobierno de España en 2006 y el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2011. La obra de Elena Asins ‘Elena Asins. El rumor del viento es un silbido infatigable’ reúne un total de 63 piezas creadas a lo largo de varias décadas, desde mitad de los años 60 hasta principios de la década de 2000. La muestra presenta y reconoce las investigaciones llevadas a cabo por la artista, tras el abandono de la pintura figurativa de corte expresionista en 1964, con solo 24 años, para iniciar un camino hacia la abstracción geométrica más rigurosa, generando obras sencillas en apariencia como herméticas en su lenguaje. Fiel a sí misma y fruto de su renuncia al color, las obras de Elena Asins se leen primero a través de la palabra y después, de la línea y la estructura. Sin olvidar el tempo: una música interna que recorre toda su producción artística. La trayectoria de Asins se cruza de manera transversal con la del artista alicantino Eusebio Sempere, que estará presente de manera subyacente en gran parte del programa de exposiciones y actividades del MACA de los próximos meses.

La exposición Al revisar la historia desde la perspectiva del presente, concretamente las aportaciones y la importancia de los libros producidos por artistas a partir de los años sesenta y setenta, al contemplarlos desde la situación actual, se produce una actualización sorprendente de la aparición y reconocimiento de las prácticas artísticas Fluxus, conceptuales o minimalistas, pero, sobre todo, de la producción de libros y publicaciones de artista durante dicho periodo. Fue a principios de la década de 1960, la misma década en que se formuló el arte conceptual, cuando surgió un enfoque realmente diferente en lo relativo a la concepción de los libros de artista, así como a su realización y a la forma de distribución. En ese periodo, el libro ocupó un lugar central en la producción de relevantes artistas contemporáneos, siendo a su vez motivo de teorías críticas sobre la autoría (o, mejor, la falta de autoría), la eliminación en el libro del texto o la imagen y, no menos importante, sobre el impacto de las nuevas tecnologías en la producción masiva de las obras de arte. Los artistas que decidieron trabajar con el libro como soporte plástico, asumieron que sus publicaciones, además de como producto artístico, funcionarían como instrumentos puramente comunicativos producidos mediante sistemas más económicos y serían fáciles de conseguir. Se lanzaron a trabajar con las técnicas y procesos de impresión entonces más avanzados, la reproducción de fotografía en blanco y negro por medio del offset o la Xerox, que les permitía realizar ediciones numerosas de forma rápida y a bajo coste. Y, según estos criterios, se alejaron radicalmente de las producciones anteriores, los llamados livres d'artiste o libros ilustrados, así como de cualquiera de los otros compromisos de artistas que utilizaron el libro en la primera mitad del siglo xx. Antonio Alcaraz, comisario de la exposición Hoja de sala Text [No Text] h. Proyecto educativo Text [No Text] Esto [NO] es un libro Y si un libro dejara de tener el formato de un libro, ¿seguiría siendo un libro? ¿Por qué no? Mientras cuente una historia... El colectivo Extrarradio nos presenta el proyecto ESTO [NO] ES UN LIBRO, con motivo de la exposición temporal TEXT [NO TEXT]. Se trata de un dossier  a través del cual cualquier persona, sea de manera individual o colectiva, puede crear un libro de artista mediante una guía en la que figuran una serie de actividades literarias, plásticas, fotográficas y visuales que van generando el contenido para esta obra de arte. Se trata de una actividad  global e intergeneracional, que se pueda hacer tanto desde casa, de manera individual o familiar, como desde centros educativos, sociales u otras instituciones. Se realizará un seguimiento de aquellas personas que participen creando su propio libro de artista, publicando sus progresos y resultados en las redes sociales. En este enlace encontraréis la guía completa de actividades para que podáis empezar a crear vuestro [NO] LIBRO: descargar [embed]https://vimeo.com/468608773[/embed]