Jardín Autómata es una gigantesca instalación formada por casi un centenar de esculturas inflables y electrónicas inspiradas en los hermosos, extravagantes y sugerentes personajes del Bosco en el Jardín de las Delicias que se expone en su mayor parte en la Sala de exposiciones de la Lonja, y que tiene una pequeña representación en el MACA. Atraída por la Cabalgata del deseo pintada en el panel central del tríptico, Olga Diego descubre seres humanos desnudos que disfrutan, junto con animales de todas las especies, de un mundo de placer sin límites. La lujuria representada de múltiples e inimaginables formas. Un mundo sugerente donde también encontramos hermosas aves, peces y frutos exóticos. Olga Diego construye ese mundo imaginario en Jardín Autómata, una orgía visual y creativa, un laberinto de grandes cuerpos traslúcidos y trasparentes que sugieren una existencia mágica. Los personajes, en continuo movimiento y dotados de corazón, marcan con sus ritmos una indescifrable sinfonía eléctrica. Humanoides de todos los géneros, cuadrúpedos sencillos y mestizos, seres híbridos, mujeres de grandes pechos-antena, animales cabeza-globo, la jirafa mutante, chico pájaro con alas-tortilla, huevos y peces con piernas, hermafroditas que vuelan, frutos con tentáculos, perros de dos cabezas, pájaros extraños de alas adaptadas, y un largo etcétera. Jardín Autómata ha supuesto un reto constructivo, pero también un insinuante paraíso en cuanto a las formas a crear. Una lujuria convertida en pecado, religioso en su tiempo y profano ahora, por las terribles consecuencias que ya tiene para el ser humano el derroche continuo, el consumismo sin límites y la utilización desmedida del plástico.

La cuestión del movimiento, de la luz y de su representación atraviesa la historia del arte. A partir de los años 50, tras los pasos de pioneros como Naum Gabo, Antoine Pevsner y László Moholy-Nagy, Marcel Duchamp y Alexander Calder, los artistas empiezan a integrar en sus creaciones estas fuerzas, modelando una nueva visión de la realidad en la cual nada es fijo y definitivo sino inestable e indeterminado, en constante movimiento: las obras viven al presente, cambian, nunca se agotan. La mouvance cinética se desarrolla en Europa como una constelación internacional formada por una nueva generación de artistas que quieren transformar radicalmente el arte oponiéndose al mito de la obra, objeto único definido y totémico destinado a una élite, expresión personal del artista, genio creador recluido en su torre de marfil. Estos artistas de nuevo cuño quieren modernizar el objeto artístico, abrirlo a la realidad integrando nuevos materiales y técnicas industriales; en una perspectiva social, producir arte para un público más amplio, un arte participativo, proponer un rol activo para el artista y el espectador. El movimiento encarna la nueva relación mutua, física y emotiva, que se establece entre espectador y obra, es un mouvement émouvant [movimiento emocionante], como lo describe Vasarely en 1955: las obras son cuerpos vivos que se reflejan en el cuerpo en movimiento del espectador y entran en relación con él, lo implican en un ejercicio de libertad, consciente. Luz y movimiento abre una perspectiva sobre la rica vivacidad de esta tendencia internacional en el activo contexto parisino, cuya influencia alimentará también el debate artístico español, centrándose en el periodo de su fascinante desarrollo creativo y máximo reconocimiento entre 1955, año de la histórica exposición Le Mouvement en la galería Denise René en París, y 1975. Las obras de los protagonistas de esta vanguardia, provenientes de colecciones privadas, galerías e instituciones parisinas, resonarán y se enriquecerán en diálogo con la excepcional colección de obras cinéticas del MACA, donación de Eusebio Sempere.