El conjunto de obras que integran la Colección CIRCA XX fue adquirido por el Gobierno de Aragón a su propietaria Pilar Citoler a finales del año 2013, mediante una fórmula mixta que incluía compra y donación. Desde entonces se asignó como parte del fondo estable de la colección del IAACC Pablo Serrano de Zaragoza para su custodia y exhibición. Un conjunto de 1200 obras que que incluye pinturas, dibujos, obra gráfica, fotografía, escultura, instalaciones y vídeo, convertida en una de las colecciones de referencia en el panorama nacional e internacional. CIRCA XX es el nombre que eligió Pilar Citoler para su colección, un tesoro que ha ido formando con el tiempo y el interés por todos los registros del arte contemporáneo. Discurre efectivamente por el siglo XX: desde las primeras décadas y los artistas más representativos de las vanguardias históricas hasta los últimos años de una centuria que ha cambiado el arte para siempre y también, nuestra forma de mirarlo. La exposición Esta selección de obras de la Colección CIRCA XX lleva por título HETEROTOPÍAS, un neologismo acuñado en 1967 por el filósofo francés Michel Foucault, que construyó a partir de los vocablos griegos “heteros” (diferente) y “topos” (lugar), como denuncia del interés de la historia sólo por el tiempo. El concepto de HETEROTOPÍA reivindica el mundo contemporáneo por excelencia, una época donde el espacio es heterogéneo, simultáneo, yuxtapuesto donde convive lo próximo y lo lejano, lo uno al lado de lo otro y lo disperso; donde encontramos esos “lugares otros” en los que los elementos repartidos a través del tiempo conforman un conjunto de relaciones, un mapa de redes y sinergias, un entrecruzamiento fatal del tiempo con el espacio. Para Foucault un museo o una biblioteca es un lugar heterotópico, un contraespacio que aglutina espacios contrapuestos que se organizan sin lógica alguna, generando “un lugar sin lugar” donde el tiempo no cesa de amontonarse y de encaramarse sobre sí mismo. Una colección de obras de arte tal como es CIRCA XX, responde a ese mismo concepto: la idea de acumular todo, de constituir una especie de archivo general, la voluntad de encerrar en unlugar todas las etapas, todas las formas, todos los tiempos que están a su vez fuera de época… una suerte de acumulación perpetua e indefinida del tiempo en un lugar inamovible… Revisar ese lugar donde coexisten diversas utopías contradictorias es el interés de esta exposición. Conceptos aparentemente discordantes que conviven volviéndose penetrables: espacio/tiempo, óptico/cromático, perceptivo/no visible; finito/non finito… A través de conexiones transgeneracionales proponemos una lectura sin cronología. Sólo para mirar. Artistas primeros vinculados con las vanguardias artísticas que buscan la esencia de las formas desterrando lo superfluo y retrocediendo lo andado hasta llegar al origen, al fundamento de las formas para ser testigos de las conjugaciones de lo negro y de las disipaciones de la transparencia. Otros artistas experimentan con el color y la geometría: la lógica formal y la tradición constructiva se conjuga con la computación y las nuevas tecnologías proponiendo juegos visuales, efectos ópticos concretos, dinámicos, tan virtuales como perceptibles sometidos a un ritmo frenético establecido por la repetición y la interacción de los colores. Y transformando la percepción, poniendo el énfasis tanto en aquello que se ve como en lo que se sugiere, artistas últimos anuncian entornos fríos y distantes sometidos al hecho mismo de ver o no ver, deslumbrados por el color o por su ausencia, atravesados por una luz cegadora cercana a la invisibilidad que construye un estado mental en permanente desenfoque, una atmósfera artificial que plasma la abstracción de la realidad. Las HETEROTOPÍAS construidas a tiempo y espacio real son los lugares donde se cumplen las utopías. Artistas Algunos de los artistas que forman parte de esta exposición son:Henri Michaux, Alexander Calder, Jean Dubuffet, Equipo 57, Eusebio Sempere, Eduardo Chillida, Pablo Palazuelo, Erwin Bechtold, Ellsworth Kelly, Cristina Iglesias, Elena Asins, Pilar Urbano, Atsuko Tanaka, Luis Gordillo, Sol Lewitt, David Nash, Tomás García Asensio, Don Kunkel, Francisco Sobrino, Alex Haas, Rosa Brun, Andy Warhol, Mitsuo Miura, Felicidad Moreno, José Ramón Amondarain, José Manuel Ballester, Paul Graham, Mayte Vieta, Chema Alvargonzález y Edward Ruscha.

El MACA dentro de los actos programados del Año Sempere con motivo del 30 aniversario de la muerte de Eusebio Sempere quiere rendir homenaje al artista alicantino a través de una exposición formada en su totalidad por obras de las colecciones del MACA que ponen de manifiesto la importancia de la música y la literatura en la obra semperiana al tiempo que ponen el valor el trabajo minucioso de serigrafía que realizó Abel Martín. Las Cuatro Estaciones de 1965 es la primera carpeta de serigrafías artísticas que se estampa en España. Hace de ello 50 años y la presentación en la Galería Juana Mordó se convirtió en un éxito de público y crítica sin precedentes. Fue el inicio de uno de los conjuntos de obra gráfica más importantes realizados en la España del siglo XX, el del artista Eusebio Sempere, excepcional tanto por su calidad como por su cantidad. Aproximadamente doscientas obras entre serigrafías, litografías y grabados, elaboradas de forma artesanal en las que se alcanzan altísimas cotas de perfección siempre minuciosa y a veces, preciosista.

La muestra compuesta por tres planchas y un rollo de papel interminable forman parte de la creación más reciente de la artista china donde evoca sus viajes a través de las montañas chinas sagradas; rollos de papel y tinta china de grandes proporciones que se despliegan alargándose a modo de manantiales en los espacios donde intervine. En la exposición “Metamorfosis”, Bingyi recurre a los juegos de luces y sombras, manchas suaves y delicadas, propias de la poética del haiku, donde la artista gusta desenvolverse, al manifestar su asombro y arrobo que le produce la contemplación de la naturaleza.

Serigrafías de la Ibero-Suiza La serigrafía Ibero-Suiza fue fundada en Valencia en 1963, y con la incorporación de José Llopis Dasí, el taller se especializó en la producción de obra gráfica. La desplazaron para trabajar en sus talleres de Liria, convirtiéndose en los años setenta en uno de los talleres serigráficos más completos de los dedicados a la estampación artística en España. En 1964 entran en contacto con Toledo, Valdés y Solbes (Equipo Crónica) estableciendo una fluida relación. Tanto Equipo Crónica, como posteriormente Equipo Realidad, instalaron en algún momento sus estudios en el mismo espacio que ocupaba la Ibero-Suiza. Esta relación de cercanía y amistad,unida a la afinidad política con los artistas hizo que las colaboraciones fuesen continuas. En 1972 se realizó la carpeta “Compositions” de Equipo Crónica, editada por Gustavo Gili para ediciones La Cometa. Esta serie era la más importante que habían realizado hasta esa fecha y a partir de ese momento la demanda de serigrafías artísticas se incrementó hasta constituir el 80 % de la producción de la empresa, cuyos talleres se trasladaron a Liria en 1973 manteniendo una oficina comercial en Valencia. Ese mismo año entra a formar parte de la empresa Paco López, quien la dirigió junto a Ignacio Llopis, desde el fallecimiento de José Llopis en 1982, hasta el cierre en 1998. La amplia nómina de autores a los que prestó sus servicios Ibero-Suiza resulta sorprendente. Nombres fundamentales en la historia del arte español de la segunda mitad del siglo XX, desde Renau y Tàpies, hasta Saura y el Equipo Crónica, pasando por Chillida, Arroyo, Torner, Zóbel, Sempere, Yturralde, Teixidor o el Equipo Realidad, pasaron por estos talleres que tanta importancia ejercieron en la consolidación y difusión de un arte vinculado con las propuestas abstractas del momento y con las posiciones más políticamente comprometidas existentes en la época. La reciente adquisición por parte de la Universitat Politècnica de València de un elevado número de estampaciones compuestas por pruebas de taller y de autor, así como de obras que completaban la edición comercial, constituye el eje de la presente exposición. En la misma se recoge una significativa parte de la colección que, desde ahora, completa los fondos de obra gráfica que nuestra Universidad ha ido acumulando desde la creación hace varias décadas del Fons d´Art, un destacado fondo patrimonial que, a través de trabajos como los que ahora son exhibidos, está enriqueciendo su valor e importancia. Exposición Desde finales de los años 60 hasta la década de los 90, los principales autores españoles trabajaron con Íbero-Suiza. Eusebio Sempere fue el primero de ellos en conocer esta técnica. Los artistas, con un claro compromiso antifranquista, utilizaron la serigrafía, como medio para difundir tantos sus inquietudes ideológicas como su arte. Durante décadas, la familia de José Llopis ha conservado parte del material impreso, desde estampas dedicadas a pruebas numeradas y firmadas, carteles, pruebas de taller, de color y estampas incompletas que quedaron fuera de la edición. Material que hoy nos permite entender el proceso de creación de los artistas y los técnicos del taller y que resulta de gran interés para especialistas e investigadores del ámbito de la obra gráfica contemporánea. La muestra que podrá visitarse hasta el 2 de marzo en la sala de exposiciones temporales está compuesta por 46 piezas, dos de ellas del MACA. 44 serigrafías y 1 obra original. Además de material documental, cartas, dibujos, pantallas, fotografías....y una selección de carteles también estampados en serigrafía.

Premio ALCE al mejor diseño gráfico de exposición y materiales de comunicación Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada gracias a un convenio suscrito entre ambos ayuntamientos. La exposición estaba compuesta por un total de 20 obras, procedentes de instituciones y museos así como de colecciones particulares: Componen una selección de piezas comprendidas entre 1965 y 2008 con un evidente hilo conductor, en tanto que se trata de pinturas de gran formato y potencia expresiva, que muestran al Tàpies más rotundo y significativo. Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) es indudablemente uno de los artistas más importantes de la historia artística del siglo XX y uno de los representantes más genuinos de la tendencia informalista. Esta exposición invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene. Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel. La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no sólo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. En el siglo xx la pintura se liberó de su función imitativa y representativa del mundo visible y se convirtió en una realidad en sí misma. La abstracción la llevó a emprender un viaje de exploración de la superficie plana del cuadro y de sus propiedades físicas durante el que se despojó de todo aquello que no fuera objetivo. En ese proceso la pintura adquirió vida propia,Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. La pintura abstracta forma parte de este mundo en constante cambio y su lenguaje visual no posee significados permanentes. Siempre será sensible a diferentes miradas y a su relación con el espectador.