MOOD SEMPERE es un proyecto de mediación cultural y artística propuesto por Ester García Guixot y Juan Diego Cerdá Martínez, educadores en el MACA, con motivo del Centenario del nacimiento de Eusebio Sempere y que está dirigido a alumnos/as de la EASDA, Escuela de Arte y Superior de Diseño de Alicante.  El resultado de este increíble proyecto es la exposición única "Mood: Sempere". En ella, los estudiantes de Cerámica y Diseño de Interiores de la EASDA rinden un emotivo homenaje a Eusebio Sempere. Han re imaginado su visión artística a través de una exploración creativa de su vida y obra, capturando la esencia de Sempere, y reinterpretando su legado a través de una perspectiva contemporánea. Para lograr esto, los estudiantes han utilizado una amplia variedad de materiales y técnicas, demostrando cómo la influencia de Sempere sigue siendo profunda y perdurable en el mundo del arte y el diseño. Es una muestra de cómo el arte puede trascender el tiempo y seguir inspirando a nuevas generaciones. Te invitamos a sumergirte en esta exposición y descubrir cómo los estudiantes han reinterpretado la obra de Eusebio Sempere, y cómo su memoria sigue viva y vibrante en el mundo actual. Obras Milagros Alfaro y Eva Mulet Big-Bang Esta obra utiliza líneas y el número 3 como símbolo de equilibrio. Está compuesta por 81 piezas de arcilla tipo gres CH negro en una base de metraquilato transparente, formando una estrella de 6 puntas y una espiral de 17 alturas. Su significado refleja la transición del orden al caos y de la implosión a la expansión, evocando el concepto del Big Bang y la organización de la materia en el tiempo y el espacio. Esta obra, entrelazando 81 piezas de arcilla gres CH negro sobre metacrilato, crea una danza cósmica de líneas y el número 3. En una estrella de 6 puntas y espiral de 17 alturas, refleja la transición del orden al caos, la implosión a la expansión, evocando el Big Bang y la armonía en la materia a lo largo del tiempo y el espacio. Varios Autores Retablo colectivo La pieza es una creación colectiva realizada por tanto por el alumnado como el profesorado de la EASDA participante en Mood: Sempere durante una de las sesiones, en la que se estuvo trabajando la técnica de la serigrafía, introducida en España por Abel Martín y Eusebio Sempere. Se trata de un panel de madera 110X166 con tintas serigráficas y trepas. Colaboración entre alumnos y profesores de EASDA. Este panel de madera, 110x166, con tintas serigráficas y trepas, rinde homenaje a la serigrafía española de Abel Martín y Eusebio Sempere, fusionando creatividad en una expresión única de innovación y legado. Elena Pérez Méndez Alma en cambio Esta instalación de arte óptico-cinético está realizada en cerámica con piezas unidas por un hilo de hierro y separadas por frenos de metal. Diseñada para girar, las varillas naranjas rotan juntas mientras que las verdes lo hacen libremente. La obra busca transmitir que, a pesar de los giros incontrolables de la vida, al mantenernos conectados con nuestro centro y esencia podemos volver a ordenarnos internamente y recuperar nuestra identidad. Arte cinético en cerámica: varillas giratorias expresan el equilibrio ante los giros caóticos de la vida. Naranjas y verdes danzan, transmitiendo la idea de reconectar con nuestra esencia para recuperar la identidad en medio de los desafíos. Luís Sanus Homenatge ceràmic La instalación es un homenaje cerámico al maestro de Onil. Está compuesto por 23 piezas de cerámica que forman la letra “S”, tan utilizada por el artista. Sobre la superficie cerámica se disponen las líneas geométricas de inspiración “semperiana” que conforman el conjunto, que reposa sobre papel-espejo para dotarlas de cinetismo y profundidad. Homenaje cerámico a Sempere: 23 piezas forman la "S" emblemática. Líneas geométricas "semperianas" sobre papel-espejo añaden dinamismo y profundidad en un vibrante tributo visual. Agustina Álvarez, Alicia Miota, Elena Pérez y Ramón Cortés Parar taula El objeto cotidiano elevado al rango de obra conceptual: una serie de platos decorados en el taller de serigrafía, aplicada sobre cerámica y realizados con motivos decorativos inspirados en diseños geométricos. Estos diseños se entrelazan entre sí, creando una secuencia evolutiva. Agustina del Valle Álvarez y Alicia Miota Shepherd Trascender La pieza busca representar el proceso de reencuentro con uno mismo que ocurre tras una caída. Mediante formas geométricas representadas de manera orgánica y un gradiente de blanco y negro a color, la obra consta de tres partes: una superior con once piezas de tamaño 1 colgadas de un soporte anclado a la pared, un tramo intermedio con nueve piezas de tamaño 2 adheridas a la pared y una pieza final en el suelo. Renace tras la caída: formas geométricas evolucionan de blanco y negro a color en tres secciones. Un relato visual de reencuentro con uno mismo, capturado en una obra que fusiona lo orgánico y lo geométrico. Eva Mulet Plaza Evolution Esta obra, inspirada en la evolución y revolución artística y personal de Eusebio Sempere, está compuesta por 108 piezas de arcilla de tipo Gres con fibra de papel, que reflejan su crecimiento personal. La parte superior esmaltada en amarillo alude a los frutos del esfuerzo y la constancia, mientras que la parte inferior ahumada representa cómo convirtió su dificultad visual en una herramienta para superar lo imposible. 108 piezas de arcilla Gres homenajean la evolución de Eusebio Sempere. Amarillo es el esfuerzo fructífero; ahumado, la superación de la dificultad visual. Una oda al crecimiento personal. Milagros Alfaro Martínez El proyecto consiste en dos piezas, "Claro de luna" y "El ser entre el espacio y el tiempo", inspiradas en la abstracción geométrica. Ambas piezas utilizan líneas, formas geométricas y colores para representar la abstracción del tiempo, la materia y el espacio. Claro de luna "Claro de luna" representa el espacio como horizonte mediante líneas paralelas negras en gres cerámico CH sobre un fondo transparente de policarbonato, enmarcando la luna, que se representa mediante un círculo de gres con líneas finas paralelas y quebradas en distintas tonalidades de azul, creando una figura dinámica y luminosa. De la luna se desprenden figuras curvas y líneas rectas en gres CH pintadas en diferentes tonos de azul, simbolizando la estela de luz reflejada en el mar. “Claro de Luna": líneas de gres sobre policarbonato enmarcan una luna vibrante, desplegando tonos azules que simulan la luz danzante sobre el mar. Una sinfonía visual de espacio y horizonte. El ser entre el espacio y el tiempo "El ser entre el espacio y el tiempo" utiliza el espacio y el tiempo como elementos centrales, representados por líneas paralelas inclinadas que convergen en el centro formando un rombo, simbolizando el cielo. Estas líneas, de gres CH negro, se ubican sobre un fondo transparente de policarbonato. En el centro, el tiempo se representa mediante un círculo de gres CH negro pintado con 24 círculos, 12 de ellos de distintos colores, que simbolizan las diferentes experiencias y emociones que experimentamos a lo largo de la vida. Un ángulo dentro del círculo cambia de color, recordando que estas experiencias están en constante cambio. La obra concluye con una representación de la tierra mediante piezas de gres CH negro paralelas e inclinadas hacia arriba. "El ser entre el espacio y el tiempo" fusiona líneas de gres negro sobre policarbonato, creando un rombo celestial. En el centro, el tiempo se despliega en un círculo pintado con 24 tonalidades, reflejando experiencias cambiantes. La tierra emerge con piezas de gres negro, formando una obra que explora la conexión entre el ser, el espacio y el tiempo. Juan Ramón Cortés y Paco Máñez Manises geometría urbana En esta pieza se ha empleado la técnica de pintado de azulejos tradicional pero con aerógrafo y la aplicación de reservas de papel y elementos sólidos que permiten la creación de zonas de luz. La línea y la alternancia de los espacios vacíos, construyen una retícula, un paisaje. Luisa Blasco López Dos “Dos” es una obra inspirada en la sinergia entre la vida y obra de Sempere y Abel Martín. Formada por 8 placas de arcilla blanca y negra en la que se puede ver esgrafiadas partes del rostro tanto de Abel como de Eusebio, formando una unidad, un todo completado por los DOS. Se reivindica así el trabajo colectivo entre ambos y la riqueza que se aportaban el uno al otro en sus obras. "Dos" fusiona las vidas de Sempere y Abel en 8 placas de arcilla. Sus rostros esgrafiados simbolizan la colaboración y la riqueza mutua, destacando el valor del trabajo colectivo y la complementariedad en sus creaciones. ARQUITECTURA EFÍMERA Alejandro Alfaro Enguídanos Ondas Cinéticas ''Ondas Cinéticas'' es un pabellón efímero en el que se crea una simbiosis entre arte y diseño. En este espacio, la geometría lírica y sinuosa junto con la luz del arte cinético de Eusebi Sempere, se pueden ver reflejados a través de formas curvas y dinámicas en las que las luces crean un efecto ''moiré'' en un espacio único e inmersivo. Paula Cánovas Martinez y Lucía Real Joven El cinetismo de Sempere En esta pieza encontramos una evocación a la obra de Sempere mediante el agua, el sol y el movimiento. Ese movimiento se percibe a través de la estructura del pabellón, gracias a la luz que entra a través de las losas de vidrio texturizado que genera una sombra que varía según el movimiento del sol, aportando luminosidad al espacio y sensación acuática. El agua, siempre en movimiento, acompaña al fluir de los de las radiaciones y de los visitantes, aportando brillos, frescor y sonido en este espacio experiencial. Evocando a Sempere, esta obra juega con luz y sombras acuáticas. El movimiento solar transforma el espacio, mientras el agua brinda frescor y sonidos. Una experiencia multisensorial. Miriam F. Fluir La obra está creada mediante perfiles rectos a diferentes alturas que producen un movimiento curvo y dinámico. De diferentes tonos azules y muy brillantes, aportan luz y recuerdan a los materiales que empleaba Sempere en sus esculturas, como el acero cromado. Hay una tensión entre un orden de base y la movilidad, el azar. Al girar la pieza sobre su eje, se crea todo un juego de combinaciones, multiplicadas por el juego de la luz sobre las columnas y las sombras que se proyectan. Esta obra, con perfiles rectos en tonos azules brillantes, recuerda el acero cromado empleado por Sempere. La tensión entre orden y movilidad se revela al girarla, generando combinaciones dinámicas. La luz juega con las columnas, creando sombras en constante cambio. Diana y Mathilda El sueño El espacio cuestiona la percepción sensorial creando efectos hipnóticos y ensoñadores. La arquitectura se divide en dos capas, una piel exterior sutil y una arquitectura sólida y maciza. La capa exterior representa la consciencia mientras que la interior representa un mundo psicodélico en el que el visitante se sorprende por los efectos distorsionantes de cada espacio en los que se adentra. Este espacio dual desafia la percepción: una capa exterior sutil simboliza la consciencia, mientras la interior revela un mundo psicodélico con efectos distorsionantes. La experiencia es hipnótica y ensoñadora, guiando al visitante por caminos sorprendentes. Andrea Alarcón y Lucía Fernández. Meraki Meraki, en turco, significa hacer algo con el alma, con amor y creatividad, dejar un pedazo de uno mismo en el trabajo. Esto se representa en un espacio que genera una experiencia cinética en el visitante a través de las formas dinámicas que reproducen sombras texturizadas y distorsionantes y el juego de transparencias y translucidez. El transeúnte es protagonista de ese movimiento, tanto en la visión exterior del espacio como en su experiencia al recorrerlo en el interior, momento en el cual descubrirá que los caminos no son tan claros y certeros como podría imaginar. "Meraki", en turco, expresa crear con alma y amor. Este espacio ofrece una experiencia cinética con formas dinámicas, sombras texturizadas y distorsiones. El visitante se convierte en protagonista, descubriendo que los caminos internos son tan inesperados como sugerentes. Una obra que invita a explorar con el corazón.

Palabras mayores llega al MACA para ir más allá de lo aparente. Porque los museos son lugares donde descubrir y aprender pero también espacios concebidos para que la ciudadanía experimente y reinvente. Se trata de un proyecto de mediación dirigido a personas mayores de 60 años que quieran, en primer lugar, conocer y reflexionar sobre el arte contemporáneo, la función de los museos y la visión de creadores tanto consagrados como potenciales. Por otra parte, las personas participantes establecerán sinergias con las colecciones existentes en el museo, desarrollando su propia narrativa a partir de lo que encuentren en las salas mediante visitas guiadas, debates abiertos, actividades de creación artística y dinámicas de empoderamiento social y cultural. El objetivo principal es convertir el museo en un laboratorio de experimentación cultural y artística en el que los participantes aportarán su visión y experiencia a los contenidos presentes en el museo, mientras realizan una actividad que les reporte nuevos saberes. Se trata de un encuentro en el que el diálogo entre el visitante y el museo se produce a través del arte contemporáneo y las colecciones del MACA, con la mediación de un educador que actuará como vínculo entre ambos. Fruto de estas reuniones el Grupo propone la creación de una plataforma para dar visibilidad a los artistas que viven en Alicante. Este proyecto piloto en el MACA, titulado Visibilidad: una ventana abierta al creador local , tiene como objetivo dar a conocer diferentes creadores alicantinos, profundizar y ampliar los conocimientos sobre arte contemporáneo y aprender a mirar las colecciones que alberga el MACA desde otra perspectiva. Visibilidad: una ventana abierta al creador local se materializará con una serie de sesiones en las que se invitará a un/a artista para que presente su trayectoria artística, compartiendo sus inquietudes y reflexiones artísticas, el desarrollo de su proceso creativo, sus técnicas, etc. [gallery link="file" columns="2" ids="37825,37822"]

Palabras mayores llega al MACA para ir más allá de lo aparente. Porque los museos son lugares donde descubrir y aprender pero también espacios concebidos para que la ciudadanía experimente y reinvente. Se trata de un proyecto de mediación dirigido a personas mayores de 60 años que quieran, en primer lugar, conocer y reflexionar sobre el arte contemporáneo, la función de los museos y la visión de creadores tanto consagrados como potenciales. Por otra parte, las personas participantes establecerán sinergias con las colecciones existentes en el museo, desarrollando su propia narrativa a partir de lo que encuentren en las salas mediante visitas guiadas, debates abiertos, actividades de creación artística y dinámicas de empoderamiento social y cultural. El objetivo principal es convertir el museo en un laboratorio de experimentación cultural y artística en el que los participantes aportarán su visión y experiencia a los contenidos presentes en el museo, mientras realizan una actividad que les reporte nuevos saberes. Se trata de un encuentro en el que el diálogo entre el visitante y el museo se produce a través del arte contemporáneo y las colecciones del MACA, con la mediación de un educador que actuará como vínculo entre ambos. Fruto de estas reuniones el Grupo propone la creación de una plataforma para dar visibilidad a los artistas que viven en Alicante. Este proyecto piloto en el MACA, titulado Visibilidad: una ventana abierta al creador local , tiene como objetivo dar a conocer diferentes creadores alicantinos, profundizar y ampliar los conocimientos sobre arte contemporáneo y aprender a mirar las colecciones que alberga el MACA desde otra perspectiva. Visibilidad: una ventana abierta al creador local se materializará con una serie de sesiones en las que se invitará a un/a artista para que presente su trayectoria artística, compartiendo sus inquietudes y reflexiones artísticas, el desarrollo de su proceso creativo, sus técnicas, etc. [gallery link="file" columns="2" ids="37611,37614"]    

El grupo Palabras Mayores convoca el último "Encuentro con creadoras locales" hasta septiembre. Y, en esta ocasión, la creadora participante será Asun Noales, quien ha sido invitada para que nos hable de su trayectoria artística, comparta sus inquietudes y reflexiones, y nos cuente sobre su proceso creativo, experiencias y vivencias como creadora. Os recordamos que "Encuentro con creadoras locales" son una serie de charlas, más íntimas y distendidas que académicas y solemnes, en las que la artista invitada participará en un coloquio, generando de esta manera un espacio de encuentro, acercamiento y diálogo entre artistas y asistentes.

Presentación del corto "Mujeres artistas incandescentes", escrito y dirigido por Mairea Seguí Buenaventura.  “MUJERES ARTISTAS INCANDESCENTES” es un trabajo audiovisual de investigación artística, donde se quiere profundizar, conectar las historias y vivencias de algunas mujeres artistas contemporáneas, relacionadas con la digitalización, las nuevas tecnologías y otras áreas de conocimiento. En su forma poética y narrativa se acerca a la técnica de videoarte, reflexionando sobre la repercusión que han tenido sus obras. Para concluir con las propuestas del futuro del arte dejando constancia de su visión del mundo y si el arte empodera a las personas, si es impulsora de movimientos sociales, y qué experiencias mueven a las artistas. Se centra sobre todo en esos espacios de creación colectiva y experimentación artística relacionados con las mujeres y el arte. Porque de algún modo, sirvieron para mostrar la escena vanguardista e impulsar alternativas artísticas a través de la computación, la combinación de disciplinas aparentemente inconexas (arquitectura, música, psicología, poesía, matemáticas…) y su influencia en artistas posteriores. La investigación concluye poniendo en común las propuestas y perspectivas sobre posibles utopías del arte digital. Un tema que se abordará de manera artística y poética, a través de las obras e historias recopiladas a partir de entrevistas sobre este movimiento artístico colectivo. Se da el protagonismo a las artistas y su percepción del proceso vivido, enmarcados en un contexto sociopolítico concreto. Relacionando las diferentes manifestaciones artísticas y su importancia, tanto histórica, personal, social y cultural. El montaje audiovisual estará compuesto, en parte, con imágenes de las obras de las artistas, grabadas previamente, para ser proyectadas y grabadas de nuevo en instalaciones y espacios cotidianos relevantes para ellas e imaginados. La estructura del guión se conforma en 3 bloques de temas relacionados: Pioneras; Influencia personal-social-cultural; Impulsos-futuros o utopías en el arte. El método de investigación cualitativo y exploratorio, plantea como tesis la influencia del arte como proceso que busca la rareza, el asombro y lo peculiar para transformar un conjunto de perspectivas particulares en un marco de pensamiento colectivo donde re descubrimos la historia y la huella dejada por estas mujeres Un proyecto diseñado, dirigido, producido, y protagonizado por mujeres artistas principalmente españolas que forman parte de la cultura como creadoras y conciliadoras al mismo tiempo, supervivientes a través del arte en un momento en España donde no era pensable que podía pasar. El propósito del documental no es tanto servir de homenaje sino plantear otros modos de aproximarse a la historia del movimiento de experimentación artística para traerlos al presente incorporando cuestiones relativas a la identidad, la memoria, la autenticidad, la transformación y el futuro del arte Artistas que colaboran en el proyecto Concha Jerez Es una artista multidisciplinar española pionera desde los años 60 en el arte conceptual, la instalación, la performance y el videoarte. Su obra de proyección mundial ha sido expuesta en México, Alemania, Dinamarca además de en el Museo Centro de Arte Reina Sofía. Este año protagonizó en ARCO el stand del periódico “El País”. Esther Ferrer Artista española pionera de la performance de mediados de los años 60, individualmente o como parte del grupo ZAJ, creado por W. Marchetti, Ramon Barce y J. Hidalgo. Como performances ha participado en Festivales en España, Italia, Suiza, Bélgica, Noruega, Inglaterra, Holanda, Polonia, Eslovaquia, Republica Checa, Hungría, Bulgaria, Canadá, México, Cuba, Brasil, Tailandia, Japón, Corea, Palestina, etc. Ha expuesto en Centro de Arte Reina Sofía, en la Galerie Satelite de Paris, Statsgalerie, Stuttgart (Alemania), etc. Yolanda Domínguez Artista visual, fotógrafa y activista española. Desarrolla temas de conciencia feminista y crítica social relacionados con el género, el consumo el arte como herramienta de intervención social. Ha realizado conferencias en la UAM, UCM, Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, UPV, Ministerio de Cultura de Argentina, Frontiers Design Suecia, Universidad New México EEUU, Parsons París, Universidad de Comunicación Perugia y Universidad de Mannheim, Alemania. TEDxMadrid, Caixaforum, Fundación Telefónica, Emakunde, Museo Picasso Málaga, Festival de Publicidad de San Sebastián, Etnosur o Cruz Roja. Colabora semanalmente con El HuffPost España y en el programa de radio Efecto Doppler en Rn3. Realiza campañas de concienciación para organismos gubernamentales como El Gobierno de Cantabria, El Gobierno de Asturias, El Ayuntamiento de Soria y El Instituto Canario de Igualdad. Sonia Megías Compositora y artista multidisciplinar española, directora de coros, intérprete de varios instrumentos, educadora. Ha interpretado sus composiciones en lugares como en Institutos Cervantes, de Centros Culturales de la AECID por el mundo, American Space Madrid, Teatro Real de Madrid, Centro Dramático Nacional, Auditorio Nacional de Música, Juilliard School de Nueva York, teatros y museos de El Salvador (Centroamérica). Desde 2017, trabaja como compositora residente para la Federación Coral de Madrid, y desde 2018, para el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Ana Buenaventura Socióloga y artista española pionera en la Investigación y Análisis de procesos automatizados del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid donde desde los años 70 desarrolla su obra y participa en seminarios, congresos y exposiciones como: Arquitectura, Arte y Ordenador en Sevilla y Córdoba, Congreso Internacional sobre Automática y Arte en Madrid, Congreso Internacional en el Instituto de Recherche de L´Informatica et automatique (I.R.I.A) en París, etc. Participa en exposiciones colectivas: VI Bienal de la Juventud de París , “Formas Computables”, CCUM en Madrid,Exposición IBM, Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid, “Arte y Ordenadores”, Instituto Alemán, Madrid, “Encuentros: Arquitectura y Pintura”, Pamplona, “Art of SPACE ERA”, Huntsville,Estados Unidos, Galería THEO Brandão. Maceió, Alagoas (Brasil). Han adquirido piezas suyas el Museo de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Contemporáneo de Móstoles y el FRAC Centre Val de Loire, Orleans (Francia) colectivosdevideofeminista en Francia. Durante la década de los setenta Delphine Seyrig conforma junto a Carole Roussopoulos, Ioana Wieder y Nadja Ringart el colectivo Les Insoumuses para producir trabajos en vídeo que acompañan su activismo en el seno del Movimiento de Liberación de las Mujeres. Co-fundadoras Centro Audiovisual Simone de Beauvoir en París, Francia. Shirin Salehi. Shirin Salehi, artista iraní artista multidisciplinar entre la escultura, el grabado, la instalación y el vídeo. Trabajo reconocido a través de residencias artísticas y premios, destacando la beca de la Academia de España en Roma (2020), la Casa de la Velázquez (2014), 1º premio al libro de artista Fundación Ankaria (2015), premio especial Combat Prize (Livorno, 2015), premio Pilar Banús en los Premios Nacionales de Grabado del Museo del Grabado Español Contemporáneo (2014) y 1º premio de FIG Bilbao (2012). Fundación Miró Mallorca en 2021 exposición de su proyecto de coautoría, Un Punto Fijo para Orientarse, junto a la artista española Inma Herrera tras haber recibido ambas el Premio Bienal Pilar Juncosa y Sotheby’s de Creación 2019. Recientemente ha sido nominada a The Queen Sonja Print Award en Noruega. Inma Herrera. Artista española multidisciplinar. Becada por la Real Casa de la Moneda para formarse como Especialista en Medios de Impresión Gráfica y Diseño y Acuñación Artística. Actualmente permanece activa y reside en Helsinki, Finlandia, donde cursa un MFA en Printmaking en Kuvataideakatemia, University of the Arts, gracias a una de las Becas de Posgrado en Europa 2014 de la Obra Social la Caixa. Recientemente galardonada con una Taideapuraha City of Helsinki Art Grant. Destaca como Accésit del Premio Joven UCM 2011; finalista de Arte 40 España 2012, FIG GRAPHIA de Bilbao 2013 y Miniprint Finland 2014. Ha expuesto individualmente en Helsinki, España, y Estocolmo. Capi Corrales Rodrigáñez Es una matemática española dedicada a la investigación y la docencia. A lo largo de su carrera ha realizado un gran número de publicaciones, desde artículos en revistas especializadas como colaboraciones en obras colectivas como libros propios. Parte de su investigación explora la relación entre las matemáticas y el arte centrándose en la obra de Elena Asins. Jose Rubio Mira.  Es una pintora española. Ha hecho exposiciones en Estados Unidos, en México y en varias galerías españolas. Forma parte del grupo de socios del Círculo de Bellas Artes donde realizan exposiciones colectivas efímeras desde hace varios años. Vera Chaves Barcellos Fotógrafa y artista multidisciplinar brasileña. De proyección mundial, dedicada a la difusión del Arte Contemporáneo,organizando varias exposiciones con varias publicaciones. Co fundadora de Nervo Óptico, grupo de artistas activo en Porto Alegre entre 1976 y 1978. Gestionó el influyente espacio expositivo Espaço NO, con 8 artistas femeninas y promovió formatos alternativos, como el mail art, la performance, la danza-teatro y la instalación. Desde 1980 realiza instalaciones multimedia, fotografía manipulada, imágenes computarizadas, objetos, videos y animación. Exposiciones en Brasil, España y Estados Unidos. El Museo Reina Sofía ha adquirido su obra. Noemí Martínez Díez Pedagoga y artista argentina. Especialista en Arte Terapia. Su versatilidad le ha conducido a realizar numerosos trabajos a lo largo de los años en el campo de la pedagogía y la escultura. Desde la enseñanza comenzando por la educación artística a niños. Impartió clases en la UCM y paralelamente realizó una amplia investigación sobre la Educación Artística, especializada en Arteterapia, dirigiendo tesis doctorales, sin abandonar su carrera artística. Irene Buarque Es una artista multidisciplinar brasileña pionera en el arte geométrico desde la década de los 60. 1973 va Portugal y se instala allí. Socia fundadora con Helena Almeida y Ernesto de Sousa, entre otros, de la Cooperativa de Artistas Diferença Comunicação Visual / 78. Tiene exposiciones en Brasil, Bélgica, Francia, Portugal y España. Maria Mallo Arquitecta, artista española multidisciplinar y escultora. Sus últimos proyectos han sido financiados y/o expuestos en la Bienal de Arquitectura de Orleans, Matadero Madrid, Medialab Prado, Fundación Banco Santader, DKV seguros, COAM, Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid y Casa de la Cultura de El Escorial. Además, ha sido Comisaria adjunta del Pabellón de España en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018 y Co-comisaria del Festival Madrid Futuro, dentro del III Congreso Internacional de Arquitectura Loading 2010 Construtec-COAM. Co-fundadora del colectivo de arquitectura y diseño Leon11. Mireia Luzárraga Arquitecta española cofundadora de Takk, un espacio para la producción arquitectónica en la intersección entre naturaleza y cultura con sede en Madrid y Barcelona. Parte de su trabajo pertenece al centro de arquitectura FRAC-Centre en Francia. Adicionalmente Takk ha participado en muestras internacionales en Venecia, Orleans, Oslo o Rabat y ha realizado dos exposiciones individuales en Viena y Barcelona. Mireia es profesora en la Universidad de Alicante, IAAC y BAU. Nadja Jamard Psicóloga comunitaria y artista de teatro. Sus investigaciones exploran el arte, la danza y el teatro como metodología para el trabajo social. Ha trabajado en intervenciones sociales en países como Brasil, Francia y España.

MAV, Mujeres en las Artes Visuales, con el apoyo de la Comunidad de Madrid y del Ministerio de Cultura y Deporte, y en colaboración con el Museo Lázaro Galdiano, presentan la Gala MAV 2022: un evento conmemorativo que reúne tres actos: un recorrido por BMAV22 Bienal Mujeres Artes Visuales 2022, IX Premios MAV y el X Aniversario de la Revista M-Arte y Cultura Visual. Se presenta un resumen de la edición haciendo un recorrido por las cinco propuestas seleccionadas en la convocatoria de ayudas, así como de las propuestas invitadas que han pasado a formar parte de la programación de la presente edición. En cuanto a las propuestas seleccionadas en la convocatoria de ayudas fueron: Body in Atelier: Arte, diseño y activismo Feminista, Dulce Pinzón y Tamara Ibarra; Manifesta del 2% Laboratoria Mujeres Accionando Museos, Tania Lombeida Miño; Al borde del tiempo, Raquel Algaba; Alojar la mirada, Artxibo: Tamara García y Sara Berasaluce; y Celebració, EXCHANGE Live Art. La Comisión de Valoración ha estado formada por Cèlia del Diego (ex directora en Centre d'Art la Panera), Iris Lam (gestora cultural y comisaria), Daniel Silvo (artista, comisario e investigador independiente) y las socias de MAV Isabel Sanz junto con María Jesús Abad Tejerina y Anxela Caramés, que también forman parte de la junta directiva y del grupo de trabajo de BMAV. La asociación MAV además ha colaborado con INTERSECCIÓN, Festival de Arte Audiovisual Contemporáneo. El evento, ha tenido lugar en Galicia durante el mes de octubre. El jurado, compuesto por Anxela Caramés Sales (comisaria), Isabel Pintado Palacio (artista), Rosario Sarmiento Escalona (comisaria) ha premiado a Cat & Éiméar McClay por A Body is a Body is a Body, un vídeo en el que el catolicismo, la brujería y el deseo queer chocan en cuadros animados en 3D. También ha otorgado dos menciones de honor MAV a: Monica Mura por Pensamiento sonoro, un ejercicio de escritura sin tinta que se vuelve sonora para quedar atrapada entre el medio digital y el analógico para perpetuarse a modo de banda de moebius; y, a Laura Tabarés por The Soft Boy, un audiovisual creepypasta que narra el encuentro con el Softboy, un ser blando y suave que representa un arquetipo para desentrañar la masculinidad suave/blanda y su papel en la sofisticación de la violencia machista. IX Premios MAV Las galardonadas en la IX Edición de los Premios MAV en las cinco categorías, son: a la trayectoria de una Artista/Creadora, Carmen Calvo; a la trayectoria de una Galerista, Begoña M. Deltell de Aural Galería; a la trayectoria de una Gestora/Comisaria, Rosa Mª Castells; a la trayectoria de una Teórica/Crítica, Marián López Fdz. Cao; a un proyecto individual o colectivo realizado en los dos últimos años, La memoria de las rapadas de Art al Quadrat. A estos cinco premios se suma el Premio Especial Socia Colaboradora otorgado por la Junta Directiva de MAV a la Revista M-Arte y Cultura Visual. Las premiadas nos acompañarán en la Gala MAV 2022 del 30 de noviembre en el Museo Lázaro Galdiano a partir de las 18h. El jurado de los IX Premios MAV, formado por: José Luis Pérez Pont –como especialista nombrado por la Junta Directiva, María Gimeno –en representación de las premiadas MAV 2020, Paula Noya y Claudia Martínez –socias MAV elegidas por sorteo, Esther Regueira y Alejandra Bueno –como representantes de la Junta, y Olga Méndez –como secretaria, con voz y sin voto, falló los Premios MAV 2022 el pasado 24 de octubre en una reunión vía Zoom, después del periodo de votación de las Socias MAV que definió las finalistas. X ANIVERSARIO REVISTA M-ARTE Y CULTURA VISUAL Celebramos los diez años de la revista M-Arte y Cultura Visual la cual el objetivo de tratar el arte y la cultura visual desde la perspectiva de género presenta otras miradas y sensibilidades, desde el convencimiento de que para alcanzar la sociedad de la igualdad entre hombres y mujeres, es preciso imágenes se abran a nuevas interpretaciones, diversas y compartidas, en la comprensión tolerante de las diferencias. Por eso no es una revista dedicada a difundir únicamente lo que aportan las mujeres al arte, ni está confeccionada exclusivamente a lectoras. Concebida por MAV como un espacio abierto, con la contribución plural de artistas y profesionales especializadas/os, hablamos sobre la actualidad del arte y la gestión del patrimonio artístico sin perder de vista síntomas visual en nuestro país y en el panorama internacional, planteando reflexiones y debates de interés para el conjunto de la comunidad de las artes visuales al menos en los países de habla hispana.

CULTURA, SOCIEDAD E INNOVACIÓN En un mundo hiperconectado, hiperglobalizado, en el que las conciencias y las esperanzas se forjan en la red, en un mundo complejo, en constante cambio, que se enfrenta a grandes desafíos que atañen a toda la humanidad, creemos que las organizaciones culturales tienen un papel fundamental que desempeñar. . Pueden acompañar a las audiencias en estos cambios, preparar y estructurar mentes, ser el crisol de sociedades más ágiles ante los cambios que trae la tecnología digital, ser los catalizadores de sociedades más creativas y más involucradas en su propio futuro. Así, en 2022, MuseumWeek se centrará en el tema de “ cultura, sociedad e innovación ”. El tema global es sobre innovación y cultura y aprovecharemos esta oportunidad para explorar otros 6 temas en todo el ecosistema cultural, en línea y fuera de línea: 13 de junio: #innovaciónMW 14 de junio: #creatorsMW 15 de junio: #libertadMW 16 de junio: #sexualityMW 17 de junio: #medioambienteMW 18 de junio: #lifeLessonsMW 19 de junio: #baileMW

Visita guiada con vermuth para público general recorriendo las salas y las obras de las mujeres artistas. Tradicionalmente, se ha considerado a la mujer como un ciudadano de segunda clase en el mundo de la cultura. Esta posición se basaba en una estadística apoyada en un número, muy limitado, de mujeres que habían destacado en el ámbito de la literatura, el pensamiento y en la artes plásticas. Esta idea se desmorona ante una simple consideración, y es las reducidas oportunidades de poder desarrollar sus talentos personales que tenían. Nos centraremos en Pamen Pereira, Esther Ferrer, Soledad Sevilla y Ángeles Marco, atentas a las preocupaciones plásticas de su generación y dominadas por su contexto sociocultural. De ellas conoceremos no sólo su obra sino también su vida, con la intención de despertar una nueva mirada, que reconozca el trabajo de la mujer en la superación de los roles y modelos impuestos en la historia del arte dominados por el sexo masculino.   Entrada libre hasta completar aforo.

El MACA, Museo de Arte Contemporáneo de Alicante quiere unirse a esta iniciativa loable que patrocina MAV, Mujeres por las Artes Visuales por la que se da visibilidad al arte realizado por mujeres. El propósito del Festival “Miradas de mujer” es potenciar y dar visibilidad al papel fundamental que tiene la mujer dentro de todos los ámbitos profesionales de las artes visuales. Hasta ahora el festival vinculaba las principales entidades y espacios culturales de Madrid y su comunidad pero en esta edición se hace extensiva a todo el territorio nacional.  La notoria escasez de obras en las colecciones permanentes de los museos hace casi imposible disfrutar de la obra de mujeres en las salas de exposiciones. El MACA quiere hacer notar (aunque en muy pequeño porcentaje, el 12,1%) la presencia de la obra de artistas mujeres en las muestras permanentes y así pueden disfrutarse obras de Sonia Delaunay, Juana Francés, Soledad Sevilla, Carmen Calvo, Victoria Civera, Ángeles Marco, Amparo Tormo y Esther Ferrer. En la exposición temporal que mostramos en este periodo del 25 de Enero al 7 de Abril titulada "A modo de reflexión" se incluyen obras de Montserrat Soto y Susy Gómez que además se encuentran ocupando lugares preeminentes en la Planta Baja del Museo. A raíz de la instalación de todas estas obras estableceremos para este Festival Miradas de Mujeres un itinerario didáctico que recorra la creación en femenino a lo largo de todos los espacios del museo desde la planta sótano 1, la planta 0, la planta 1 y la planta 2, estableciendo las posibles conexiones entre obras y artistas. Visitas dinamizadas para acercarnos a estas 10 obras en distintos formatos, técnicas y soportes: pintura, dibujo,escultura, collage, obra gráfica y fotografía desde 1962 hasta 2004. Visitas que pongan de manifiesto la importancia del arte hecho por mujeres y denuncia al mismo tiempo la escasez de su representación.

Dentro del programa Palabras Mayores, el MACA acoge una nueva sesión de “Encuentros con creadores locales”, una propuesta que busca abrir las puertas del museo a las voces que conforman el tejido artístico y cultural de nuestro entorno. En esta ocasión, recibimos a la artista Aurelia Masanet. Con más de cuarenta años de trayectoria, Masanet (Alcoy, 1955) ha explorado el textil, la pintura y la fusión de materiales para dar forma a paisajes íntimos y universos simbólicos donde lo visible y lo invisible se encuentran. Una cita imprescindible para conocer su singular lenguaje. Coordina: Juan Diego Cerdá