El MACA dentro de los actos programados del Año Sempere con motivo del 30 aniversario de la muerte de Eusebio Sempere quiere rendir homenaje al artista alicantino a través de una exposición formada en su totalidad por obras de las colecciones del MACA que ponen de manifiesto la importancia de la música y la literatura en la obra semperiana al tiempo que ponen el valor el trabajo minucioso de serigrafía que realizó Abel Martín. Las Cuatro Estaciones de 1965 es la primera carpeta de serigrafías artísticas que se estampa en España. Hace de ello 50 años y la presentación en la Galería Juana Mordó se convirtió en un éxito de público y crítica sin precedentes. Fue el inicio de uno de los conjuntos de obra gráfica más importantes realizados en la España del siglo XX, el del artista Eusebio Sempere, excepcional tanto por su calidad como por su cantidad. Aproximadamente doscientas obras entre serigrafías, litografías y grabados, elaboradas de forma artesanal en las que se alcanzan altísimas cotas de perfección siempre minuciosa y a veces, preciosista.

La muestra sobre Arte normativo está compuesta por más de 50 obras entre esculturas, pinturas y fotografías y conmemora el 50 aniversario de la primera exposición de Arte Normativo español que tuvo lugar en Valencia el 12 de marzo de 1960. La muestra, cuyos comisarios son Pablo Ramírez y Angel Llorente, muestra 12 esculturas de Andreu Alfaro, Grupo 57 y José María de Labra, 27 pinturas de Isidro Balaguer, Monjalés, Manolo Calvo y Grupo 57, 5 fotografías de José Martínez Perís, y Grupo Parpalló, 5 relieves luminosos del alicantino Eusebio Sempere, 2 tablas de José Mª de Labra, además de otros elementos expositivos como el cartel de la exposición de 1960 y una película de Equipo 57. El 12 de marzo de 1960 se inauguró en el Ateneo Mercantil de Valencia la Primera exposición conjunta de arte normativo español. Esta muestra fue organizada por el Grupo Parpalló y contó con la participación del Equipo 57, el Equipo Córdoba, José Mª Labra y Manuel Calvo. En la exposición se exhibieron obras de todos ellos junto con los miembros del grupo valenciano: Andreu Alfaro, Eusebio Sempere, Isidro Balaguer, Monjalés y el decorador José Matínez Peris. Coordinada por los críticos valencianos Vicente Aguilera Cerni y Antonio Giménez Pericás, la exposición constituyó la culminación de un intenso proceso previo de relación y debate entre los distintos críticos de arte, grupos artísticos y artistas que habían tomado partido por la abstracción geométrica en abierta oposición al informalismo. El arte normativo o normativismo fue la etiqueta autóctona propuesta, en la España de finales de la década de los cincuenta, con la intención de crear un amplio movimiento representativo, e inédito en nuestro país, de un arte abstracto geométrico heredero del neoplasticismo, el constructivismo y la Bauhaus.Formada por 12 esculturas, 27 pinturas, 5 relieves luminosos, 5 fotografías, 2 tablas y otros elementos expositivos como el cartel de la exposición de 1960 y una película del Equipo 57.

La exposición “Blanco y negro: sujeto, espacio y percepción” es una aproximación a la obra de diversos artistas que, en el ámbito español desde el final de la posguerra hasta nuestros días, se han planteado la creación plástica desde la obra monocromática en blanco o en negro a la construcción de un espacio que se articula en torno a dualidades opuestas o complementarias. En consecuencia, plantear una exposición sobre el color es reflexionar sobre uno de los temas centrales para la creación contemporánea. Entre las sucesivas vicisitudes que atravesó el color durante el siglo XX, observamos cómo, desde la segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, el color sufrió un continuo proceso que lo transformó en un material común y banal dentro de la vida cotidiana, que pasaba a ser fabricado en serie y estandarizado por el comercio. En el ámbito artístico sus repercusiones no fueron menores, por ello, cierto número de artistas conformaron una paleta de colores muy alejada de cualquier voluntad espiritual, intencional o significativa que, hasta entonces, la tradición del arte había reclamado. Esta nueva presentación de la exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, que toma como base la Colección de la Fundación Chirivella Soriano, se estructura en cuatro ámbitos: Preludio sobre el blanco; individuo aislamiento, sociedad; la destrucción y el amor; y por último, Armonio de contrarios.

Esta colección comenzó a formarse hace más de 30 años por los organismos que precedieron a AENA en la toma de decisiones sobre inversiones en infraestructuras aeronáuticas. La mayor parte de las pinturas, esculturas, murales y obras gráficas, que componen la Colección corresponden, con algunas importantes excepciones, a la producción artística española e iberoamericana más reciente donde están representadas las más significativas tendencias del arte contemporáneo. La selección que se muestra en el MACA corresponde a una excelente generación de artistas que representan lo mejor del arte español del último cuarto del siglo XX. Nombres ya clásicos de una estética contemporánea como lo son: Eduardo Arroyo, Miquel Barceló, José Manuel Brotó, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Miquel Navarro, Pablo Palazuelo, Soledad Sevilla, José María Sicilia, Darío Urzay, Juan Uslé, Xesús Vázquez y Dario Villalba. Las obras escogidas destacan por su contemporaneidad y su fuerza expresiva y provocan en el espectador un intenso impacto emocional.

Un conjunto reducido de artistas plásticos Eusebio Sempere, Francisco Sobrino, Eduardo Sanz, Jordi Teixidor, José Mª Yturralde, Joaquín Michavila y Ramón de Soto así como los músicos Tomás Marco y Francisco Llácer, inspirados programáticamente por el crítico Vicente Aguilera Cerni, articularon una consistente propuesta artística de corte gestáltico e integradora de disciplinas en consonancia con el panorama europeo que se debatía entre el realismo crítico de raigambre pop y la abstracción geométrica. En el entorno valenciano, esta dialéctica se observa claramente en la alternancia que en aquella época caracterizó los posicionamientos de Aguilera Cerni, tan influenciado por el italiano Giulio Carlo Argan. `Antes del Arte´ supuso la radicalización de algunas ideas que se fundamentaron antes en el proyecto Arte Normativo de 1960 y que estudiamos en la primera exposición que tuvo lugar en el propio MACA, del 13 de diciembre de 2010 al 6 de febrero de 2011. Los artistas de `Antes del Arte´ insisten en la recuperación de la voluntad de vincular arte y ciencia, interés propio de algunas vanguardias históricas que había permanecido latente en la tradición de la abstracción geométrica. Antes del Arte constituyó también un precedente inmediato de las actividades del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid de las que ahora también se cumplen 50 años. `Antes del Arte´ es también un esfuerzo contextualizador del sistema cultural valenciano en el entorno europeo en la línea de respaldo al arte gestáltica de Argan como una nueva vía superadora de la crisis del informalismo europeo y debe de ponerse en relación con la exposición ‘Le mouvement’ de 1955 en la Galería Denise René de París y con la exposición ‘The Responsive Eye’ del MOMA de Nueva York en 1965. Ahora se cumplen 50 años de aquella aventura y esta exposición, comisariada por el arquitecto Santiago Pastor Vila y producida por el Vicerrectorado de Cultura y Deporte de la Universitat de València y la Fundació General de esta institución académica, constituye una mirada retrospectiva sobre la corta andadura, aunque tremendamente intensa, de este colectivo artístico en un tiempo de especial trascendencia histórica como el que rodea el año 1968. Se han reunido muchas de las obras que integraron las tres principales muestras del grupo en el Colegio de Arquitectos de València y la Galería Eurocasa de Madrid en 1968 y en la Galería As de Barcelona en 1969. Medio siglo después, esta exposición aniversario, que ahora itinera desde València al MACA, pretende recrear el ambiente visual y sonoro de aquellas muestras capaces de generar diversas experiencias ópticas, perceptivas y estructurales, recurriendo en muchas ocasiones, a los mismos fundamentos físicos que empleaban los mass media y las compañías publicitarias de la época. También se muestran a modo de contexto, producciones de estos artistas en los años inmediatamente anteriores y posteriores a su pertenencia al grupo, lo que permite apreciar el efecto que tuvo en sus trayectorias ‘Antes del Arte’, especialmente en aquellos que se encontraban en la etapa inicial de su itinerario artístico.

Premio ALCE al mejor diseño gráfico de exposición y materiales de comunicación Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada gracias a un convenio suscrito entre ambos ayuntamientos. La exposición estaba compuesta por un total de 20 obras, procedentes de instituciones y museos así como de colecciones particulares: Componen una selección de piezas comprendidas entre 1965 y 2008 con un evidente hilo conductor, en tanto que se trata de pinturas de gran formato y potencia expresiva, que muestran al Tàpies más rotundo y significativo. Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) es indudablemente uno de los artistas más importantes de la historia artística del siglo XX y uno de los representantes más genuinos de la tendencia informalista. Esta exposición invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene. Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel. La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no sólo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

Obras prestadas por: colecciones particulares, Patrimonio Nacional, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Fundación La Caixa, Patio Herreriano, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Azcona, Fundación Suñol, Fundación Juan March, etc. Pablo Palazuelo es una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX. Artista excepcional dentro del panorama del arte abstracto español, no solo por ser autor de una obra plena y rica en su diversidad que lo convierte en singular, sino también porque se aparta de las tendencias generales en las que se inscribieron el resto de los artistas de su generación, más interesados en la abstracción matérica o gestual. Su obra siempre minuciosa y pulcra, responde a una concepción de tipo geométrico muy personal que se caracteriza por una depuradísima técnica y un admirable sentido del color, constantes que están siempre presentes a lo largo de toda su carrera. Esta exposición titulada Palazuelo. Caligrafías musicales pretendía acercarse a la obra del artista desde su relación con la música, recorriendo la relación tan íntima que existe entre su obra, el sonido y el silencio. Permitía contemplar cómo el lenguaje musical subyace a toda la trayectoria del creador madrileño como un elemento común denominador. La muestra presenta obras procedentes de instituciones públicas y privadas, de museos y fundaciones así como de coleccionistas particulares que generosamente han cedido sus obras para esta exposición, sin las cuales no hubiera sido posible.