Un conjunto reducido de artistas plásticos Eusebio Sempere, Francisco Sobrino, Eduardo Sanz, Jordi Teixidor, José Mª Yturralde, Joaquín Michavila y Ramón de Soto así como los músicos Tomás Marco y Francisco Llácer, inspirados programáticamente por el crítico Vicente Aguilera Cerni, articularon una consistente propuesta artística de corte gestáltico e integradora de disciplinas en consonancia con el panorama europeo que se debatía entre el realismo crítico de raigambre pop y la abstracción geométrica. En el entorno valenciano, esta dialéctica se observa claramente en la alternancia que en aquella época caracterizó los posicionamientos de Aguilera Cerni, tan influenciado por el italiano Giulio Carlo Argan. `Antes del Arte´ supuso la radicalización de algunas ideas que se fundamentaron antes en el proyecto Arte Normativo de 1960 y que estudiamos en la primera exposición que tuvo lugar en el propio MACA, del 13 de diciembre de 2010 al 6 de febrero de 2011. Los artistas de `Antes del Arte´ insisten en la recuperación de la voluntad de vincular arte y ciencia, interés propio de algunas vanguardias históricas que había permanecido latente en la tradición de la abstracción geométrica. Antes del Arte constituyó también un precedente inmediato de las actividades del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid de las que ahora también se cumplen 50 años. `Antes del Arte´ es también un esfuerzo contextualizador del sistema cultural valenciano en el entorno europeo en la línea de respaldo al arte gestáltica de Argan como una nueva vía superadora de la crisis del informalismo europeo y debe de ponerse en relación con la exposición ‘Le mouvement’ de 1955 en la Galería Denise René de París y con la exposición ‘The Responsive Eye’ del MOMA de Nueva York en 1965. Ahora se cumplen 50 años de aquella aventura y esta exposición, comisariada por el arquitecto Santiago Pastor Vila y producida por el Vicerrectorado de Cultura y Deporte de la Universitat de València y la Fundació General de esta institución académica, constituye una mirada retrospectiva sobre la corta andadura, aunque tremendamente intensa, de este colectivo artístico en un tiempo de especial trascendencia histórica como el que rodea el año 1968. Se han reunido muchas de las obras que integraron las tres principales muestras del grupo en el Colegio de Arquitectos de València y la Galería Eurocasa de Madrid en 1968 y en la Galería As de Barcelona en 1969. Medio siglo después, esta exposición aniversario, que ahora itinera desde València al MACA, pretende recrear el ambiente visual y sonoro de aquellas muestras capaces de generar diversas experiencias ópticas, perceptivas y estructurales, recurriendo en muchas ocasiones, a los mismos fundamentos físicos que empleaban los mass media y las compañías publicitarias de la época. También se muestran a modo de contexto, producciones de estos artistas en los años inmediatamente anteriores y posteriores a su pertenencia al grupo, lo que permite apreciar el efecto que tuvo en sus trayectorias ‘Antes del Arte’, especialmente en aquellos que se encontraban en la etapa inicial de su itinerario artístico.

Premio ALCE al mejor diseño gráfico de exposición y materiales de comunicación Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada gracias a un convenio suscrito entre ambos ayuntamientos. La exposición estaba compuesta por un total de 20 obras, procedentes de instituciones y museos así como de colecciones particulares: Componen una selección de piezas comprendidas entre 1965 y 2008 con un evidente hilo conductor, en tanto que se trata de pinturas de gran formato y potencia expresiva, que muestran al Tàpies más rotundo y significativo. Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) es indudablemente uno de los artistas más importantes de la historia artística del siglo XX y uno de los representantes más genuinos de la tendencia informalista. Esta exposición invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene. Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel. La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no sólo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

Obras prestadas por: colecciones particulares, Patrimonio Nacional, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Fundación La Caixa, Patio Herreriano, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Azcona, Fundación Suñol, Fundación Juan March, etc. Pablo Palazuelo es una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX. Artista excepcional dentro del panorama del arte abstracto español, no solo por ser autor de una obra plena y rica en su diversidad que lo convierte en singular, sino también porque se aparta de las tendencias generales en las que se inscribieron el resto de los artistas de su generación, más interesados en la abstracción matérica o gestual. Su obra siempre minuciosa y pulcra, responde a una concepción de tipo geométrico muy personal que se caracteriza por una depuradísima técnica y un admirable sentido del color, constantes que están siempre presentes a lo largo de toda su carrera. Esta exposición titulada Palazuelo. Caligrafías musicales pretendía acercarse a la obra del artista desde su relación con la música, recorriendo la relación tan íntima que existe entre su obra, el sonido y el silencio. Permitía contemplar cómo el lenguaje musical subyace a toda la trayectoria del creador madrileño como un elemento común denominador. La muestra presenta obras procedentes de instituciones públicas y privadas, de museos y fundaciones así como de coleccionistas particulares que generosamente han cedido sus obras para esta exposición, sin las cuales no hubiera sido posible.

En los años setenta empleé la fotografía en blanco y negro con numerosos propósitos, pero quizás el más importante y el que he mantenido a lo largo del tiempo, es el de analizar los elementos orgánicos de la pintura, neutralizando y cosificando el gesto. En la actualidad trato de crear espacios en los que la pintura y la fotografía dialogan e interactúan entre sí; intento articular maneras para la expansión de la fotografía en mi obra. Me sigue interesando primordialmente la pintura como interrogación corporal; no obstante, la intervención técnica de la fotografía crea una tensión dialéctica, un espacio mental en crecimiento. Luis Gordillo GORDILLO: UN ARTISTA IMPRESCINDIBLE Luis Gordillo nace en Sevilla en 1934. Su carrera artística comenzó a mediados de los años cincuenta cuando decidió ser pintor tras licenciarse en Derecho y haber estudiado música. Vivió en París un clima de libertad entonces difícil en España y allí amplía sus conocimientos sobre la vanguardia. Su obra se conforma en los años sesenta recogiendo tres influencias básicas: el informalismo, el arte Pop y el geometrismo. Con estos elementos, algunos contradictorios, configura un estilo ya propio, que ha tenido una fuerte influencia sobre artistas de las siguientes generaciones. Ha utilizado en los setenta la fotografía y otras técnicas de transformación de la imagen como maquinaria de disección y análisis del proceso pictórico, posteriormente incorporado las nuevas tecnologías digitales. A partir de los años 80 alcanza su madurez creativa con un estilo artístico inconfundible que lo ha mantenido alejado de grupos y tendencias en una especie de automarginación. Gordillo es, sin duda alguna, una de las figuras más influyentes y punto de referencia esencial del arte español del último medio siglo. Entre sus numerosas exposiciones en espacios públicos cabe destacar las siguientes exposiciones antológicas; MACBA (Barcelona, 1999), Museum Folkwang (Essen 2000), IVAM (Valencia 1993), Meadows Museum (Dallas, 1994), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2007), Kunst Museum (Bonn, 2008), CAAC (Sevilla 2016) y el CGAC (Santiago de Compostela 2017). Ha recibido numerosos premios y reconocimientos entre los que destacamos el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981) y el Premio Velázquez a las Artes Plásticas (2007). FOTOALIMENTACIÓN Presentamos al Gordillo más cercano a la fotografía. El artista utiliza desde principios de los años 70 la fotografía con la finalidad de encontrar otras opciones al color dominante en su pintura: por abrir una investigación neutralizadora de su utilización violenta de colores complementarios. Esta práctica fotográfica experimental le permite indagar sobre la construcción, reconstrucción y destrucción de la imagen. Técnicas de transformación como la fotografía pero también la imprenta, la fotocopia y el collage reciclándose y trabajando en espiral. A través de esas técnicas Gordillo adopta modos del arte óptico y constructivista como la seriación, la repetición, las variantes y diferencias entre lo casi idéntico que le permiten desdoblar, simultanear y copiar una misma imagen obsesivamente. Trabajando con el negativo y el positivo de la imagen, superpuestos o a veces ligeramente desplazados, y también descompuestos en los cuatro colores de la cuatricromía, Gordillo convierte las imágenes resultantes en “esquizoides”, un estilo singular empapado de melancolía irónica en parte influenciado por su larga practica psicoanalítica. Gordillo, en su afán coleccionista, acumula tanto objetos banales de la cultura popular como imágenes de la prensa haciendo una amplia radiografía de la realidad; de todo ello se decantan imágenes de carácter psicodélico a veces cercanas al pop. Esta exposición muestra dos etapas con claras diferencias: una primera con el trabajo fotográfico de los 70, casi en su totalidad en blanco y negro y otra posterior donde ya aparece el color y la utilización de la nueva tecnología digital que le abre a Gordillo un campo casi infinito a la experimentación.

“Esther Ferrer: el cuerpo atravesado por el género, el espacio y el tiempo”, producida por el Consorci de Museus de la Generalitat, recoge una importante selección de la obra de esta artista polifacética, destacada referente del arte contemporáneo español y pionera de la performance en España, cuyo trabajo está reconocido con el Premio Nacional de Artes Plásticas, el Premio Velázquez de Artes Plásticas y el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales). La muestra está comisariada por la crítica de arte Margarita Aizpuru y centra su discurso en la idea de la mujer y de su cuerpo confrontado con el tiempo y con el espacio; un cuerpo, el de la propia Esther Ferrer, que le sirve a la artista de lugar de experimentación para visualizar como la huella del tiempo va horadando inexorablemente el ideal de la eterna juventud femenina. Así, el cuerpo, “su cuerpo”, se convierte en un arma crítica que pone en revisión cómo se ha construido ese ideal femenino y los códigos que impone la sociedad. Esther Ferrer, artista independiente Esther Ferrer es una artista radical e independiente. Tras una larga trayectoria de más de cuarenta años desarrollando un trabajo sistemático, riguroso y metódico toda su obra se reduce a una sola: Esther Ferrer. Ella es la obra, su cuerpo, sus autorretratos, su voz, sus ideas, sus palabras. Nacida en San Sebastián en 1937, es licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo y estudió Arte en París, ciudad en la que reside y trabaja desde 1973. En su ciudad natal creó, junto con otros artistas, un taller de libre expresión. También es impulsora de la puesta en marcha de una escuela experimental en Elorrio. Asimismo, su actividad docente le ha llevado a impartir clases en las escuelas de Bellas Artes de Canadá, Francia, Italia o España, entre otras. Desde 1967 fue una de las principales integrantes del grupo Zaj, colectivo creado en 1964 por Juan Hidalgo y Walter Marchetti, entre otros. Desde entonces y hasta fines de los años noventa, los integrantes del colectivo desarrollaron paralelamente sus trayectorias por separado, como es el caso de Esther Ferrer.

El MACA presenta la mayor exposición de Kara Walker realizada hasta la fecha en España. La exposición que se podrá visitar hasta el 7 de septiembre, está comisariada por Rosa Castells, y plantea un recorrido por su trayectoria de las últimas cuatro décadas. Kara Walker es una de las artistas más destacadas de su generación y más interesantes del panorama artístico internacional, con una obra compleja que analiza en escenas a veces caóticas, cuestiones de raza, identidad, poder y deseo utilizados siempre como sistemas de opresión y subyugación, a través de siglos y continentes. La exposición. La muestra reúne los numerosos trabajos de Kara Walker presentes en la colección Michael Jenkins y Javier Romero del MACA. Comisariada por Rosa Castells, está formada por 44 piezas que recorren parte de su trayectoria y constituyen uno de los conjuntos de obra más completos de la artista existente en instituciones europeas. Aquí se muestran dibujos, grabados, esculturas, libros de artista y uno de sus videos más recientes, un total de 31 obras donadas en propiedad al MACA en 2021 y 13 piezas depositadas en 2024 para esta exposición que han viajado desde Nueva York. Los primeros trabajos que se exhiben están fechados en 1996 y 1997. Una primera pieza titulada I’ll Be a Monkey’s Uncle, nos adentra ya en la característica fórmula de siluetas recortadas en negro utilizadas en distintos formatos y técnicas por la que se reconoce la obra de Kara Walker. Del mismo año, se exhibe un conjunto de grabados que permite admirar el dominio de Walker sobre las técnicas tradicionales de impresión, en este caso aguafuerte y aguatinta para crear superficies impresas que recuerdan a los dibujos de tinta y aguada. En ellos cuestiona nociones romantizadas de la historia estadounidense recurriendo a imágenes estereotipadas y racializadas y evoca deliberadamente lo grotesco. Fechados entre 1999 y 2000, un conjunto de 8 dibujos sobre pequeños papeles, que tienen un aire de espontaneidad y de emoción sin filtrar y remiten a la importancia que el dibujo como base de toda su propuesta artística tiene en la práctica creativa de Walker. Tres grandes series de obra gráfica ejemplifican el dominio de la artista sobre las técnicas de impresión y demuestra con la superposición de todas ellas. Una serie de grandes serigrafías titulada fechada en el año 2000 que, en la que crea unas enigmáticas piezas de apariencia aterciopelada donde combina imágenes que aluden a las atrocidades de la esclavitud inspiradas también en la mitología griega y en los cuentos populares afroamericanos del sur. Testimony es una serie de cinco fotograbados inspirados en su primera película de 2004, donde las siluetas negras recortadas en papel cobran inquietante vida, manipuladas como marionetas de sombras con las manos del titiritero a la vista. Los fotograbados simulan la textura cinematográfica del teatro de sombras o de la linterna mágica confiriendo a las imágenes una cualidad especial. Otra gran serie de grabados es la suite An Unpeopled Land in Uncharted Waters de 2010, donde a modo de narración, mediante imágenes enigmáticas y oníricas, la artista reflexiona sobre la traumática historia de la trata transatlántica de esclavos y su legado de violencia y luchas raciales. Exodus of Confederates from Atlanta de 2005 es una espectacular pieza que combina la litografía y la serigrafía para confrontar imágenes históricas con una nueva lectura. De 2017 Resurrection Story without Patrons, es una obra realizada tras una residencia en la Academia Americana de Roma en 2016, un período muy influyente en su desarrollo artístico que la llevó a considerar cómo el mito, el martirio y la iconografía del cristianismo se entrecruzan con el legado de la esclavitud en América. En la exposición se muestran además tres libros de artista. De 1997 un pequeño libro ilustrado Freedom, A Fable by Kara Elisabeth Walker con versiones desplegables de sus famosas siluetas a modo de pop-ups. Del mismo año 1997, el libro-catálogo de edición limitada Kara Walker: The Renaissance Society at the University of Chicago, con cubierta impresa entelada y decorada con pan de oro. El tercer libro es Five Poems, by Toni Morrison with silhouettes by Kara Walker, editado en 2002 que ilustra cinco poemas de la primera y única ganadora afroamericana del Premio Nobel de Literatura en 1993. La exposición cuenta con una serie de esculturas que amplifican el trabajo de Kara Walker, The Katastwóf Karavan y The Bush, Skinny, De-Boning, realizadas en acero cortado con láser y pintado en negro son extremadamente efectivas en la representación y el mensaje emitido. Otra pieza incluida en la exposición es la Jarra de porcelana de Limoges creada en 2014 con el fabricante francés de porcelana Bernardaud. Burning African Village Play Set with Big House and Lynching, es un extraordinario juego escultórico de 22 figuras creado en 2006. En ellas, Kara Walker subvierte la función original de las siluetas de papel recortado del siglo XVIII, que se utilizaban originalmente para retratos elegantes de personas socialmente prominentes. Aquí las reinterpreta para explorar las relaciones basadas en el poder. La exposición se completa con una película de animación de 12 minutos que se exhibe por cortesía de la artista. Prince McVeigh and the Turner Blasphemies de 2021 con música original de Lady Midnight. La artista Kara Walker (Stockton, California, 1969). Creció en Atlanta desde los trece años. Se licenció en el Atlanta College of Art en 1991 y obtuvo un máster en la Rhode Island School of Design en 1994. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el John D. and Catherine T. MacArthur Foundation Fellowship Award (1997) y el United States Artists Eileen Harris Norton Fellowship (2008). Ingresó en la Academia Americana de las Artes y las Letras en 2012 y fue nombrada académica honoraria de la Real Academia de Arte de Londres en 2019. Su obra aborda temas de violencia, identidad, raza y sexualidad en el contexto de la herida psicológica todavía vigente causada por el trágico legado de la esclavitud, presentando una visión crítica del pasado histórico y examinando los estereotipos raciales y de género en nuestra sociedad actual. Conocida por su trabajo de siluetas recortadas en papel, inspiradas en la tradición histórica de los retratos de sombras victorianos, en el teatro de sombras o en las linternas mágicas, Walker utiliza, en trabajos de gran belleza formal, el lenguaje de la sátira y los arquetipos para revelar las contradicciones del concepto que una nación tiene de sí misma, al tiempo que arroja una mirada subversiva muy lúcida sobre las alusiones histórico-artísticas que influyen en sus obras. A través del dibujo, el grabado, la escultura, el vídeo y la instalación, la artista explora la representación de la noción de raza en el arte moderno y contemporáneo, así como la necesidad de establecer nuevas narrativas que desafíen la manera como miramos y entendemos la historia. Las imágenes en la obra de Walker, tomadas tanto del realismo histórico como del espacio fantástico de lo imaginado, seducen por su desgarro emocional, la fuerza intelectual que abrigan y su extraordinaria belleza visual. Su obra se encuentra en numerosos museos y colecciones públicas, como: The Museum of Modern Art, Nueva York; Tate Modern, Londres; Centre Pompidou, Paris; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Deutsche Bank, Frankfurt; Museo Nazionale delle Art del XXI Secolo, MAXXI, Roma; The Menil Collecion, Houston; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; British Museum, Londres; Art Gallery of Ontario, Toronto; Kunstmuseum Basel; Magasin III, Estocolmo; Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris; Museum voor Moderne Kunst, Holanda; Smithsonian American Art Museum, Washington, DC; Whitney Museum of American Art, Nueva York.